Contrairement aux autres saisons, cette saison de Writing excuses sera une master class d’écriture géante. Il y aura de la théorie et des exercices à faire, pour tous ceux qui veulent progresser en écriture.

Chaque mois sera consacré à un sujet, il y aura deux épisodes de théorie, un épisode d’exercice, et un épisode hors sujet. On commence donc avec les idées, et les personnages

Janvier : les idées

Épisode 1 : D’où viennent les idées ?

D’où viennent les idées ?

Pour les auteurs du podcast, elles viennent souvent de quelque chose qu’ils ont lu et/ou vu, et où ils se disent, « tiens, et si je faisais ça ? ».

Comment distinguer les bonnes idées des mauvaises ?

Est-ce qu’une fois qu’on commence à pousser le concept, ça va quelque part ? Est-ce qu’on est capable d’en tirer un pitch qui tient la route ? Est-ce que ça intéresse d’autres personnes ? Surtout, est-ce qu’on est excité à l’idée d’écrire quelque chose là-dessus ?

Comment retravailler ses idées ?

Faire des recherches dans le domaine concerné. Réfléchir à ce qui pourrait mal tourner, ce qui pourrait générer du conflit. Ne pas hésiter à combiner plusieurs idées et voir si ça fonctionne.

Exercice d’écriture :

Ecrivez 5 histoires de 150 mots en prenant les idées de :

– Une conversation qu’on a eu.

– Des recherches faites.

– De quelque chose qu’on a observé.

– D’un film ou d’une série.

– D’une chanson. 

Épisode 2 : J’ai une idée, qu’est-ce que je fais ?

Une fois qu’on a l’idée : chercher les problèmes.

Qu’est-ce qui va poser problème ? Quelles peuvent être les sources de conflit ? Comment la technologie, ou la magie vont être mal utilisées, détournées pour des fins illégales ?

Développer les personnages

Chercher lesquels vont être en conflit, ou intéressés avec l’idée qu’on développe. Chercher ceux qui auraient le plus à gagner, ou le plus à perdre.

Raffiner

Chercher tous les tenants les aboutissants, notamment au niveau de la caractérisation, des motivations des personnages. Chercher ce qui est improbable et qui ne marche pas. Si on a une idée qui manque de justifications, il y a deux choix : modifier l’idée de départ pour que ça colle, ou modifier l’univers et l’histoire développée pour que ça colle avec l’idée qu’on a envie d’écrire.

Exercice d’écriture :

Utilisez les idées de l’épisode un et :

– Combinez-en deux en une histoire.

– Prenez-en une et changez le genre de l’histoire.

– Prenez-en une et changez le genre et l’âge de tous les personnages.

– Prenez-en une et faites agir le personnage complètement à l’opposé de ce que vous aviez prévu. 

Épisode 3 : Horreur lovecraftienne

L’horreur selon Lovecraft :

— l’horreur surgit non pas parce que les personnages ont fait quelque chose de stupide, mais parce que les créatures auxquelles ils sont confrontés sont bien plus puissantes que le genre humain.

— La folie est souvent ce qui attend les protagonistes, parce qu’ils se rendent compte de l’insignifiance de l’être humain.

— Lovecraft haïssait de dont il avait peur, et il avait peur de beaucoup, beaucoup de choses.

— Lovecraft parvenait à rendre effrayant quelque chose d’anodin (ex. la couleur tombée du ciel), et à montrer les changements, l’irruption de l’horreur.

Exercice d’écriture

Choisissez un personnage et décrivez sa réaction à quelque chose d’horrible, sans décrire la chose en elle-même. 

Épisode 4 : questions et réponses sur le développement d’idées.

Est-il possible d’utiliser des idées dérivées de quelque chose qui existe déjà ?

Oui, exemple : les réécritures de contes de fées. L’avantage : on part de quelque chose existant, qui possède une trame avec laquelle on peut jouer.

Comment ne pas se décourager quand l’idée qu’on veut développer a déjà été utilisée ?

On ne peut pas être 100 % original, on ressemblera toujours à quelqu’un. De toute manière, si on ressemble à une autre œuvre, qui a plu, ce n’est pas forcément une mauvaise chose, car les lecteurs vont chercher à lire quelque chose de similaire à ce qu’ils ont aimé.

Comment savoir si une idée est bonne pour une nouvelle ou un roman ?

Ça dépend du nombre de personnages, de lieux, et de scènes.

Que faire quand on doit écrire sur un endroit dont ne sait pas grand-chose ?

Prendre le personnage focal, et décrire les lieux de son point de vue. La description ne sera peut-être pas utilisée dans le roman, mais elle sert à donner le ton.

Comment savoir quand abandonner une idée ?

Quand l’idée ne rentre pas dans l’histoire, qu’elle force à des digressions. Quand l’idée risque de générer des problèmes : racismes, homophobie…

Comment sélectionner ce sur quoi on va écrire ?

Si on est un auteur publié : choisir celle dont la deadline est la plus proche. Si on ne vit pas de sa plume : choisir l’idée qui nous enthousiasme le plus.

Exercice d’écriture 

Choisissez une idée qui vous enthousiasme et imaginez un casting de cinq différents personnages pour remplir le premier rôle. 

Février : les personnages

Épisode 5 : Que voulez-vous dire par « mon personnage principal est ennuyeux » ?

Un problème récurrent avec les nouveaux auteurs : le personnage principal est ennuyeux et mal relié à l’histoire.

Souvent, le personnage sert de point de vue pour l’histoire, mais ne fait pas grand-chose. Une erreur récurrente : tenter de rendre le personnage intéressant en lui donnant un passé torturé, qui n’a aucun rapport avec l’histoire.

Pour corriger ce problème : donner quelque chose à faire au personnage et principal et surtout, lui donner des responsabilités. Donner un prix à ses actions, et mettre en jeu quelque chose d’important pour le personnage, quelque chose qu’il risque de perdre.

On l’a souvent répété, mais il faut donner des défauts aux personnages, quelque chose qu’ils doivent surmonter.

Exercice d’écriture :

Décrivez trois personnages, qui ont des âges, des professions et des loisirs différents. Ils marchent à travers un marché, vous devez décrire leur état d’esprit et laisser deviner leur professions et leurs loisirs sans jamais les citer. L’objectif de la scène : ils traversent le marché pour y déposer quelque chose. 

Épisode 6 : le monde se construit autour de moi

En fantasy, comme en SF, on a tendance à construire le monde autour des héros, tout se passe là où ils sont. Ces personnages ne vivent que pour accomplir de grandes choses, et ne se soucient pas des choses « normales ».

Réfléchir, remettre en perspective : on n’a pas besoin de pouvoirs démentiels pour être le héros. Chaque personnage est le héros de sa propre histoire. Ex. : le comic « Gotham central », qui raconte la vie quotidienne des policiers à Gotham.

On peut tout de même très bien avoir pour héros un personnage épique, au centre de l’action. Mais, il ne faut pas oublier que dans le monde qu’on crée, il y aura des gens « normaux », qui auront des ambitions « normales ».

Ex. : Han Solo dans Star Wars. Il n’est pas un jedi, n’a pas de pouvoir, n’est pas noble ni rien. Son but dans la vie : gagner de l’argent et survivre.

Exercice d’écriture :

Vous vous souvenez la dernière fois que vous avez perdu un jeu? Reconstituez l’enchaînement des faits qui vous a amené à perdre. Utilisez la trame narrative qui en ressort pour une histoire. 

Épisode 7 : mais qui sont tous ces gens ?

Comment savoir qu’on a le bon nombre de personnages ? Comment savoir si un personnage est utile ?

Distinction entre les personnages secondaires, ceux qui vont vraiment amener quelque chose à l’histoire, et les « porteurs de lances » : terme de théâtre pour désigner les figurants, qui vont partie du décor.

Un personnage secondaire, même s’il n’a qu’une apparition, et quelques lignes de dialogue, a une histoire, des envies et un but.

Comment donner de la réalité à un personnage secondaire en quelques lignes ?

Réfléchir en amont sur le personnage, écrire des scènes où il apparaît, même si elles ne serviront pas à l’histoire finale. Ça permet de cerner le personnage, de savoir ce qu’il veut, à quoi il ressemble, comment il bouge…

Attention quand on dépeint une autre culture : si on n’a qu’un personnage d’une autre culture, on prend le risque de dépeindre cette culture comme monolithique.

