Malgré le titre un peu putaclic (my bad ^^) j’essaye de développer le propos et surtout, je le rappelle encore et encore, si vous avez d’écrire votre série en 14 tomes, faites le !

Je suis la preuve vivante que c’est possible de continuer sa carrière d’écrivaine malgré ça !

Quoi qu’il se passe, restez positifs et ayez confiance en vous et en vos capacités d’apprentissage. L’écriture c’est ça : on ne cesse jamais d’apprendre. 

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Comment faire pour qu’ils aient des compétences, mais aussi des faiblesses, sans que ça paraisse artificiel? 

Comment créer un bon antagoniste qui donne du fil à retordre aux protagonistes? 

Tant de questions que les écrivains se posent, et il se trouve que j’ai découvert des éléments de réponse dans le film Don’t Breathe, dont je vous livre ici mon analyse. 

Comme d’habitude, attention aux spoilers, et bon visionnage !

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Je vous explique les 4 erreurs à éviter quand on écrit un combat :

On résume donc :

• Erreur 1 : Ne pas faire ses recherches

Quand on écrit en fantasy, on invente certes un monde, mais très souvent, celui-ci est inspiré du monde réel. Plus on est proche d’une période historique réelle, plus il faudra travailler. 

Mais même dans quelque chose de complétement inventé, l’histoire doit garder une cohérence interne et ça doit se ressentir dans l’armement et les combats. 

• Erreur 2 : Négliger l’équipement

Un personnage se bat rarement à poil. Il va avoir des vêtements, qui vont le protéger, mais également de l’équipement (pièces d’armure et autres). 

Pensez à comment votre personnages est habillé et comment il est protégé !

• Erreur 3 : Négliger le décor

On se bat toujours quelque part, que ce soit en intérieur ou en extérieur. Il a des obstacles, des choses qu’on peut utiliser pour se défendre ou se cacher. 

Bref, pensez à comment votre décor va impacter votre combat !

• Erreur 4 : Ne pas doser

On a toujours tendance à en faire trop pou pas assez, à noyer le lecteur sous des détails, ou au contraire à ne pas assez en mettre. 

Et comme souvent en écriture, tout est affaire d’équilibre…

Voilà, j’espère que cette vidéo vous a plu. Si vous aimez mon travail, n’hésitez pas à le partager, c’est toujours apprécié !

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Nouvelle vidéo sur la chaîne : C’est quoi un bon combat? 

Pour ceux qui me suivent depuis un moment déjà, vous savez que je suis pratiquante d’escrime historique et que j’adooooooore tout ce qui a trait aux épées et aux combats. 

A travers ces vidéos, je souhaite partager ma passion et aussi donner aux auteurs les clés pour écrire les meilleurs combats possibles. 

On commence par se poser une question simple : Les ingrédients pour écrire un bon combat? Pour moi, ça se résume en trois points :

 1. Justifications et enjeux

Un combat arrive pour une raison particulière. Les personnages ont des motivations, des raisons qui les poussent à se taper dessus. Sans ces justifications, ça va tomber à plat. 

Un combat a aussi des enjeux : qu’on à perdre ou à gagner vos personnages? 

2. Plausibilité

Un bon combat reste plausible (pas forcément réaliste, comme j’en parle dans la vidéo). Il est surtout en accord avec les règles de l’univers que vous avez fixés. 

3. Du rythme

Un bon combat a des phases d’actions, mais aussi des phases de repos, de manière à garder le rythme. et à mantenir l’intérêt du lecteur. 

Voilà résumé très simplement le propos développé et analysé dans la vidéo. N’hésitez pas à aller la voir, à la liker, la partager et à commenter !

Bon visionnage et bonne écriture !

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J’aimerais vous faire découvrir une théorie découverte dans le podcast Writing Excuses.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas, Writing Excuses est un podcast en langue anglaise, animée par quatre auteurs : Brandon Sanderson, Howard Taylor, Dan Welles et Mary Robinette Kowal. Toutes les semaines depuis 14 ans maintenant (oui, je sais, une longévité impressionnante), ces quatre auteurs abordent en 15 minutes un sujet lié à l’écriture.

Dans un des épisodes, Mary Robinette Kowal a développé une théorie sur les relations entre les personnages.

Elle est issue de conseils que sa belle-mère a donné à son fils concernant sa vie sentimentale, et se résume de la manière qui suit : il existe 6 axes qui définissent la personnalité et au plus nos propres axes ressemblent à celui d’une autre personne, au mieux on va s’entendre.

Jusqu’ici, rien de révolutionnaire. La théorie est intéressante quand on l’applique en écriture. Plus on se ressemble et mieux on va s’entendre, mais l’inverse est vrai. On peut se rejoindre sur certains points et diverger sur d’autres. De ces différences vont justement naître les frictions et donc les conflits si chers à nos petits cœurs d’écrivains.

À noter que cette charte peut être appliquée pour de la romance, mais également pour les autres types de relations (amitié, rivalité, relations professionnelles…).

Voyons maintenant quels sont ces fameux six axes, les six « M », si l’on garde leur dénomination anglaise :

Mind / L’intelligence

Il s’agit d’avoir le même degré d’intelligence, mais aussi le même type.

Comme exemple, je citerai Mulder et Scully de la série X Files. Il est intuitif et ouvert au paranormal. Elle est scientifique et rationnelle. Beaucoup de conflits dans la série sont issus de la confrontation entre leurs deux manières d’aborder les choses.

Pour moi, l’intelligence regroupe aussi les centres d’intérêts : on s’entend toujours mieux avec des personnes qui écoutent la même musique, regardent les mêmes films et séries ou lisent les mêmes livres que nous.

Money / L’argent

Il n’est pas forcément question d’avoir la même quantité d’argent, mais d’avoir le même rapport à l’argent : quelle quantité on en veut, ce qu’on est prêt à faire pour en avoir, ce qu’on veut en faire…

Un exemple qui me vient en tête est celui de la série The Haunting of Hill House, où l’argent est une question centrale.

