Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler 
(webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)
Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.
C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.
Episode 1 : worldbuilding, history
comment donner l’impression que le monde et les personnages ont une histoire ?
La méthode tolkien : tout écrire.
Possibles méthodes : réfléchir à ce qui a de l’impact sur l’histoire et le développer. Réfléchir aux causes d’un événement : un événement n’a jamais qu’une seule cause. Réfléchir à ce que savent les personnages selon leur origine.
Attention : limite : quand l’histoire qu’on développe devient juste quelque chose d’amusant, sans rapport et sans impact avec le scénario et les personnages.
Episode 2 : keeping it real
pour les personnages, fréquenter des gens de la tranche d’âge, ou de la profession du personnage.
Lieux imaginaires : essayer de visiter des lieux qui ressemblent.
S’intéresser aux petits détails, les rendre réels, permet de faire passer les plus grosses inventions, et surtout, de ne pas avoir à expliquer comme une magie ou une technologie fonctionne.
L’histoire : marche bien quand personnages sont réels. Faire des recherches sur un sujet, va suggérer des pistes pour l’histoire.
Episode 3 : stumping
comment faire pour qu’on aime un personnage qui a des idées radicales?
Lui donner des motivations, le rendre drôle, ou noble…
possible de sélectionner un genre dans lequel on veut écrire, puis y incorporer des éléments d’autres genres qu’on trouve intéressants.
Episode 4 : Non linear storytelling
Le « millefeuille » : un morceau dans le passé, un morceau dans le présent.
Ne pas faire : transitions trop abruptes, garder les morceaux intéressants pour le passé et que l’action dans le présent manque de piquant et de tension.
Les « flashback » : bien pour éviter de balancer des infos, les fait passer plus en finesse. Attention à ne pas en abuser.
Episode 5 :: taking criticism
lettres de rejet : ne pas les prendre personnellement, s’intéresser à celles plus détaillées, qui expliquent pourquoi l’œuvre n’a pas été retenue.
Critiques : se dire que de toute manière, pour chaque œuvre, il y aura toujours une personne qui n’aimera pas. Réfléchir aux points soulevés par la critique et se demander s’il n’y aurait pas un fond de vérité et si oui, qu’est-ce qu’on peut améliorer. Ne jamais être défensif face à une critique, une critique ne donne pas une vérité absolue, juste le ressenti d’un lecteur face à un texte.
On critique un texte et non une personne, dès l’instant où la critique se met à attaquer la personne, l’ignorer est ce qu’il y a de mieux à faire.
Episode 6 : Dramatic breaks
apprendre à découper son histoire en petits morceaux
chercher à savoir ce qui est intéressant à raconter et à quel moment ça cesse de l’être. Finir une scène : chercher à maintenir l’intérêt du lecteur, à lui donner envie de lire la suite. Mais attention à ne pas trop en faire.
Réfléchir aux unités temporelles, il peut y avoir une pause entre les chapitres qui correspond à un saut dans le temps (ex : Harry Potter, ellipse de plusieurs mois).
Episode 7 : genre blending
Mélanger les genres. Attention à ne pas perdre le public car il a des attentes
connaître les attentes, pour y répondre.
Episode 8 : what star Trek did right
Dernier film star trek
Connaît les attentes des spectateurs, et joue avec pour explorer une nouvelle voie.
Résous des arcs de personnages.
Episode 9 : Attending conventions (part 1)
liste des conventions aux États-Unis et à quoi elles peuvent servir pour un auteur essayant de se placer.
Intéressant, car permettent de rencontrer des auteurs et de créer des contacts.
Episode 10 : Attending conventions (part 2)
Ce qu’il ne faut pas faire : ne pas jouer au boulet, ne pas chercher à monopoliser l’attention. Ne pas jouer à la fan girl.
Ce qu’il faut faire : ne pas hésiter à demander aux auteurs sur quels sites/forum/réseau social ils sont pour les suivre, bonne accroche : demander sur quoi un auteur travaille (la question marche aussi bien si on tombe sur des éditeurs)
Episode 11 : Trimming
Polir l’histoire.
Retirer ce qui est inutile pour gagner en efficacité, dire les choses de manière plus percutante.(très souvent, lors du 1er jet, les 1ères phrases d’un chapitre, ou d’un dialogue… sont inutiles).
Ne pas hésiter à relire avec un œil critique pour éliminer les scories.
Episode 12 : subplot
Une autre histoire qui se déroule en parallèle à l’histoire principale
ces histoires permettent de développer des personnages secondaires, pour éviter qu’ils soient trop plats, donnent de la réalité à un univers en donnant des détails, du réalisme (cf. Harry Potter et les petites anecdotes sur l’univers), permet aussi d’introduire un élément qui va se révéler important pour la suite. Attention à ne pas laisser cette histoire trop empiéter sur l’histoire principale. Une histoire annexe doit être courte et efficace.
Si l’histoire parallèle est plus intéressante, c’est qu’il faut la développer et qu’elle est peut être en fair l’histoire principale.
Episode 13 : Dialects
Faire des recherches, regardes des films pour essayer de déterminer l’accent ou le dialecte qu’on veut.
Changer quelques lettres, changer l’ordre des mots (Cf. Yoda).
Inventer nouveaux mots qui servent à remplacer les jurons (Frak, frell…)
Avant tout, chercher à trouver une voix pour le personnages ;
Episode 14 : les 4 principes du marionnetiste
Le focus : attirer l’attention du personnage ou du lecteur sur ce qu’on veut, comme le marionnettiste manipule sa marionnette
La respiration: la respiration crée les temps forts de l’histoire.
Les fils : si on voit trop les fils dont le marionnettiste se sert, l’illusion se brise. Même chose pour le personnage, si on voit trop l’auteur derrière. Personnages doivent avoir une cohérence interne. Actions doivent être logiques
La signification du mouvement: mouvements doivent avoir une cause, conséquence, et dire quelque chose sur le personnage.
Episode 15 : Question and Answers, writing process
Les sauvegardes c’est bien, en faire souvent, c’est mieux !
D’où viennent les idées des auteurs ? Le plus souvent, les auteurs ont beaucoup d’idées d’histoire, la difficulté est de faire le tri entre celles pertinentes et celles qui ne le sont pas, et arriver à relier plusieurs idées ensemble pour créer une histoire avec de la profondeur.
Episode 16 : anti Mary Sue
Pour ne pas écrire de Mary Sue, ne pas baser son personnage sur soit, mais essayer de le connaître en profondeur, de se mettre dans sa tête.
Faire des recherches sur des visages, des personnalités, différentes de la sienne.