Exercice d’écriture :

Choisissez l’un des personnages créés pour l’épisode 5 et transformez-le en personnage secondaire. Maintenant, choisissez un des personnages avec lequel il a interagi et réécrivez la scène du point de vue de ce personnage. 

Épisode 8 : Questions et réponses sur les personnages

Comment faire gagner du pouvoir au personnage principal, sans diminuer la valeur de l’antagoniste ?

On fait du « reverse engineering » : on part de la fin, on détermine où doit être le héros pour vaincre le méchant, puis on lui retire ses pouvoirs, et on sait d’où il part au début de l’histoire, et ce qu’il doit gagner.

Comment créer un arc pour un personnage faillible et le faire évoluer, sans supprimer les défauts qui l’ont rendu crédible et attachant pour le lecteur ?

Deux options : soit on prend un personnage pas super sympa au début, qui évolue pour devenir sympathique, soit on prend un personnage qui a un gros défaut au début, que l’histoire va corriger.

Il faut se rappeler qu’on ne se débarrasse jamais totalement d’un défaut, qu’on devient juste meilleur à le gérer. Il faut aussi savoir que parfois, le défaut d’un personnage est ce qui le rend attirant. Ex : House, l’intérêt de la série réside dans la tension entre sa compétence et son caractère abrasif.

Avoir quelqu’un qui aime le personnage pour ses défauts.

Quand on écrit à la première personne, comment donner l’impression que les personnages secondaires ont une vie à eux ?

C’est un peu la même chose que dans la vie réelle, avec ses amis. On ne sait pas ce qu’ils ont dans la tête, on ne sait pas tout ce qu’ils font, mais on en observe une partie, et on réfléchit à ce sujet. On juge leurs actions.

On peut mettre en place une variante du test Bechdel : est-ce que le narrateur assiste à la conversation de deux personnages secondaires, qui parlent d’autre chose que de lui ?

Pour donner de la réalité aux personnages secondaires, faire en sorte que le narrateur apprenne à leur sujet quelque chose qu’il ne connaissait pas du tout.

Comment écrire une histoire où le personnage principal n’est pas le plus actif ?

C’est faisable : ex. Gatsby. Le danger : créer un personnage qui ne soit qu’un observateur.

Pour donner de la réalité : donner quelque chose au personnage qu’il veut, des buts dans la vie.

Comment savoir quand l’intrigue dirige le personnage et non l’inverse ?

Quand le personnage n’a aucune vie en dehors de l’intrigue, quand il n’a plus de cohérence dans ses actions, et ne fait que réagir à l’intrigue.

Comment écrire un personnage qui a des vues racistes, homophobes, ou dérangeantes, sans offenser les lecteurs ?

Faire que les autres personnages le critiquent pour ça, ou réagissent.

Créer un personnage qui représente les valeurs que critique le personnage.

Comment écrire un personnage qui a une religion ou une ethnie différente ?

Faire des recherches, notamment sur le net. Quand on veut écrire sur un membre d’une secte, aller sur les sites pro sectes pour comprendre la mentalité et les arguments qu’ils vont avoir pour défendre leurs croyances.

Chercher les différences que cette personne va avoir avec nous, mais chercher aussi les similitudes.

Pour des personnes d’une culture disparue depuis longtemps : chercher des lettres, des photos, des choses écrites par les personnes de cette époque.

Comment écrire un antagoniste qui soit sympathique ?

Lui donner des buts qui soient plausibles, compréhensibles, et avec lesquels on s’identifie.

Exercice d’écriture :

Imaginez les événements avant et après la scène du marché des épisodes précédents. 

Le mois prochain : la structure d’une histoire. 

L’article Writing excuses, saison 10 : janvier et février est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Épisode 1 : Microcasting

comment faire quand on tourne à vide dans une histoire ? Introduire de nouveaux conflits, mettre les personnages dans une situation nouvelle.

Épisode 2 : Hero’s journey

d’après « Hero with a thousand faces », Joseph Campbell. Ouvrage qui décrit les archétypes des mythes héroïques, qu’on retrouve dans toutes les cultures.

— Le passage de seuil

L’élément perturbateur, qui fait que la situation du héros change.

— Les péripéties

Ce que le héros vit, alors qu’il cherche ce qu’il veut.

— La descente aux enfers

Le héros est confronté à sa part d’obscurité, que ce soit physiquement ou mentalement.

Ce livre n’est pas un guide pour écrire un roman, il donne des points, des évènements qu’on retrouve dans beaucoup d’histoires.

— Le retour

Retour à la situation initiale, qui sert à montrer à quel point le héros a changé.

Épisode 3 : Pets

comment utiliser les animaux dans un roman, en leur donnant une importance.

Difficile à réaliser, parce que ce ne sont pas vraiment des personnages, et leur impact sur l’histoire est en général limité. Mais, c’est intéressant car les animaux font avoir des relations particulières avec les personnages et nous en apprendre beaucoup sur le personnage.

Pour bien écrire : réfléchir aux liens qu’on a avec les animaux, comment on se comporte avec eux, quelles manies ont a…

Réfléchir à l’impact qu’ont les animaux sur la société qu’on va décrire (ex : les chiens sont maintenant des animaux de compagnie, mais au départ, ils servaient de gardiens).

Episode 4 : Side characters arc

Arc de personnage : quand un personnage connait un changement entre la situation initiale et la situation finale.

Pourquoi créer un arc pour les personnages secondaires ? Parce que ça donne du relief au personnage (qui est quelque part, le héros de sa propre histoire). Parce que les actions, les questionnements du personnage secondaire peuvent servir à éclairer les actions d’un personnage principal (ex : confronté à la même situation, des réactions différentes).

Mais, attention à ne pas trop développer ce personnage secondaire, sinon, il deviendra un personnage principal et risque de faire dévier l’histoire.

L’évolution d’un personnage secondaire peut amener de la tension dans l’histoire (ex : Gollum dans LOTR)

Attention à y aller en subtilité, se rappeler « show, don’t tell ».

Episode 5 : Breaking rules

Il existe des règles d’écritures : ne pas mettre trop de flashbacks, ne pas écrire un 1er roman trop long…

On peut briser ces règles, car elles ne sont que des guides. Mais, il faut se dire qu’il y aura un coût. Il faut donc se demander ce qu’on veut exactement pour son histoire, et si ne pas respecter une règle ne va pas apporter quelque chose à l’histoire.

Episode 6 : Retellings and adaptations

reraconter une histoire : reprendre une histoire connue, un mythe, et la raconter en changeant des éléments (prendre un autre point de vue, changer l’époque, l’interprétation des personnages)

ex : Orgueil et préjugés et zombies, Blanche-Neige et le chasseur.

Pourquoi réutiliser et réécrire des histoires : parce qu’on utilise quelque chose que le lecteur connaît déjà, on utilise des symboles forts. Parce que ça permet de contenter le lecteur en lui donnant quelque chose qu’il connait, mais avec un peu de nouveauté.

Épisode 7 : Cliffhangers

quand utiliser un cliffhanger et quand ne pas le faire.

Un bon cliffhanger donne quelques informations au lecteur, mais suscite du coup beaucoup de questions et pique son intérêt. Il donne de la profondeur à l’histoire

(Ex : le fantôme de l’opéra, le héros rencontre dans les sous-sols une ombre, dont on lui dit qu’elle est bien pire que le fantôme. Rien de plus ne sera expliqué sur cette ombre).

Un mauvais cliffhanger : frustre le lecteur, quand un personnage garde pour lui des infos, au lieu de les partager avec le lecteur, parce que l’auteur veut ménager la tension.

Episode 8 : Writing and personnal health

Impression populaire que tous les artistes sont affectés de diverses pathologies mentales (et sont cinglés). Ce n’est pas toujours le cas, mais certains ont effectivement des problèmes.

Si on a une pathologie mentale, écrire est une bonne solution car cela permet de canaliser les problèmes pour créer quelque chose.

Le danger de l’écriture : c’est une activité solitaire, donc on risque de se renfermer et d’aggraver ses problèmes. Il est important d’en parler autour de soi, de ne pas se replier totalement.

D’un point de vue physique : attention aux pathologies qu’on peut développer en écrivant (maux de dos, fatigue des yeux…). Il est important de garder une activité physique et d’aménager son espace de travail en fonction.