Sans spoiler, l’un des personnages a écrit un livre sur sa famille et a proposé de partager les dividendes avec ses frères et sœurs. Chacun a une réaction différente à ce sujet, entre ceux qui ont besoin de cet argent et ceux qui pourraient faire sans, mais aussi entre ceux qui sont prêts à l’accepter et ceux qui ne veulent pas en entendre parler. La famille est déjà dysfonctionnelle sans cela, mais cette question ajoute encore aux conflits déjà présents.

Morals / Les valeurs morales

Qu’est-ce qui est bien ?  Qu’est-ce qui est mal ? Qu’est-ce qu’on poursuit dans la vie ? Quel est le but de l’existence ?

Je pense que la fantasy fourmille d’exemples de personnages qui se rejoignent pour une même cause (la lutte contre le mal, souvent) ou s’opposent à ce sujet.

En littérature classique, on peut citer Les Misérables, avec Javert et Jean Valjean. Chacun de ses personnages a un code moral assez strict, qui entre en conflit avec celui de l’autre.

Manners / Les bonnes manières

Qu’est-ce qui est poli et qui ne l’est pas ? Comment se comporte-t-on en société ?

À noter que la moralité et les bonnes manières sont deux choses différentes. Le podcast cite comme exemple L’arme fatale : les deux protagonistes veulent la même chose (la poursuite de la vérité et le respect de la loi) mais s’opposent sur la manière de le faire.

Pour moi, cette opposition entre moralité et manière est l’un des ressorts des cops movies.

Monogamy / Monogamie

Il est question ici de savoir si les deux personnages attendent la même chose d’une relation.

Cela marche pour la romance : l’un des deux peut vouloir s’engager, l’autre non. Mais cela fonctionne aussi pour d’autres types de relations : une personne qui pense être très amie avec une autre, alors que la personne en question considère la première comme une simple connaissance.

C’est le moteur principal de la pièce Couple ouvert à deux battants, de Dario Fo. Un mari et une femme qui ne s’entendent plus décident de rester ensemble, mais dans une relation libre. Seulement, si la femme a l’habitude que son mari ait des maîtresses, le mari n’est en réalité pas prêt à voir son épouse batifoler.

Un autre exemple me vient à l’esprit, c’est Littlefinger dans A Song of Ice and Fire de GRR Martin, amoureux de Catelyn Stark, alors qu’elle ne l’a jamais vu que comme un ami (au mieux un petit frère). Et ceux qui ont lu les livres ou vu la série savent à quel point cet amour incompris a façonné la personnalité de Littlefinger.

Marx Brothers / L’humour

Est-ce que les deux personnes rient de la même chose ?

Comme exemple, je prendrai bien la série Castle. Beckett et Castle ne rient vraiment des mêmes choses, et les blagues de l’écrivain ont tendance à agacer la policière.

A l’inverse, dans La Mallorée de David Eddings, on sait que Silk et Liselle s’entendent (et se plaisent mutuellement) parce qu’ils ont le même humour acerbe et caustique.

En conclusion

J’ai franchement beaucoup aimé cet épisode de Writing Excuses et je trouve que l’outil proposé ici est synthétique et utile.

Que ce soit pour savoir ce qui va rapprocher deux personnages ou au contraire, sur quoi ils vont s’opposer, cette théorie donne de bonnes pistes de réflexions pour permettre de créer des relations crédibles et pleines de sens.

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Comme j’en parlais dans un précédent article, il n’est pas toujours facile de trouver du temps pour écrire, surtout au quotidien.

En septembre dernier, j’ai changé de travail et donc repris les transports en commun. Vu que je n’aime pas être inactive, j’ai décidé de mettre à profit ce temps pour écrire. Ça a été un peu dur au début, mais j’arrive à m’y tenir, et maintenant, ça fait partie de ma routine journalière.

Rachel Fleurotte, qui coécrit cet article, écrit dans le bus depuis des années. Sa série La 7^ème prophétie a en partie été rédigée dans le bus.

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Nous avons toutes les deux des méthodes différentes : j’écris sur téléphone, elle sur papier, alors voici nos trucs et astuces. (Note : pour cet article, j’écris en normal, et Rachel en italique)

1. Déterminez avec quoi vous préférez écrire

J’écris sur téléphone, mais d’autres personnes préfèrent les tablettes. Rachel vous parlera plus spécifiquement de l’écriture sur papier, moi je reste sur les formats numériques.

— Écrire en numérique

Si vous choisissez le téléphone : il vous faudra un bon modèle, si possible avec un bon écran réactif et de la batterie (ça descend à une vitesse…). Personnellement, j’ai un Wiko, qui commence hélas à donner des signes de faiblesse, mais qui jusque-là, me sert fidèlement. Je trouve préférable d’avoir un téléphone avec un écran assez grand, c’est plus confortable pour lire et surtout pour écrire.

Côté clavier, j’ai installé Swiftkey, logiciel gratuit et compatible avec Android. Il est meilleur que le clavier Android de base, parce qu’il est évolutif et que sa prédiction n’est pas trop mal. Côté logiciel, j’ai testé Evernote, mais je ne suis pas hyper fan, je trouve qu’il est lent et plante assez souvent. J’écris sur Google drive, qui offre l’avantage de synchroniser les données. Il faut avoir un minimum de connexion pour arriver à ouvrir le document (enfin, ça va, même en RH, j’y arrive). Une fois que le document est ouvert, pas de soucis, on peut continuer à écrire dedans, il synchronise dès qu’il trouve un minimum de réseau.

À noter qu’il y a souvent un petit décalage de temps entre le moment où vous enregistrez quelque chose, mettons sur votre téléphone, et le moment où il apparaît quand vous consultez le document sur d’autres appareils (genre un PC). Je me suis fait quelques sueurs froides, mais au final, ça finit toujours par synchroniser.