Episode 9: Brainstorming with Howard

Exemple de brainstorming d’une histoire sur l’immortalité.

Episode 10 : Brainstorming with Howard

Utilisant les exemples de l’épisode précédent, développement en détail de l’histoire.

Episode 11 : Writing abnormal psychology

Comment écrire sur des personnages qui ont un désordre mental ?

Faire des recherches, beaucoup de recherches, ne pas hésiter à parler à des malades si on en a l’occasion.

Attention à ne pas tomber dans la caricature, de ne pas simplifier à l’extrême les maladies, ni de diaboliser les malades.

Se renseigner sur les causes des maladies, les symptômes et surtout sur les médicaments utilisés pour traiter ces maladies et leurs effets secondaires.

Episode 12 : project in depth, with Howard

explication de l’un des projets d’Howard (un bonus pour Schlock mercenary)

Episode 13: Fake it till you make it

Réfléchir à ce qu’on attend d’un auteur professionnel, comment il se comporte… Essayer d’imiter et de se comporter en pro.

Réfléchir à l’image qu’on veut projeter et aux relations qu’on veut avoir avec son éditeur.

Attention toutefois à ne pas en faire trop, à ne pas essayer de répéter les mauvais comportements des auteurs publiés.

Episode 14: Brainstorming with Brandon

Brainstorming d’une nouvelle sur une idée d’intelligence artificielle.

Épisode 15 : narrative rythm

Le rythme : il faut des moments forts, mais également des pauses dans l’intensité, pour permettre à la tension de descendre pour mieux remonter.

Comment garder l’intérêt des lecteurs, tout en insérant des moments plus calmes ? Se demander ce qui est intéressant dans les moments plus calmes. Les insérer au milieu d’un chapitre plus « musclé », pour faire une respiration.

Faire monter l’action : amener vers le point où le lecteur se dit « okay, ça va mal se finir ». Chercher le point de rupture.

Action descendante : s’éloigner de ce point de rupture.

Regarder chaque scène de son scénario, attribuer une émotion à chaque scène, et essaye que deux émotions similaires ne se suivent pas.

L’article Writing Excuses, Saison 8, 1ère partie (épisodes 1 à 15) est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Episode 33 : Authentic emotion

Essayer de se souvenir d’un moment où on a été dans le même cas que le héros, et ce qu’on a ressenti.

Essayer de trouver une musique appropriée.

Rythme et respiration : donner un rythme aux dialogues, ou aux descriptions pour traduire des émotions (la peur, la pression…)

Jouer sur le décalage entre ce que les personnages perçoivent d’un autre personnage, et ce qu’il ressent en réalité.

Episode 34 : How to start the new one

Comment passer d’un projet à un autre, alors qu’on a mis en place un univers et des personnages, ou comment écrire une suite à un roman.

Suite à un roman : prendre la situation à la fin du 1er roman, et se demander qu’est-ce qui pourrait mal tourner à partir de là.

Pour écrire autre chose : se demander quels aspects du genre on a utilisé dans le 1er roman (fantasy, SF), et essayer d’écrire dans le même genre, mais en utilisant un autre aspect (ex : on a écrit de l’Heroic fantasy, essayer d’écrire de la fantasy, mais se concentrant sur une histoire plus banale de personnages).

Chercher les éléments qui plaisent dans une histoire (ex : une histoire d’amour…) et les tordre pour en faire quelque chose de nouveau, ou y mêler des éléments qu’on n’a pas l’habitude de voir avec (ex : Buffy, la jolie blonde et les monstres, mais détourné, car c’est la fille qui tape les monstres).

Pour écrire quelque chose de vraiment différent : ne pas hésiter à commencer par écrire des nouvelles, pour tester d’autres styles et voir ceux qui plaisent. Lire, regarder des documentaires, des séries, des films, aller vers des choses qu’on n’a pas l’habitude d’aller voir pour essayer d’élargir son univers. Faire des listes de stéréotypes et réfléchir à comment on pourrait les détourner.

Episode 35 : brainstorming with Dan

Brainstorming d’une nouvelle, sur une idée originale de Dan Welles.

Episode 36 : writing gaming fiction

Ecrire pour des jeux de rôles.

La différence entre la fiction et l’écriture pour JDR : la fiction, quand on écrit, on est le narrateur. Le JDR, on écrit pour permettre à quelqu’un d’autre soit le narrateur.

Donc, il faut développer au maximum l’univers et tenter de prévoir toutes les possibilités qui vont être exploitées par le MJ.

Les PNJ, contrairement aux PJ, ils seront joués par le MJ. Tenter de leur donner une identité, et une voix qui leur soit propre, de manière à ce qu’ils aient un impact sur les joueurs.

Episode 37 : Pantsing

Pantsing = « sit in your pants » writting = discovery writting = écrire à l’aventure sans plan préétabli.

Quelques techniques pour bien écrire de cette manière

– se demander « oui mais » et « et si »

– Ne pas se forcer à obtenir des résultats, écrire d’une traite, se relire ensuite.

– Commencer avec la fin en tête, se demander comment on y arrive.

– Chercher les émotions du personnage : pourquoi va-t-il faire ça ? Comment va-t-il réagir à une situation donnée ?

– Chercher les points clés de l’intrigue, les moments où une tension va être créée.

– En cas de blocage, une technique un peu extrême : se demander jusqu’à quel point on était content de l’histoire et excité à l’idée de l’écrire, à partir de ce point, tout effacer et reprendre l’histoire.

Se rappeler qu’écrire à l’aventure, c’est comme l’improvisation en musique, il faut être un virtuose pour l’exécuter parfaitement. Et donc, il faut travailler encore et encore et accumuler de l’expérience.

Episode 38 : writing love scenes

Scènes de sexe, les questions à se poser : est-ce que ça va faire avancer l’histoire ? Est-ce que ça a un impact sur les personnages ? Est-ce que le lecteur va aimer la scène ?

Ce qui est intéressant avec ces scènes : la tension et les conflits que ça génère.

Il est difficile d’écrire une bonne scène de sexe, car notre société est sans cesse bombardée d’images pornos, de nus… Une bonne scène doit avoir de la tension. Pour construire cette tension : en amont, tout le jeu de séduction entre les personnages, leurs pensées, les conflits qu’ils éprouvent (penser aux interdits, aux obstacles…)

Comment éviter que la scène soit ridicule ? Bien construire les personnages, pour qu’ils aient de la consistance et de la réalité. Réfléchir à ce qui va exciter le personnage, qu’est-ce qu’il aime… permet d’entraîner le lecteur dans l’univers du personnage.

Si on a du mal à lancer la scène, à passer le moment où tout le monde se met à poil et passe aux choses sérieuses, ne pas hésiter à écrire une très longue scène, où les personnages se tournent beaucoup autour, avant de passer aux choses sérieuses (quitte à couper des morceaux après).

Décrire l’action : pour éviter le côté trop « mécanique », se concentrer sur le ressenti des personnages. Choisir un sens que le personnage utilise le plus, et se concentrer dessus.

Episode 39 : Deaths

Pourquoi tuer un personnage ? Parce que l’histoire le réclame, pour choquer le lecteur et lui montrer que n’importe qui peut mourir, et que tous les autres personnages sont en danger.

Attention : pour qu’une mort ait de l’importance, il faut que le personnage en ait. Même quand on zigouille un passant, pour que la mort ait un impact, il faut humaniser la victime avant.

Pour savoir si un personnage important doit mourir, on peut écrire deux scénarios, l’un où il meurt, l’autre où il survit, et on peut alors choisir ce qu’on veut.

Episode 40 : Writing the other

Écrire un personnage qui ne nous ressemble pas (différent âge, différent genre…)

les pièges à éviter :

– Utiliser des stéréotypes

– à l’inverse, pour éviter d’utiliser des stéréotypes, ou d’être accusé de racisme, ou de sexisme, créer des personnages qui soient trop parfaits.

Pour bien écrire un personnage différent de soit

– S’interroger sur ce qu’on est, sur les choses qui vont de soit pour nous, et essayer d’imaginer si ça avait été différent, comment on serait (ex : une enfance différente).

– Faire des recherches, notamment en utilisant les médias sociaux pour essayer de capter les petits détails qui font la différence.