Par contre, Google Drive est mieux pour de petits documents que pour des longs (pas plus de 20 pages). Pour les longs, le temps d’affichage est plus élevé et ça a tendance à laguer un peu. En plus, l’appareil ne garde pas en mémoire l’endroit où vous vous êtes arrêté : il repart du début.

Petit truc à savoir, si vous comptez utiliser votre téléphone en hiver, prévoyez des sous-gants pour éviter de vous geler les mains. J’utilise des gants de Decathlon qui sont adaptés pour l’écran tactile. Comptez 5 € pour une paire (pas de quoi vous ruiner, donc).

Les avantages du téléphone :

• On peut écrire à peu près n’importe où (notamment debout, ce qui m’arrive assez souvent vu que je prends le train aux heures de pointe).
• On l’a toujours avec soi.

Les inconvénients

• On est limité à de l’écriture pure. C’est assez compliqué de corriger ou réécrire un texte sur téléphone.
• La frappe est plus lente que sur un clavier classique.
• Il faut gérer la batterie.
• S’il flotte, oubliez le téléphone, même s’il est waterproof, l’écran tactile n’aime pas l’eau.

Je n’ai pas encore testé la tablette, mais je sais que des gens le font. Personnellement, c’est un peu gros à trimballer chaque jour dans son sac, mais je pense qu’on doit pouvoir corriger plus facilement un texte que sur téléphone.

— Écrire sur papier

À une époque, j’ai testé l’écriture sur ordinateur portable dans le bus, mais vu le temps de démarrage de l’ordinateur et la durée du trajet, je suis vite revenue à l’écriture sur carnet, qui permet de s’y mettre tout de suite.

Pour écrire dans les transports en commun sur un carnet, il faut bien choisir celui-ci : la taille est à adapter à ce qui vous convient le mieux, pour que vous puissiez le poser sur vos genoux ou sur votre sac, et aussi le ranger dans votre sac une fois arrivé à votre destination.

Un des impératifs pour moi est une couverture rigide, qui va vous servir de support (c’est important surtout quand le véhicule vous secoue, comme dans certaines rues pavées…).

J’avoue avoir une nette préférence pour les carnets lignés de la marque Paperblanks : certes, ils sont plus chers que d’autres, mais ils ont des couvertures rigides de qualité (et très belles, qui ressemblent parfois à des livres anciens, ce qui ne gâche rien) et sont aussi équipés, quel que soit leur format, d’une pochette collée sur l’intérieur de la couverture en fin de carnet, ce qui permet d’y glisser des documents (notamment votre plan si vous en avez besoin pour travailler, ce que je fais pour ma part). Ils existent en plusieurs formats, mes préférés sont les midis si je veux un bon support d’écriture, ou les minis si je préfère qu’ils ne prennent pas trop de place dans le sac. Un format intermédiaire, les slims (la largeur d’un mini avec la hauteur d’un midi) sont aussi un bon compromis.

Je conseille d’écrire plutôt au stylo bille ou au feutre gel, qui glissent mieux sur le papier (je n’ai jamais testé le stylo plume, mais je pense qu’il n’est pas très adapté pour ces conditions).

Une de mes astuces est de choisir un stylo quatre couleurs (aux couleurs classiques ou un peu plus flashy selon vos goûts – j’avoue une préférence pour écrire à l’encre violette, personnellement) : il me permet ainsi, sans changer de stylo, de pouvoir mettre des notes ou des remarques sur des points à retravailler, des informations à chercher, etc, afin de pouvoir continuer l’écriture de ma scène sans trop m’interrompre.

Un des avantages d’écrire à la main dans un carnet est de vous permettre une première correction quand vous recopiez votre texte (bon, certes, en contrepartie, cela vous demande également un peu de temps pour le recopier sur ordinateur, mais l’avantage compense l’inconvénient, pour moi).

Il m’arrive parfois d’avoir deux carnets avec moi dans mon sac : un carnet sur lequel je travaille mon texte en cours, et un autre carnet où je peux prendre diverses notes (des idées de textes ou de scènes, des informations sur des personnages, des éléments à chercher, etc.)

Dans le bus, je peux aussi faire des corrections sur des textes déjà écrits (il y a toujours un moment, dans mon processus d’écriture, où j’éprouve le besoin de corriger sur papier, car je repère mieux les fautes sur un texte imprimé que sur écran).

Dans ce cas-là, j’imprime mon texte sur des feuilles A4 en police de caractères 12, avec un interligne de 1,5 à 2 pour pouvoir insérer entre les lignes les corrections.

Selon mes besoins, j’imprime le texte en recto (si je dois réécrire certaines parties de la scène ou insérer une nouvelle partie, et dans ce cas, j’écris au verso) ou en recto verso quand il s’agit juste d’une relecture pour corriger les fautes.

Pour ces corrections, mes outils de travail préférés sont une pochette cartonnée format A5 à rabats, qui tient facilement dans un sac et est suffisamment rigide pour servir de support, et un stylo, et je plie les feuilles en deux pour travailler.

Les avantages du carnet :

• On peut toujours l’avoir avec soi.
• Il n’y a pas besoin de batterie, il est toujours prêt à être utilisé dès l’instant où vous avez un stylo.
• Vous pouvez les collectionner (une de mes passions) et ils vous permettent aussi de garder une trace de vos premiers jets.

Les inconvénients

• Il est difficile d’écrire en position debout, il faut donc avoir une place assise pour être à l’aise. Ce qui implique aussi que vous ne pouvez pas écrire sur le quai ou à l’arrêt de bus, et que la durée d’écriture se résume au trajet en lui-même.
• Il faut prendre le coup de main pour écrire dans toutes les situations, notamment avec les secousses qui modifient parfois un peu le résultat final ou font faire des ratures.
• Le texte écrit doit être recopié, la retranscription automatique d’un carnet sur l’ordinateur étant encore à ses débuts (Livescribe chez Moleskine) et plutôt chère (plus de 230 € pour le pack de base, plus les cahiers spéciaux)

2. La préparation

On va être clair, le matin, c’est dur de s’y mettre, le soir en rentrant, on est souvent claqué. Bref, se dire qu’on va écrire, ça tient parfois de la corvée.

Pour éviter ce démarrage difficile et arriver à écrire plus rapidement, je prépare toujours ma session du lendemain : je prépare mon document google drive en écrivant à l’avance une ou des phrases qui démarrent la scène que je vais écrire (pas plus de 50 mots). De cette manière, lorsque je reprends mon téléphone le lendemain, l’histoire est déjà attaquée et je suis dans le bain.

J’ai conscience que cette méthode marche bien pour moi, parce que je travaille avec un plan. Je sais déjà quel morceau de l’histoire je dois écrire à l’avance. Ça peut être plus compliqué effectivement pour quelqu’un qui travaille un peu plus à l’instinct, sans trame établie.

J’ai tendance à mettre de la musique pour me couper des bruits de l’extérieur, notamment des conversations des gens qui peuvent être source de distraction.

Pour pouvoir replonger directement dans l’écriture, je recopie dans le carnet la ou les dernières phrases du texte en cours, où je me suis arrêtée la veille, ce qui me permet d’enchaîner dès que j’ouvre le carnet, je les relis et je continue l’histoire.

J’ai également avec moi le plan général de l’histoire, ce qui me permet de suivre où j’en suis sur mes romans, et sur quelle scène je dois enchaîner quand j’en termine une.

Pour travailler mon texte sans être perturbée par les bruits qui m’entourent (dans un bus, ça résonne bien, surtout quand les gens le confondent avec une cabine téléphonique et parlent à voix haute sur leur portable…), je mets mon casque et une playlist adaptée à mon mode d’écriture, des musiques de films ou de séries.

Je reste concentrée sur mon carnet la plupart du temps, je ne relève la tête que brièvement, pour voir où j’en suis dans mon trajet, avant de m’y replonger.

3. Se fixer des objectifs

Grosso modo, je passe environ une heure par jour dans les transports en commun. J’ai donc fixé un objectif réalisable dans ce temps : 500 mots par jour. Au début, j’ai eu du mal, mais maintenant que je suis rodée, j’arrive à tenir mon objectif lors du trajet.

500 mots, ça peut paraître peu (c’est une page word, à peu près), mais si on le fait tous les jours, on voit peu à peu les résultats. Comme va vous le confirmer Rachel, ce qui compte vraiment, c’est la régularité.

J’ai du mal à me fixer des objectifs, d’autant que l’écriture manuelle est moins rapide que celle sur ordinateur. L’inspiration vient plus ou moins rapidement certains jours, et le temps de trajet est variable en fonction des embouteillages pour moi qui prends le bus.

Pour le temps d’écriture, il est entre 20 et 25 minutes par trajet, soit 40 à 50 minutes par jour, et je pense que je suis entre 500 et 1000 mots selon les jours (ce n’est qu’au recopiage que je peux le vérifier).

Plus que la performance, c’est la régularité qui compte, et cela permet d’instaurer une routine d’écriture et d’optimiser les temps de déplacement.

Dans les périodes de NaNoWriMo, cette méthode m’a permis d’avancer sans perdre trop de temps et de pouvoir atteindre l’objectif de 50 000 mots ou plus à fin novembre à chaque participation.

Nous espérons vous avoir été utiles, n’hésitez pas à aller voir les résultats de nos travaux dans les transports en commun (Catherine et Rachel), et si vous avez vous aussi des trucs et astuces que vous voulez partager, n’hésitez pas !

L’article Ecrire dans les transports en commun est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Dans ce billet, je ne vous parlerai pas d’épées ni de technique, mais je resterai dans le domaine des arts martiaux, et du Moyen-Âge, car nous allons parler d’armures.

Les armures, c’est génial.

Un personnage en armure, c’est le bien.

Un combat de personnages en armure, c’est la classe intégrale.

Avouons-le, quand on écrit de la fantasy, et surtout du médiéval fantastique, l’armure, c’est un peu un passage obligé.

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Une armure, en quoi c’est fait ?

Il existe des armures en cuir, en tissus collés, en papier même, en bronze, mais le modèle qui je pense intéressera le plus les écrivains est celui en acier. Je laisse volontairement de côté les armures asiatiques pour ce billet, pour me concentrer sur la tradition occidentale.

Je commencerai par une typologie des armures. Attention, je vais vous donner ici des généralités, les grandes lignes en quelque sorte, mais il faut savoir que les évolutions ne sont jamais aussi nettes que ce qu’on voudrait bien croire, et que des périodes se chevauchent toujours.

Typologie des armures :

• Les armures antiques

L’hoplite grec

Il s’agit d’un soldat armuré, dont l’équipement se compose d’un casque, d’une cuirasse, d’un bouclier et des cnémides (protège-tibias). L’ensemble est en général en bronze.

Si vous cherchez de l’iconographie à ce sujet, il y en a pléthore sur les vases grecs.

Le soldat romain

« Soldat romain » c’est vaste, vu que la domination romaine s’étend sur quelques siècles et que l’équipement du légionnaire a bien évidemment évolué. Cela dit, voici les principales pièces d’armures : un casque (galea), un plastron de plates (lorica segmentata), éventuellement une cotte de maille (même si les archéologues n’en ont retrouvé que quelques-unes et que ce genre de protection devait sûrement être anecdotique).

• Le Haut Moyen-Âge (du Ve au XIe siècle)

À cette époque, l’armure de plate n’existe pas encore (elle apparaît plus tardivement). On porte pour se protéger la broigne : un plastron de cuir, sur lequel étaient attachées des mailles de fer. D’abord sans manche, elle évolue jusqu’à couvrir les épaules.