– S’interroger sur ce qui fait la différence des personnages, sur comment ça va impacter le personnage, mais se rappeler que le personnage qu’on crée est un individu. Il a beau être issu d’une culture, il va avoir son histoire personnelle, ses envies, ses buts…

Episode 41 : 7 points story structure

– Le départ : confrontation du héro avec quelque chose qui bouleverse son quotidien.

– Ce qui pousse le héro à rentrer dans l’action (ex : l’attaque du troll dans le 1^er Harry Potter, qui le force à utiliser la magie)

– Le point du milieu : de la réaction à l’action, le héros se dit qu’il en a marre de courir, qu’il faut agir (ex : Harry Potter, quand il trouve Voldemort en train de boire le sang de la licorne. Il sait qu’il doit faire quelque chose).

– Le deuxième « coup » : 2ème événement qui donne au héro un nouveau coup pour avancer (ex : SDA, la mort de Gandalf)

– la clé  : quelque chose qui donne aux héros un élément pour avancer.

– La réalisation : le héros découvre qu’il peut battre le méchant (ex : Star wars, Luke utilise la force pour détruire l’étoile noire)

– La fin : conclusion.

Episode 42 : Contemporary Young Adult Fiction

Fiction jeunes adultes contemporaine : quelles thématiques, comment les exploiter. Interview avec une auteur.

Episode 43 : Editing

comment écrire pour des éditeurs de RPG, qui publient romans et nouvelles liés à un univers.

– Écrire pour quelqu’un d’autre d’abord, pour prouver qu’on peut écrire dans l’univers de quelqu’un d’autre.

– Travailler son style, c’est ce qui fera la différence.

– Soumettre des textes, pour prouver qu’on a du style.

– Surtout, relire, retravailler le texte.

Episode 44 : Writing for comics

Comment écrire pour les comics et la BD.

Episode 45 : Microcasting

Quelles sont les erreurs quand on passe de l’écriture d’un roman à des nouvelles ? Mettre trop de personnages, trop de lieux…

Episode 46 : Project in depth : The emperor’s soul

Étude de la novella « The Emperor’s soul » de Brandon Sanderson.

Origine du projet, inspiration … D’où sont venue les idées, comment il les a développées.

Episode 47 : Raising the stakes

Faire monter la tension.

Pourquoi ? Pour que le lecteur continue à lire l’histoire.

Comment ? Mettre le/les personnages en danger. Trouver ce qui tient à cœur aux personnages (une personne, un objet…) et le mettre en danger.

Attaquer la réputation d’un personnage, pour le mettre dans une situation difficile et faire monter la tension.

De très fortes motivations pour un personnage : le regard des autres, le rapport aux amis, aux êtres aimés (trahison…), l’échec ou la réussite face à l’adversité.

Episode 48 : Pixar rules for creating compelling stories

1. On admire plus un personnage pour l’énergie qu’il déploie pour atteindre son but, plus que pour ses réussites.

2. Garder en tête ce qui sera intéressant pour le lectorat, et non ce qui serait drôle à écrire du point du vue de l’écrivain.

3. Démarrer par une situation « status quo », et créer une perturbation

4. Combiner les personnages, garder en tête l’efficacité, ne pas hésiter à trancher. On a l’impression de perdre quelque chose, mais en réalité, l’histoire y gagne. Simplifier et décider ce que l’histoire est.

5. Déterminer en quoi le personnage excelle, et mettre en question cette habilité, voir comment le personnage se débrouille.

6. Quand vous arrivez au milieu de l’histoire, vous devez absolument connaître la fin, savoir où vous allez.

7. Finissez votre histoire, quoi qu’il arrive, même si ce n’est pas parfait. Vous ferez mieux la prochaine fois.

8. Quand vous êtes coincés, faire une liste des choses qui pourraient arriver après. Faire aussi une liste des choses qui ne pourraient pas arriver.

9. Savoir les aspects d’une histoire qu’on aime, pour décider ce qu’on veut écrire.

10. Garder les idées dans la tête ne suffit pas, il faut les coucher sur le papier. Les choses paraissent différentes quand on les a écrites.

Episode 49 : Beginnings revisited

Que doit contenir un bon début ?

– Doit donner la tonalité de l’histoire : sombre, humoristique…

– Établir l’univers : Fantasy, SF, fantastique, quelles particularités a le monde ?

– Présenter les personnages.

– Un élément perturbateur : quelque chose change, qui va mettre l’histoire en mouvement.

Episode 50 : Outlining Mary’s way

Le scénario pour Mary Robinette Kowal : Il est un guide, comme un chemin qui sert de guide, mais qui ne limite pas.

L’idée générale = comme un croquis sommaire pour un dessin

le scénario = le croquis tracé

L’écriture = la mise en couleur

Mary écrit des scénarios très détaillés, en utilisant des scènes, qu’elle réutilise.

Episode 51 : Brainstorming Mary’s way

Exemple de brainstorming en utilisant la méthode de Mary

Episode 52 : Microcasting

comment savoir si votre histoire est trop grosse pour la nouvelle qu’on est en train d’écrire ?

Reprendre le MICE quotient de Orson Scott card (Milieu, Idea, Characters, Event). Si l’histoire correspond à plus d’une lettre, alors oui, l’histoire risque d’être trop compliquée pour une nouvelle

Réfléchir à toutes les conséquences d’une idée, et décider si ce sera trop pour une histoire courte.

Se dire qu’une histoire est sur une idée (ex : l’immortalité), mais qu’en fait, elle va concerner des personnages (ex : comment un homme va gérer le fait de devenir immortel).

Comment ne pas succomber au découragement ? Même si ça ne va pas, se forcer à avancer, à faire quelque chose. Se dire que si on n’arrive pas à écrire, c’est peut-être que quelque chose ne fonctionne pas, et il faut trouver quoi.

Episode 53 : Secret History

Histoire secrète : expliquer un événement réel par quelque chose de fantastique, fantasy, SF ou autre…

Faire attention quand on écrit sur un personnage réel.

Bien faire des recherches, plutôt écrire sur un événement que le public connaît bien, et pour lequel il y a beaucoup d’explications différentes.

Attention aux événements trop populaires (genre l’histoire d’Hitler).

Episode 54 : Four ways the industry is changing

• Un retour de la SF

Notamment incarné par le Steampunk, qui sert de transition entre la fantasy et la SF. Retour de la dystopie et du post-apo, qui pourrait être un miroir de nos peurs (environnement, catastrophes…)

• Tendance à proposer des bonus : des nouvelles, documents… qui complètent un roman.

• Réduction des intermédiaires

Augmentation de l’autoédition, des publications web, développement d’Amazon, qui traite direct avec les éditeurs, et même avec les auteurs.

• Les auteurs ont de plus en plus besoin de faire leur promotion.

Mais, en même temps, il y a de plus en plus de canaux qui permettent aux auteurs de faire leur promo.

L’article Writing excuses, Saison 7, 3ème partie est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Episode 17 : Guns and fiction

Les erreurs

• Ne pas se renseigner sur ce que sont les armes à feu, et comment ça marche.

• Ne pas tenir compte du bruit et de la chaleur dégagée.

Ne pas hésiter à faire des recherches, à interroger des spécialistes.

Pourquoi être réaliste ? Parce que ça peut donner des idées de ressort scénaristique.

Episode 18 : discovering your voice

Trouver sa voix : ne pas se forcer à faire ce qu’on pense qu’on attend de nous. Écrire les histoires qu’on a envie d’écrire, pour lesquelles ont est passionnés.

Chercher à savoir ce qu’on aime et ce dans quoi on est efficace

Episode 19 : question and answers

questions et réponses

Episode 20 : Cathartic horror

Ecrire de l’horreur : se donner une prise sur les événements.

Horreur : servait d’avertissement sur ce qu’il fallait faire et ne pas faire.

Toujours se rappeler que le plus important, c’est les personnages et ce qui leur arrive.

Chercher ce qui nous fait peur, chercher à savoir pourquoi ça nous fait peur.

Episode 21 : project in depth

Projet de Howard Taylor pour Schlock

Episode 22 : microcasting

Prologue : à quoi ils peuvent servir. Planter le décor, révéler des éléments au lecteur. Attention : si les informations peuvent être données autrement, pas besoin de prologue.