Pour se protéger la tête, on revêt le camail : sorte de coiffe en maille qui apparaît progressivement.

Vers 900, on commence à voir apparaître des casques ronds.

• Moyen-Âge central (XIe, XIIe et XIIIe siècles)

À cette période, l’armure se développe pour devenir l’armure de plates ou harnois (armure complète) qui a marqué l’imaginaire collectif.

La broigne évolue pour devenir la cotte de maille. On y adjoint un plastron d’acier.

Côté tête, on voit apparaître des casques comme la cervelière ou le nasal, qui protègent le haut du crâne.

Le heaume devient plus courant à partir du XIIe siècle. Au départ, il n’est pas totalement enveloppant, il le devient au cours des siècles.

Autre modèle de casque : le bassinet.

Ou la salade

Le gorgerin vient se placer autour du cou et protéger la gorge.

Pour les bras : on place aux épaules des spalières (plaques qui protègent les épaules)

puis des canons (protections d’avant-bras) et bien évidemment des gantelets.

Pour les jambes : apparaissent les jambières ou grèves (qui protègent les mollets et genoux), les tassettes (lames de métal qui descendent sur les cuisses) et les solerets (sortes de chaussures en lamelles articulées, qui protégeaient les pieds des cavaliers).

• Fin du Moyen-Âge et Renaissance (XIVe à la fin du XVIe siècle)

Cette période voit l’essor des armes à feu, dont l’utilisation change la donne en combat et modifie petit à petit les armures.

De l’époque, on peut retenir les armures gothiques ou maximiliennes, caractérisées par leur style très ouvragé.

La forme du plastron change et devient plus incurvée (formant une sorte de pointe vers l’avant).

Côté casque, on voit apparaître le morion (le casque des conquistadors)

 ou la bourguignotte.

Sur la fin de la période, les armures tendent à se simplifier : les solerets disparaissent, les tassettes diminuent.

Cette chronologie est très généraliste. Mon but n’est pas d’être exhaustive, mais de vous donner les différents repères et de vous présenter les différentes pièces qu’on peut trouver.

Il faut savoir qu’il existe beaucoup de modèles d’armures différents : piéton, cavalier, chevau-léger, armure de joute, armure de siège… Rien ne vous empêche (bien au contraire) de poursuivre vos recherches sur le sujet qui vous intéresse.

Vous trouverez ici une frise qui résume les différentes évolutions et vous donnera une idée des différentes silhouettes.

Porter l’armure

Commençons déjà par tordre le cou à plusieurs mythes :

— On ne porte pas l’armure à même la peau.

C’est inconfortable, c’est froid, et ça pince. De plus, il faut une couche entre l’armure et le porteur pour dissiper les chocs, sinon, c’est le corps qui prend directement, et c’est précisément ce qu’on veut éviter.

On porte donc l’armure sur des vêtements rembourrés : gambisons (qui lui-même pouvait servir de protections aux piétons) ou buffletins, selon les époques.

On peut aussi porter de la maille en dessous, aux ouvertures de l’armure notamment, mais toujours avec une épaisseur pour amortir.

— On n’enfile pas son armure seul.

C’est très compliqué de mettre son armure complète seul (notamment pour boucler le plastron et mettre le casque), il vaut mieux avoir quelqu’un pour assister à la manœuvre.

D’autant plus que si votre personnage a assez d’argent pour se payer une armure complète, il peut aussi avoir un écuyer qui l’aide à la mettre.

Vous trouverez ici une illustration qui montre les différentes couches d’une armure de type XVe siècle. Comme vous le voyez, c’est assez complexe.

— Ça prend des heures de se mettre en armure

Sans s’enfiler aussi rapidement qu’un T-shirt, un écuyer compétent peut équiper son chevalier en à peu près un quart d’heure (comptez plutôt une demi-heure pour des personnes moins expérimentées).

Vous trouverez ici une vidéo qui montre l’habillage. Elle dure une vingtaine de minutes et le monsieur en armure prend son temps de montrer pas mal de choses.

Une armure, ça protège comment ?

Une armure, on ne la porte pas pour faire joli (enfin, des fois si, mais j’y reviendrai).

Une armure, ça sert avant tout à éviter de mourir au combat. À ce titre, la pièce principale de l’armure, celle que votre personnage doit à tout prix porter s’il ne veut pas mourir, c’est le casque.

On le voit très rarement dans les films et séries, parce qu’il faut qu’on puisse reconnaître les personnages, et avec un casque, c’est moins pratique. Les auteurs n’ont pas cette contrainte, donc mettez des casques à vos personnages !

(Note : prenez exemple sur le manga Berserk, dans les volumes consacrés à la troupe de mercenaires. Ils vont au combat avec leurs casques et de mémoire, ça sauve la vie à Guts dans une ou deux occasions).

Abordons maintenant le degré de résistance des armures, car je sais qu’il y a pas mal d’idées préconçues de ce côté-là.

D’un côté, on a l’armure version feuille de papier : le moindre coup suffit à la percer et à la déchirer. Franchement, croyez-vous que les humains se seraient embêtés à fabriquer et à porter des armures durant des siècles si elles étaient aussi peu efficaces ?

Ceux que j’ai interrogés et qui ont porté l’armure en combat témoignent que, avec le bon « rembourrage » en dessous de l’armure, on sent les coups, mais sans réelle douleur.

À l’inverse, il ne faut pas croire que les armures étaient absolument indestructibles. Même la plus couvrante des armures a des défauts où une arme peut toucher : sous le gorgerin, sous le casque, sous l’aisselle, au creux du coude, dans la paume de la main, à l’arrière des genoux, sur le pied et sur le fessard.

Un bon moyen de nuire à adversaire en armure est de taper un de ces points, ou de faire tomber l’adversaire, et de l’immobiliser au sol avec une clé par exemple.

Et vu que l’être humain est un petit animal taquin qui adore se chamailler avec ses semblables et briser os et crânes, on a rapidement trouvé la parade aux armures.

L’armure protège bien, mais les chocs répétés peuvent occasionner des contusions, des fractures, ou même un bon vieux KO technique. Mes experts m’indiquent que c’est une chose intéressante à savoir si on veut malmener un peu un personnage sans le tuer.

Les armures sont de qualités différentes, celles de qualité moindre peuvent être percées par des flèches ou carreaux d’arbalètes. Les armes contondantes servent aussi contre un combattant en armure : marteaux d’armes, masses ou haches d’armes, par exemple (note : ces armes appartiennent à la famille des armes d’hast).

Mais finalement, les armes les plus efficaces sont les armes à poudre, qui auront petit à petit raison des armures en combat.

La mobilité en armure

Là aussi, c’est un questionnement qui revient souvent et qui accompagné en général de l’image d’un chevalier qu’un treuil doit hisser sur son cheval.

C’était vrai pour les armures de tournois, mais globalement, les armures étaient conçues pour permettre une certaine mobilité. La preuve en image. 

Alors oui, une armure, c’est lourd. Un haubert de maille pèse entre 12 et 20 kg. Une armure de plate complète peut monter jusqu’à 30 kg (rarement plus de 35 kg). C’est un poids qui peut impressionner, mais qui n’est pas plus élevé que celui de l’équipement d’un pompier ou d’un militaire. Si vous ne me croyez pas, regardez la vidéo.

Le poids est en plus réparti sur tout le corps et non sur un seul point. Rien d’insurmontable pour quelqu’un d’un peu entraîné.

Je n’ai pas encore eu la chance de porter une armure (j’en rêve…), mais j’ai interrogé plusieurs personnes (reconstituteurs, batteurs d’armure et chercheurs) qui ont porté, ou portent l’armure régulièrement.

Ce qui ressort, c’est qu’une bonne armure, bien adaptée à la morphologie n’est pas inconfortable et ne gêne pas les mouvements.

Au début, se mouvoir est étrange. Puis, on s’habitue à marcher avec un poids supplémentaire. Avec de l’entraînement, on peut se relever assez rapidement, sans trop de mal.

La respiration dépend du casque qu’on porte. Mais là aussi, avec un peu d’expérience, on apprend à gérer son souffle.

Le statut social de l’armure

C’est quelque chose qu’on oublie parfois : une armure, ça coûtait cher et ça prenait du temps à réaliser.

L’armure complète est un objet réservé à une élite. Les combattants de base se protégeaient plutôt avec des gambisons, ou des armures de cuir, ou quelques pièces d’armure. Certaines pouvaient d’ailleurs parfois être payées par le suzerain.

L’armure servait à protéger, mais aussi à montrer le pouvoir du porteur (donc oui, des fois, on portait une armure pour faire joli). Si vous avez l’occasion d’aller à Paris, je vous conseille le musée des Invalides, qui a une impressionnante collection d’armures princières (au département des armes et armures anciennes, de mémoire), toutes plus magnifiques les unes que les autres. Elles valent le détour et montrent bien le faste des armures d’apparat.

Sinon, vous pouvez vous rabattre sur le livre Sous l’égide de Mars : Armures des princes d’Europe

Les armures féminines

J’aimerais ici aborder un point qui me semble assez important pour les auteurs de fantasy : le cas des armures féminines.

Enfin, ça risque d’être plutôt un coup de gueule qui va se résumer en quelques mots : par pitié, oubliez les bikinis en côté de maille et autres armures qui tiennent plus de la lingerie que d’une véritable protection !

Outre le côté hyper sexualisation, et le fait de réduire une combattante à un objet de désir masculin, les armures féminines telles qu’on peut les voir souvent en BD, jeux vidéo et autres me gênent profondément parce qu’elles ne sont pas crédibles.

Comme je l’ai dit plus haut, le but premier d’une armure, c’est de protéger. Alors courir à la bataille en soutif de métal, avec le ventre à l’air, c’est moyen quand même.

Ce billet de blog explique pourquoi les nichons en métal, c’est pas l’idée du siècle en terme de protection (article en anglais).

Pour ceux qui voudraient de l’inspiration pour des armures féminines qui restent crédibles tout en étant esthétiques, vous pouvez jeter un coup d’œil sur le site Babes in armor.

Les armures SF

Pour avoir fait, et porté en GN, une armure de sœur de bataille de Warhammer 40k, je peux le dire : les armures version SF, ça envoie.

Pas de grosses différences avec la structure d’une armure de plates pour moi, sauf qu’on épice tout ça avec des réacteurs et de l’armement lourd par exemple.

Je pense que pour des raisons de crédibilité il faut quand même limiter ce genre d’armures. Soyons réalistes (si, si, même avec des aliens et des vaisseaux), ce type de protection relève de la haute technologie et ne doit pas vraiment être accessible au commun des mortels.

En plus, d’un point de vue narratif, réserver ces armures, faire que votre héros doive combattre et se dépasser pour l’avoir, ça ajoute quand même du piquant et peut donner une bonne dynamique.

En conclusion, j’espère avoir été suffisamment claire et vous avoir aidé.

Je remercie pour la rédaction de cet article :

Gilles Martinez, de l’académie d’armes de Rochemaure (Qui m’avait déjà été pour mon article sur le combat épée et bouclier)

Jean-Marc Réchignac, batteur d’armures (Qui a fabriqué la plupart des armures en photo dans cet article).

Daniel Jacquet, docteur en histoire, université de Genève (Que vous avez pu admirer dans ces superbes vidéos)

L’article Escrime pour les écrivains : les armures est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Difficile avec le quotidien de se ménager du temps pour écrire.