Foreshadowing : pour savoir si on en fait trop : faire lire aux lecteurs tests, et leur demander d’écrire à quel moment ils ont trouvé la solution. Ou, demander à chaque chapitre ce qu’ils pensent qu’il va se passer.

Episode 23 : time travels

Deux types de voyage dans le temps

• On ne peut changer le passé, le voyage dans le temps est déjà écrit (cf l’armée des 12 singes).

Attention à donner une explications valide au fait qu’on ne puisse pas changer le passé

• Voyager dans le temps crée des branches nouvelles, comme un arbre.

Le plus intéressant dans le voyage dans le temps : décalage, implications morales. Ce que ça révèle sur les personnages.

Episode 24 : project in depth, way of kings

Questions à Brandon Sanderson sur son livre, les choix qu’il a fait

Episode 25 : writing capers

Archétypes classiques de scénario d’arnaques

2 types :

• un personnage cache des choses aux autres, d’où les révélations

• On sait depuis le départ comment ça va se passer, sauf que quelque chose d’horrible arrive.

Episode 26 : questions and answers

Dan Wells écrit scènes par scènes, et non chapitre par chapitre

Episode 27 : The problem of originality

Originalité : critique principale de beaucoup d’œuvres, pas assez original, déjà fait.

Mais, très dur de faire quelque chose d’entièrement nouveau. Et, en plus, si c’est totalement nouveau, même si c’est bon, ça ne va pas se vendre.

Bon de se documenter sur ce qui est fait dans la branche où on écrit, comme ça, on évite de faire quelque chose qui a déjà été fait, et ça peut donner des idées pour de nouvelles directions à explorer.

Episode 28 : Project in depth, glamour and glass

Projet de Mary Robinson

Episode 29: The villain problem

Comment faire quand le méchant commence à être plus charismatique que les héros ?

Donner un but au héros, lui donner quelque chose dans lequel il est bon, et dans lequel il peut progresser. Lui donner quelque chose qu’il voulait avant que le méchant n’intervienne, une passion (une autre motivation que battre le méchant)

Episode 30 : microcasting

Comment gérer les mauvaises critiques : regarder si la critique vient de quelqu’un du public cible. Si oui, s’interroger sur la pertinence de la critique, regarder les erreurs que le critique pointe. Si non, alors regarder ce qui n’a pas plu dans le livre, pour donner de nouvelles pistes pour étendre le public cible.

Episode 31 : review in depth, Hollow city

Projet de Dan Wells

Episode 32 : Astronomy

Notions d’astronomie pour les auteurs de SF.

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Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Episode 1 : when good characters do bad things

Comment transformer un personnage bon en méchant tout en évitant que les lecteurs le détestent.

Détruire ce qu’il aime auquel il tient le plus.

Il fait le mal, mais pour des raisons qu’il pense bonne, jusqu’à la réalisation de ce qu’il a fait.

Foreshadowing : planter des éléments qui explique que ce personnage se met à faire de mauvaises choses, utiliser un autre personnage pour question son sens du bien, sa moralité, mettre ses actions en parallèle de la morale de la société.

Créer des conflits entre ce que le personnage veut (protéger ceux qu’il aime et sauver le monde, par exemple), qui forceront le personnage à prendre des décisions difficiles.

Episode 2 : world building : flora and fauna

Quelques trucs : nommer les plantes de manière descriptive (Strawberry : à la base, des baies qu’on faisait pousser sur la paille).

Penser à des raisons rationnelles pour avoir telle plante ou tel animal.

Réfléchir aux ressources : l’eau, la nourriture, les bois… penser à qui mange quoi pour créer une chaîne alimentaire.

Cycle de vie des créatures et impact sur la vie des hommes (suivre les migrations du gibier…).

Certaines espèces se sont éteintes, réfléchir pourquoi. Permet aussi de créer des animaux qui n’ont aucune ressemblance avec ce qui existe aujourd’hui.

Episode 3 : flora and fauna : bad exemples

Planète à écologie unique

Ne pas penser à ce que vont manger les bestioles.

Episode 4 : Brevity

Brièveté dans le récit : se demander si tous les déplacements, toutes les actions et tous les personnages sont nécessaires, ou si on peut condenser.

Brièveté dans les mots : se relire en cherchant les répétitions, se demander ce qui est utile, ne pas utiliser trois mots si un suffit.

Pour les descriptions, chercher l’impact plus que l’exhaustivité. Dynamiser les descriptions : mélanger dialogues, actions du personnage et la description.

Episode 5 : Sensory writing

Utiliser les 5 sens dans l’écriture.

Permet d’évoquer des souvenirs, d’humaniser un personnage. Permet de faire une description en donnant juste quelques éléments marquants (un son, une odeur) et de laisser le lecteur combler le vide avec ce qu’il aime, ce qui lui fait peur…

Attention tout de même à ne pas en faire trop, à garder les informations sensorielles importantes, et ne pas se noyer dans les détails.

Episode 6 : behind the marsmallow

Blague à part de Writing Excuses

Episode 7 : Historical fantasy

Fantasy historique : prendre une période de l’histoire, et ajouter de la magie.

Difficile, car il faut faire beaucoup de recherches, et que de toute manière, si on commence à regarder en profondeur, le monde ne tient plus.

Mais, marche bien parce que ça fait appel à des souvenirs d’école et de cours, mais en plus fun.

Mary Robinson, pour Glamour and Glass : a repris des livres de la période concernée et a sélectionné les mots utilisés et les tournures de phrases

Episode 8 : city as character

Pourquoi utiliser une ville comme un personnage ?

ville réelle ou imaginaire. Ville réelle : pour créer des liens avec le lecteur, qui connaît le lieux.

Pour rechercher une atmosphère particulière, pour s’inspirer des mythes, de l’histoire du lieu.

Créer des lieux qui ont vraiment une réalité.

Pour créer des lieux, regarder comment les gens vivent, se comportent, par exemple, dans un restaurant, dans un bar, étudier le réel.

Permet d’ancrer l’histoire dans le réel.

Episode 9 : microcasting

Réponses courtes à des questions postées sur Twitter

Episode 10 : the importance of criticism

Ne pas hésiter à solliciter la critique. Mais, en même temps, se garder un coin de l’esprit protégé, où l’on se dit que ce qu’on l’on fait est bien et qu’on est un fou génial.

Episode 11 : more microcasting

Idem épisode 9

Episode 12 : omniscient viewpoint

• Omniscient cinématique

Le narrateur voit tout et peut zoomer sur un des personnages. Narrateur omniscient, mais « absent », n’intervient pas avec le lecteur.

Avantage : pas besoin d’avoir un personnage qui voit la scène.

• Narrateur omniscient

Sait tout, voit tout. Permet de faire des adresses aux lecteurs, et de donner au lecteur des infos, dont on ne veut pas forcément que les personnages aient conscience.

• Narrateur totalement omniscient

Le narrateur ne cache aucune information, aucun point de vue d’aucun personnage. Attention, difficile à faire, car beaucoup de personnages, facile de s’emmêler.

Episode 13 : Man vs Nature

Homme face à une catastrophe naturelle, face à la puissance de la nature.

Bien, car permet de changer des schémas habituels du grand méchant maléfique.

Mais, risque que les héros se trouvent démunis. Faut donc leur donner des buts plus réalistes : retrouver quelqu’un, survivre…

Permet de construire des arcs intéressant autour des conflits personnels. Permet de construire du mystère.

Episode 14 : writing excuses

Que faire pour arriver à se motiver, et surtout, pour maintenir la motivation.

Episode 15 : Mary’s outline

Relecture du livre de Mary et critique sur le scénario.

Episode 16 : Continuing with Mary’s outline

Idem

L’article Writing Excuses, Saison 7, 1ère partie est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Episode 16 : Gender roles

Homosexuels, personnages transgenres…

Toujours penser que ces personnages ne se résument pas à leur orientation sexuelle.

Rôle des femmes et des hommes : ne pas hésiter à donner différents points de vue sur une situation, à contraster les attitudes.

Episode 17 : writing assistant

Assistant qui gère le quotidien des auteurs, fais les relectures…

Episode 18 : the hollywood formula

Règles qui permettent de développer une grande charge émotionnelle.

3 personnages

• Protagonistes : le personnage principal, qui a un but, qui peut être atteint.

• L’antagoniste : celui dont les buts sont opposés au protagoniste et qui va l’empêcher.

• La relation : celui qui accompagne le protagoniste, souvent, celui qui a déjà fait la quête et qui connaît les choses.

3 actes

• On introduit les personnages et leurs motivations. Protagoniste doit choisir

• On résous les questions qu’on a posé dans le 1er acte

• La bataille finale

Episode 19 : pitching

One liner : résumer l’histoire en une phrase.

3 ou 4 paragraphes d’explication

Episode 20 : Endings

Attention aux attentes qu’on a planté (résolution d’un conflit…)

Donner aux lecteurs les clés pour comprendre ce qui s’est passé, ce qui va se passer. Leur donner envie de lire la suite en proposant un nouveau problème.

Episode 21 : brainstorming

Un robot, un dauphin, une compagnie d’électricité et un postier.

Episode 22 : Continuing education for writers

Reconnaître ses erreurs et apprendre à les corriger

Episode 23 : pigeon holes

Ne pas hésiter à sortir de ses propres sentiers battus.

Episode 24 : from the ridiculous to the sublime

Prendre une idée ridicule et tenter de l’humaniser, de la rendre réaliste.

Quand on a une idée qui pourrait être ridicule, pour la rendre sublime : réfléchir à toutes les implications de la situation : comment on en est arrivé là, quelles seront les conséquences…

réfléchir aux points de friction et aux conflits possibles.

Episode 25 : When characters do dumb things

Mauvaises raisons pour que les personnages fassent des choses stupides

• Parce que le scénario le demande (aller à l’étage au lieu de se barrer à l’extérieur). Crée une distance entre le perso et les lecteurs.

Bonnes raisons

• Parce que les personnages n’ont pas toutes les informations, font la chose qu’ils pensent être juste. Permet au lecteur de s’identifier au perso.

• On a établi que ce personnage-là va faire ce genre d’erreurs.

Episode 26 : Plotting the mystery

Pour donner une impression de mystère

• donner une explication pour un mystère, admise pour tous, et ensuite, révéler que c’est faux, qu’il y a une autre raison.

• Donner à plusieurs personnages des raisons pour commettre un meurtre.

• Déterminer ce que les personnages doivent savoir à un moment donné, le séparer en petits indices et les introduire dans l’histoire.

Episode 27 : fantasy setting yard sale

Brainstorming sur comment on crée un univers fantasy : les pouvoirs magiques

Comment on les obtient, l’impact sur la société…

Episode 28 : interstitial art

C’est toutes les histoires qui se trouvent à l’interstice de deux genres, qu’on ne peut pas vraiment classer dans un genre.

Différence avec le mélange des genres : interstitial art le fait sans vraiment y penser, mélange plusieurs genres…Quand on se dit « y’a des codes de ça, mais pas totalement, y’a un peu de ça, un peu de ça… ».

Episode 29 : character foils

Personnage qui est différent du personnage principal et qui fait apparaître ses particularités.

Peut être un antagoniste, ou un ami, même un mentor.

Sert à mettre en relief les défauts d’un personnage, ses particularités, ou éventuellement, les moments où il échoue.

Peut être un personnage récurrent (Holmes, Watson) ou ponctuel (Kevyn et Rev dans Schlock mercernary)

Permet de multiplier les points de vue, de créer des conflits.

Episode 30 : Help, I can’t end my book

Que faire quand on est coincé pour la fin d’un roman, qu’on ne sait pas quoi faire faire aux personnage ?

foreshadowing : planter des éléments qui aideront à la résolution.

Faire faire une erreur au méchant, dont les protagonistes pourront se servir.

Réfléchir à l’environnement, qu’est ce qu’on pourrait en tirer.

Revoir les premiers chapitres.

L’article Writing Excuses, Saison 6, 2ème partie est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Episode 1 : Can creativity be taught

Créativité : associer plusieurs idées qui n’ont pas encore été mises ensemble. Se demander « et si » et extrapoler. Pouvoir, quand on voit qu’on manque de quelque chose, réfléchir à d’autres solutions.

Ne pas hésiter à réfléchir aux possibilités du « Et si ».

écrire sur quelque chose qu’on connaît et ajouter quelque chose de nouveau.

Créativité : tout le monde l’a. Des techniques peuvent être enseignées.

Episode 2 : internal motivations

Motivations d’un personnage

Ce qu’il croit vouloir, ce qu’il veut en réalité, et comment l’obtenir.

Mettre en conflit ces différents points de vue.

Attention à bien expliquer les motivations du personnage.

Quelques trucs : utiliser les pensées pour montrer ce que le personnage veut, utiliser les dialogues, les autres personnages pour expliquer une action du personnage principal.

Episode 3 : professionnal organization

Présentation des organisations professionnelles d’écrivains aux US

Episode 4 : microcasting

Déconseille la publication à compte d’auteur

Humour et sérieux : dans un contexte sérieux, un peu d’humour, parce que c’est ce que les gens normaux feraient, et que ça permet de soulager un peu la tension.

Dans un contexte délirant : les personnages doivent être un minimum sérieux, pour qu’on croit à leur implication dans l’histoire.

Episode 5 : query letter

Bonne lettre : celle qui va piquer l’attention, donner envie de lire. Résumer le livre, mais en donnant les clés de lecture (arcs des personnages, évolutions, buts…). Ne pas parler de l’impact que ça a eu sur nous, ou de ce qu’on en pense

Episode 6 : Cyberpunk

Dans un proche futur, se concentre sur la technologie, ses évolutions, son impact sur l’humanité

Thèmes fréquents : peur du gouvernement, des multinationales (personnages sont souvent des marginaux, hackers, qui luttent pour la liberté). Augmentation de l’être humain, et conséquences sur l’identité.

Futur dystopique, peur de la technologie, de ce qu’elle va apporter.

Episode 7 : brainstorming a cyberpunk story

Brainstorming

Episode 8 : what an agent really do ?

Agent : le lien entre l’auteur et l’éditeur. Reçoit les manuscrits de l’auteur, fait les corrections, et présente le manuscrit aux éditeurs.

Un bon agent connaît personnellement les éditeurs, et sait directement si une histoire peut se vendre ou pas.

Episode 9 : microcasting

Questions posées via twitter

Episode 10 : Orson Scott Cart MICE
Milieu : là où l’action se passe. Histoire commence quand on rentre dans le lieu et finit quand on quitte le lieu

Idea : une question (genre, mais pourquoi y-a-t-il un corps par terre?). Histoire commence avec la question et finit avec sa résolution.

Character : histoire commence avec un personnage qui n’est pas satisfait de sa situation, et finit avec la résolution de son conflit.

Event : un événement qui bouleverse tout. L’histoire finit avec la fin de l’événement.

Quand on commence une histoire, on lance des promesses au lecteur. Attention à ne pas laisser sans réponse des questions qu’on a lancé.

Episode 11 : how to make your description a little more

Chercher le point de vue des personnages et sur quoi ils vont se focaliser.

Attention à bien l’utiliser pour attirer l’attention du lecteur sur ce qui est important. Ça en dit autant sur la chose qu’on décrit que sur le personnage.

Réfléchir au rôle de la description dans l’histoire.

Episode 12 : revising Howard’s story

Histoire de jeunesse de Howard

Episode 13 : Worldbuilding ; communications technology

Réfléchir au niveau de communication qu’on veut, à quelle vitesse. Trouver des explications si on veut quelque chose de rapide.

Faire des recherches.

Réfléchir à l’impact sur l’histoire et sur l’univers.

Episode 14 : suspension of disbelief

Garder de la vraisemblance, se demander comment ça se passerait dans la vie réelle, comment un être humain réagirait.

Attention à ne pas trop en demander en lecteur (ex : la petite sirène, on est ok pour la sirène, par contre, l’ouragan qui arrive de nulle part, ça ne marche pas).

Attention aux attentes du lecteur. Et attention au Checkov gun. Si on utilise le pistolet à l’acte 3, il doit au moins être mentionné aux actes précédents.

Ne pas hésiter à prendre de la distance par rapport à ce que font les personnages, qu’ils discutent de quelque chose pour faire passer un effet qui serait lourd sinon.

Episode 15 : writing other cultures

Faire des recherches, mais ne pas se limiter à une source. Une culture n’a pas qu’un seul point de vue.

Se méfier des stéréotypes et des « personnes moyennes » : réaliste, mais ne marche pas dans un bouquin, parce que tout le monde dévie au moins un peu des stéréotypes.