On court après les minutes, il y a toujours un imprévu qui nous tombe sur le coin de la figure et qui remet tout en cause. Je partage donc avec vous quelques méthodes pour écrire qui ont fait leurs preuves.

Méthode 1 : se bloquer une plage

Regardez votre emploi du temps et déterminez à quel moment vous êtes le plus susceptible d’être tranquille. Bloquez ensuite cette plage horaire, ce sera votre temps dédié à l’écriture.

Cette plage pourra être plus ou moins longue, en fonction du temps dont vous disposez et surtout du temps où vous pourrez être le plus efficace. Je sais qu’il me faut minimum une demi-heure si je veux pouvoir avancer sur quelque chose, mais qu’au-delà d’une heure et demi, ma concentration commence à vaciller.

Déterminez ce qui marche le mieux pour vous, trouvez-vous un coin au calme et lancez-vous. Écrivez/relisez/corrigez à fond durant ce laps de temps, il est fait pour ça.

Les plus

― Vous créez ainsi un espace « sécurisé », où vous savez que vous pourrez avancer sur vos projets. C’est du temps dédié, qui n’appartient qu’à vous et vos personnages.

― Le fait de savoir à l’avance qu’à un instant T vous allez pouvoir écrire permet de préparer à l’avance la session d’écriture (on réfléchit à son plan, on se met en condition) et donc, pour moi, limite le risque de blocage.

Les moins

― C’est parfois compliqué de maintenir une plage horaire fixe, surtout quand le quotidien s’en mêle (personne n’est à l’abri d’un imprévu).

― Cette méthode implique en plus que l’entourage joue vraiment le jeu, que votre conjoint, vos enfants, ou autre ne vous dérangent pas durant ce temps.

Méthode 2 : Écrire en fractionné

Autrement nommé « voler du temps ».

Le principe est simple : ayez toujours avec vous un carnet, un téléphone avec Evernote ou toute autre application vous permettant d’écrire, votre ordinateur portable. Personnellement, j’aime bien Google Drive, parce que la synchronisation entre les différents appareils se fait facilement, que le correcteur n’est pas trop débile, et qu’on peut travailler hors connexion.

Apprenez à écrire partout, sur un coin de table dans un café, dans les transports en commun…

Si vous avez des questions, n’hésitez pas à contacter Rachel Fleurotte (sur Twitter ou via son site) : elle a écrit une grande partie de sa saga La septième prophétie dans le bus pour aller au travail.

Alors oui, c’est difficile à mettre en place, il faut un peu d’entraînement pour arriver à se mettre en condition d’écrire en quelques minutes. Mais une fois qu’on s’y est habitué, ça devient un réflexe.

Profitez du moindre instant libre pour écrire, même si c’est seulement trois lignes ou quelques mots.

Note annexe : c’est dans ce genre de circonstances que je trouve que les Word Wars sont efficaces. Les word wars, qu’est-ce que c’est ? En résumé, c’est un petit défi qu’on se lance : écrire le maximum de mots en un temps donné. On peut le faire seul, ou à plusieurs.

Les plus

― Petit bout par petit bout, on avance mine de rien. Les petites rivières font les grands ruisseaux, comme on dit.

― Cette méthode est plus simple à appliquer quand le quotidien devient un peu chaotique. Dès qu’on a un moment de libre, hop, une petite session d’écriture.

― Prendre l’habitude d’écrire en fractionné force aussi à toujours garder ses idées d’écriture dans un coin de sa tête et apprend à se plonger dans l’écriture assez rapidement et sans tergiverser.

Les moins

― C’est une bonne méthode quand on va écrire un premier jet, à condition de ne pas être regardant sur la qualité du premier jet en question, car écrire par épisodes comme ça favorise les erreurs de continuité, de scénario… Cette méthode implique en outre qu’on sache vraiment où l’on va, de peur de se perdre.

― C’est un technique qui fonctionne quand on relit de courts passages, mais qui est plus compliqué pour une relecture plus vaste (parce qu’on n’a pas le temps de vraiment se plonger dans l’œuvre pour en voir les tenants et les aboutissants).

― Cela peut être très frustrant de ne travailler que petit bout par petit bout : on ne se voit pas vraiment avancer, des fois, on doit s’interrompre alors qu’on commençait vraiment à avoir un bon feeling à propos d’une scène.

Méthode 3 : le marathon/le défi

Fixez-vous un objectif, une deadline, et lancez-vous.

Ce peut-être pour un gros défi comme le Nanowrimo (rappel : défi qui a lieu tous les mois de novembre et qui consiste à écrire un roman de 50 000 mots en un mois). Mais vous pouvez aussi vous lancer sur des défis plus courts : écrire, relire et corriger une nouvelle sur un mois, ou la même chose pour un roman, mais pour six mois.

L’intérêt du défi est qu’il est ponctuel : pour le tenir, vous allez sûrement devoir cravacher, sacrifier quelques loisirs peut-être, mais ce n’est que pour un laps de temps donné (une journée, une semaine, un mois…).

De mon expérience, c’est mieux de le faire à plusieurs (ou alors d’avoir des groupies qui vous soutiennent), parce qu’on se motive plus de cette manière et qu’on peut s’épauler en cas de coups durs.

Les plus

― On avance vraiment durant un défi, on peut abattre une quantité phénoménale de travail.

― Quand on a un quotidien un peu erratique, c’est plus simple de se bloquer une période donnée. On peut préparer le défi en amont, ou s’arranger pour le faire durant des vacances par exemple, et une fois que c’est fini, on reprend un rythme plus normal.

Les moins

― Un défi peut se révéler très fatigant et usant pour les nerfs. Mine de rien, ça colle une certaine pression (c’est pourquoi j’insiste particulièrement sur le fait qu’il vaut mieux ne pas le faire seul).

― Comme pour la méthode 1, cette technique implique un minimum de soutien de son entourage.