Ne pas oublier que les personnages sont avant tout des individus, qu’ils vont avoir leurs émotions, leurs passions…

L’article Writing excuses, Saison 6, 1ère partie est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Épisode 19 : fulfilling promises to your readers

Attention aux petites phrases lancées comme ça, qui embarque le lecteur vers des pistes qu’on ne va pas suivre.

Alternative, se rendre compte que la petite phrase en question ouvre pas mal de perspectives et modifier l’histoire.

Lecteurs investissent une énergie émotionnelle, attention à ne pas leur voler le dénouement.

Épisode 20 : dialog exercises

Correction de dialogues envoyés par les auditeurs

Épisode 21 : alternate history

Pure fiction historiques : on imagine comment le monde serait différent si un événement s’était déroulé différemment.

Voyage dans le temps : quelqu’un voyage dans le temps et change le passé.

Écrire ce qu’on connaît, et ce sur quoi on est documenté.

Épisode 22 : film consideration

Comment les films influent sur la littérature.

Des choses à prendre : structure en trois actes, la concision et l’impact, notamment dans les concepts.

des chose à ne pas prendre : tendance hollywoodienne à ne pas donner de motivations aux personnages.

Épisode 23 : Life day

Comment donner de la réalité à la vie quotidienne de votre univers ?

Réfléchir à l’environnement, à ses spécificités (ex : impact de la météo sur les périodes de travail et de repos).

Réfléchir aux jours importants dans la vie de quelqu’un (ex : passage à l’âge adulte) ou dans l’histoire du peuple (ex : jour d’indépendance).

Difficulté, quels détails on doit donner pour que ça ait l’air réel : doser, définir quelles fêtes sont vraiment importantes, les détailler via sur que les persos en pensent.

Épisode 24 : Author’s responsability

Avoir de la régularité, se dire que c’est un travail, qu’il y a des deadlines qu’il faut respecter.

Épisode 25: Scared for character

Comment faire que le lecteur s’attache aux personnages et ait peur pour eux

• lui donner une faiblesse, quelque chose qui le rendra sympathique

• on s’attache plus facilement avec un personnage qui a le sens de l’humour

• Un personnage qui a une vie difficile trouva plus facilement grâce aux yeux du lecteur.

• Mettre en danger le personnage : un méchant compétent, quelque chose que le personnage ne connaît pas et qu’il va devoir affronter.

Épisode 26 : Writing in other people’s universes

Commencer par se faire reconnaître en tant qu’écrivain, se créer une notoriété.

Écrire dans un autre univers : permet de pratiquer le scénario, les personnages, sans avoir à se soucier du décor, parce qu’il est déjà créé.

Épisode 27 : Perseverance

Ne pas se laisser abattre. Arrive à beaucoup d’auteurs de devoir recommencer à zéro parce que le vent a changé.

Épisode 28 : Epublishing

Internet a beaucoup changé la donne en matière de lecture. L’epublishing peut être une solution pour les auteurs.

Mais, avec l’Epublishing, la question n’est plus d’arriver à être publié, mais d’arriver à être lu.

Pb de la qualité : la maison d’édition sélectionne ce qui est bon ou pas. Une telle sélection n’existe pas avec l’Epublishing.

Les ebooks se vendent beaucoup grâce au bouche à oreilles.

Pour que son ebook se vende, il faut essayer de trouver son public. Ne pas hésiter à contacter des bloggeurs, essayer de se créer un réseau. Avoir un site qui permet de communiquer. Converser avec ses lecteurs.

La couverture : laisser ça à un pro, et surtout le payer pour son travail (comme un vrai professionnel le ferait)

Ne pas hésiter à payer un correcteur professionnel pour relire le tout.

Épisode 29 : Rewriting

Un 1er jet n’est jamais parfait, car on cherche l’histoire, les personnages…

Pour réécrire, il faut se demander clairement ce qui marche et ne marche pas dans l’histoire.

Commencer par se demander ce qu’on doit ajouter, ce qui manque à l’histoire, quels personnages ont doit approfondir…

Ensuite, se demander ce qu’il y a en trop, quel personnage ne sert à rien, quelle scène n’apporte rien.

Ne pas hésiter à supprimer scènes et personnages, mais à en garder des morceaux. Comme le dit Howard Tayler « I can’t save this patient, but he will be an excellent organ donor ».

Il est très important d’avoir une ou deux personnes qui relisent le 1er jet et disent honnêtement ce qui va et qui ne va pas.

Annie Stansfield : le 1er jet est ce qu’on veut dire, le produit final est comment on veut le dire.

Réécriture à plusieurs niveaux

• Niveau général : cohérence et rythme de l’histoire

• Niveau intermédiaire : chapitres…

• Niveau tranversal : relire du PDV d’un personnage, pour vérifier qu’il est cohérent du début à la fin.

• Niveau de l’écriture : grammaire, syntaxe, style…

Ne pas hésiter à laisser du temps entre le 1er jet et la réécriture, histoire de prendre du recul.

Épisode 30 : writing action

Se concentrer sur le ressenti des personnages.

Un bon combat est l’aboutissement d’autres actions, construire la tension et les conflits, qui seront résolus lors du combat.

Épisode 31 : writing romance

Une romance réussie joue sur les sentiments et les attentes du lecteur.

Il faut construire la romance, l’amener, jouer sur la tension pour que ce soit une résolution des tensions, et non un « remplissage » pour meubler l’intrigue.

Les personnages qui tombent amoureux doivent avoir une raison de tomber amoureux (autre que le coup de foudre, svp)

Réfléchir à ce que les personnages peuvent s’apporter l’un à l’autre, et que les autres personnages ne pourront pas leur donner.

Épisode 32 : Urban fantasy

Fantasy urbaine

• Fantasy qui a pour décor une ville

• Notre monde, une ville, avec des éléments de fantasy

Genre très libre, qui peut aller de la romance paranormale aux batailles épiques.

Épisode 33 : Alpha readers

Groupe d’écriture : groupe avec lequel on écrit l’histoire, on se lit mutuellement, on se motive…l

Lecteur alpha : personnes (3 est le nombre conseillé), qui vont relire intensément l’histoire, corriger les fautes, le style, mais aussi relire l’histoire à un niveau plus général.

Un lecteur alpha doit pouvoir comprendre ce qu’on veut faire avec l’histoire, doit pouvoir déceler les bonnes idées mal exploitées

Définir pour chaque lecteur alpha le genre de feedback qu’on attend (corrections orthographiques, personnages, histoire…)

Épisode 34 : story bibles

http://wikidpad.sourceforge.net/

Outil qui permet de se créer un wiki personnel, pour élaborer son univers, ses personnages…

Sinon, beaucoup d’auteurs le font simplement avec leurs fichiers textes.

Importance de ces « bibles » : permet de garder la trace des différents brouillons, de l’univers, des personnages, et surtout, quand on écrit une série en plusieurs volumes, de ce qu’on a prévu sur le long terme.

Mais, attention, il faut se rappeler que ces articles sont décris sont personnels, ce sont des outils de travail, et on ne doit pas le retrouver dans le libre (au risque d’assommer le lecteur avec une avalanche d’info).

Épisode 35 : brainstorming urban fantasy

Exemple de brainstorming d’une histoire de fantasy urbaine.

Épisode 36 : Non-traditional settings in fantasy

Univers traditionnel en Fantasy : du med-fantastique de base, inspiré par Tolkien et Donjons et Dragons. Basique, fonctionne pas mal, mais sans aucune saveur.

Pourquoi s’en éloigner ? Pour donner un petit plus au lecteur, le goût nouveau qu’il recherche.

Les dangers : trop s’éloigner des modèles connus risque de perdre le lecteur, on peut vite le noyer sous des mots inconnus et des concepts étranges.

Pistes pour créer des univers originaux

– Faire des recherches sur les autres cultures.

– garder l’univers med fan de base, mais l’approfondir pour lui donner du réalisme (cf. Games of thrones).

– Introduire un univers nouveau, mais garder des points de référence pour le lecteur (ex : un personnage « standard », comme le vieux magicien ).

Épisode 37 : parody and satire

Parodie : se moquer des travers d’un genre, de personnes.

Satire : pointer des dérives de la société, d’un genre…

La frontière entre les deux est mince.