― Comme je l’ai dit, avec cette méthode, on avance bien, mais attention tout de même à ne pas bâcler son travail. On aura tendance à vouloir avancer à tout prix, parfois au détriment de la qualité (c’est pourquoi je ne recommanderai pas cette méthode pour des corrections finales, par exemple).

Et vous, quelles sont vos méthodes pour vous dégager du temps pour écrire ?

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ça y est, vous avez trouvé une idée qui vous plaît, vous l’avez laissé mûrir, vous avez établi un plan, et fait des recherches, il ne vous reste plus qu’une seule chose à faire :

Cinquième partie : relire

Là aussi, cette étape peut être sautée pour ceux qui écrivent sans plan. Pour ceux qui auraient pondu un joli scénario, il s’agit de la dernière étape.

Relisez votre plan en vous posant les questions suivantes :

— Est-ce que l’histoire vous motive toujours ? 

Soyez objectif. Si vous vous dites « mouais, bof », prenez un peu de temps pour réfléchir, pour reprendre des forces, il y a peut-être un peu d’effet ras-le-bol. Mais si après ça, la réponse est toujours « bof », je ne vous conseille pas de vous lancer dans l’écriture.

— Est-ce que vous pouvez toujours identifier les grandes lignes ?

N’hésitez pas à demander un avis extérieur. Est-ce qu’une personne qui lit votre synopsis pourra vous dire de quoi parle l’histoire et grosso modo, ce qu’il se passe ?

— Est-ce que le déroulé vous semble logique ?

Pareil, soyez un peu critique avec votre plan, et demandez à un bêta lecteur de vous relire tout ça et de vous signaler les moments où il trouve que ce n’est pas logique.

— Est-ce que chaque personnage a quelque chose à faire tout au long du roman ?

Parce qu’il n’y a rien de pire qu’un personnage qui passe son temps à se tourner les pouces à ne rien faire ^^

Si vous avez répondu non à l’une de ces questions, repartez en arrière et réfléchissez à ce qui bloque pour le retravailler.

Attention toutefois à ne pas en faire trop ! Un plan n’est jamais parfait, c’est juste un outil qui doit vous servir à écrire. S’il reste quelques zones d’ombre, il y a des chances pour que le seul moyen d’y répondre soit de vous lancer et d’écrire le premier jet.

Si vous avez répondu oui à tout, félicitations ! Vous êtes prêt à écrire jet de votre roman !

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Avant dernière étape pour établir un plan : les recherches.

Pour rappel, nous avons commencé par trouver une idée qui plaise vraiment et qui tienne la route, nous l’avons laissé tranquillement mûrir, laissé l’histoire se développer, avant d’établir le plan proprement dit.

Quatrième partie : faire des recherches

Cette phase est souvent parallèle à la phase 3, voire à la phase 2.

Je n’insisterai jamais assez sur l’importance de faire des recherches ! D’une part, ça évite de raconter des conneries, d’autre part, ça va donner une vraie richesse à votre histoire, vous ouvrir des portes auxquelles vous n’auriez pas pensé.

Les recherches peuvent être de plusieurs types :

— Recherches générales : sur le pays où l’on écrit, sur la période, sur tout élément dont on va parler dans l’histoire et qui va avoir une importance.

Si vous écrivez sur le monde réel, que ce soit de l’historique ou du contemporain, c’est vraiment un passage obligé.

Mais même si vous créez un monde de toute pièce, faire des recherches sur des cultures, des pratiques ou des lieux qui ont existé va vous permettre de nourrir votre univers et de lui donner plus de crédibilité.

— Recherches iconographiques : tout ce qui va servir à alimenter vos descriptions.

Je conseille d’utiliser Pinterest (que je floode régulièrement), la banque d’image est assez impressionnante et en constante évolution, l’affichage en tableaux est vraiment pratique, et puis comme ça, pas besoin de plomber un disque dur.

L’appli mobile est un peu pénible à installer, mais on s’y fait.

L’inconvénient : tout est sur le net, donc pas de PC, pas d’images (d’où l’intérêt de l’appli mobile) et puis, on est jamais à l’abri d’un changement dans l’application, ou d’une disparition pure et simple.

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— Fiches : Fiches personnages, fiches des lieux, cartes…

Je vois déjà les jardiniers qui frémissent d’horreur, mais croyez-moi, les fiches c’est bien. Ça vous permet de centraliser les informations à un endroit et ne pas vous demander à l’écriture de quelle couleur sont les cheveux de ce personnage, ou comment s’appelle déjà le père de ce personnage là.

Les fiches, pour moi, c’est un gain de temps énorme. Vu qu’en plus je jongle souvent entre différents projets, ça me permet de ne rien oublier (vu que j’ai tout noté).

Si cela vous intéresse, j’ai deux modèles de fiches déjà prêts : pour les personnages principaux et pour les personnages secondaires. Je partage tout ça avec grand plaisir ^^

Exemple : Ceux du mercure

Ceux du mercure est un roman steampunk, se déroulant dans un monde parallèle à la Terre, en 1890. Même si l’histoire et l’évolution de Kerys divergent en certains points de celle de la France, j’ai quand même dû faire une tonne de recherches, afin de déterminer l’état des connaissances vers la fin XIXe (notamment pour la médecin et l’armement), quelles étaient les modes et les courants artistiques, comment se comportait la société…

Toutes ces recherches m’ont permis d’élaborer mon monde, Kerys, et de déterminer beaucoup de choses sur les brigades.

Une fois que j’ai commencé à travailler le plan, j’ai axé mes recherches sur des points plus spécifiques : l’armement, la médecine, les tenues pour chaque personnage (parce que j’adore la mode fin XIXe, et que c’était en plus important pour moi de déterminer le style de chaque personnage).

Tout ce travail s’est accompagné d’un floodage en règle de Pinterest, bien évidemment.

Rendez-vous dès le mois prochain pour la conclusion de cette série d’articles sur l’art de faire un plan.

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