Comment parodier quelque-chose ? Il faut savoir qu’on parodie mieux ce qu’on aime et qu’on connaît.

Comment ça marche ? Adopter un perspective nouvelle sur une situation donnée (ex : le gobelins plus malins que les héros qui tentent d’envahir leur donjon). Attention à ne pas chercher à être drôle au prix de l’histoire et de la cohérence des personnages.

Épisode 38 : dialogs

Ne pas se limiter à la SF, lire en dehors du genre. Faire attention à la manière dont les gens parlent dans la vraie vie

Épisode 39 : songwritting

Écrire une chanson pour un roman.

D’abord déterminer le type de chanson : chanson de taverne, chanson militaire. Quand on a déterminé quel est le type de chanson, on peut élaborer le rythme qu’elle aura, les instruments avec laquelle elle sera jouée, et le type de paroles.  

L’article Writing excuses, Saison 5, 2ème partie est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Épisode 1 : third person limited

Avantage : permet de donner différents points de vue, d’être dans la tête d’un personnage. Moins artificiel que la 1ère personne.

Danger : éclater les points de vue.

Épisode 2 : characters quirks

Une particularité du personnage, qui peut être utilisé comme ressort de comédie. Les personnes aiment un gag qui revient, mais attention à ne pas en faire trop.

Quand la particularité devient plus importante que le personnage, c’est qu’on a été trop loin.

Dans une perspective non comique, permet de casser les stéréotypes de personnage.

Rechercher l’incongruité, comme le poisson hors de l’eau.

Épisode 3 : first person viewpoint

Avantage : empathie avec le personnage. Il peut ne pas dire entièrement la vérité.

Penser à la voix qu’on veut que le personnage ait.

Pb : pdv limité, difficile de développer les autres personnages. Astuce : on peut utiliser les contradictions du personnage, le fait que la manière dont il voit les autres soit contredite par les actions de la personne.

Épisode 4 : creating suspense

Action : il y a une bombe sous la table

mystère : il y a quelque chose sous la table et on ignore quoi

suspense : il y a une bombe sous la table et les personnages sont assis autour et ne font pas mine de vouloir bouger.

Suspense : tensions, s’inquiéter pour les personnages quand ils sont en danger et qu’il pourrait vraiment leur arriver des choses horribles.

Quand on déteste un personnage : le tuer, ou se demander pourquoi on peut plus le supporter, et essayer de changer ce qui peut l’être.

Épisode 5 : writting the unfamiliar

extrapoler sur ce que l’on connaît.

Faire des recherches.

Épisode 6 : micropodcast

mort d’un personnage : on peut tuer de manière « légère » des personnages secondaires, mais pas un personnage principal (à moins qu’on ait envie que le lecteur ressente l’absurdité de sa mort).

Épisode 7 Avoiding melodrama

Mélodrame : quand un personne n’exprime qu’une seule chose (la tristesse, la colère…)

donner de la profondeur aux personnages, donc.

Ou, quand les émotions envahissent trop l’histoire.

Éviter les clichés; notamment au niveau des dialogues. Si on sent que ça a été déjà dit ou fait, on zappe. Bâtir l’émotion jusqu’au moment où ça craque.

Changer de rythme, changer d’émotion. Que tout ne soit pas forcément noir, faut des moments comiques

Épisode 8: The excuses you’re out of

Ne pas se sentir bien, pas dans une dynamique d’écriture : trouver dans quel endroit et dans quelle position on est confortable.

Pas d’idée : brainstorming, utiliser les exercices d’écriture de writing excuses

Le découragement : se de-stresser, ça arriver à tout le monde. Écrire, c’est comme pratiquer d’un instrument, on s’améliore en pratiquant.

Je n’ai pas le temps: regarder s’il n’y a pas autre chose qui nous prend beaucoup de temps. Établir un ordre des priorités, et supprimer ce qui gène.

Trop fatigué pour écrire: trouver un petit moment dans la journée où l’on n’est pas totalement épuisée pour écrire, même si c’est juste une demi-heure dans la journée.

Internet : Se limiter, mettre en place un timing pour éviter de se faire bouffer le temps d’écriture.

Episode 9 : Characters arcs

Arc : le cheminement d’un personnage au travers d’une histoire

Ne pas se demander ce qu’il doit apprendre. Se demander ce qu’on va lui faire subir et qu’est-ce qu’il va en retirer.

Rechercher des conflits.

Chercher ce que veut le personnage, ce qu’il croit vouloir.

Réfléchir aux problèmes et aux complications : pb internes ou externes au personnage.

Se demander comment est le personnage au début de l’histoire, et si on a envie qu’il évolue vraiment ou pas.

Comment on se rend compte qu’un arc ne marche pas : souvent, quand c’est ennuyeux à écrire.

Épisode 10 : creative process

Pour avoir des idées, étudier ce que font les autres auteurs

Épisode 11 : microcasting

Tuer ou faire un mal à un perso, comment faire pour que ce ne soit pas douloureux : pas possible, mais si on se sent mal pour le perso, c’est signe qu’on a réussi à créer de l’empathie.

Groupes d’écriture : ne pas prendre les commentaires personnellement, ne pas écrire l’histoire que les commentaires nous disent de faire, mais écrire l’histoire qu’on a envie.

Épisode 12 : giving advice to our past selves

Conseils que les auteurs auraient aimé donner à leur moi plus jeune.

Épisode 13 : writing the second book

Comment écrire le 2ème livre.

Le 1er est souvent le plus dur,et le plus mauvais.

2ème livre : chercher à mettre en pratique ce qu’on a appris.

Épisode 14 : visual components of a novel

illustrations et cartes dans un roman.

Attention aux cartes : donner une justification (faut qu’il y ait des cartographistes dans le monde) et faire que la carte n’ait pas l’air trop moderne.

Dessiner, concevoir des plans : aide à définir des personnages, permet de donner de la réalité des lieux et de penser à des ressorts scénaristiques auxquels on n’aurait pas pensé.

Épisode 15 : Steampunk

Les avantages du steampunk : univers très visuel, qui rend bien, possibilité d’imaginer des choses totalement folles.

Attention à faire des recherches, quand on écrit de l’histoire alternative, il faut que les petits détails sonnent juste.

Épisode 16 : Criticing Dan’s first novel

Critique du 1er roman de Dan.

Épisode 17 : dialog exercises

Dans un dialogue, penser à intégrer le décor, l’endroit où ils se trouvent (ex : « monte un peu cette lanterne, qu’on voit mieux les bois).

Épisode 18 : Offending your readers

Différent type d’offense :

• trop expliquer au lecteur, il a l’impression qu’on le prend pour une andouille

• par accident, offenser le lecteur à cause de son origine raciale, sociale, son âge…

• Attention toutefois à ne pas tomber dans l’excès inverse et à intégrer des personnages « de service » pour contenter un type de public en particulier.

• Imposer un point de vue sans laisser s’exprimer réellement des points de vue contraire.

• Author on board

• décevoir les attentes du lecteur

L’article Writing excuses, Saison 5, 1ère partie est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Episode 18 : stealing for fun and profit

« Good artists borrow, great artists steal »

Marge faible entre copie et influence. Réfléchir à ce qu’on peut emprunter aux autres genres, et comment on pourrait l’adapter à ce qu’on écrit. Ne pas hésiter à emprunter à l’histoire, la mythologie…

Hommages : difficulté : l’histoire risque de manquer de personnalité.

Intertextualité : lorsque les textes se font référence.

Episode 19 : Discovery Writing

2 types d’écritures : prévoir, écrire un scénario détaillé, ou se laisser aller et partir à l’aventure.

On peut utiliser les deux types d’écriture : planifier une partie de l’histoire et se laisser porter pour la suite.

Trouver ce qu’on a besoin de planifier et ce qu’on a envie de découvrir au fur et à mesure de l’écriture.

Ne pas hésiter à se laisser porter par l’histoire, mais surtout, finir son histoire (même si on fait prendre une tournure à l’histoire qui est en contradiction avec le début). De toute manière, quand on écrit à l’instinct comme ça, on a besoin de réécrire et de corriger.

Episode 20 : strategies for getting published

Web, réseaux sociaux, blog : Utile pour faire sa promo, mais attention à la course à la popularité (nombre d’amis…)

Gratuité : peu attirer l’attention des lecteurs.

Bon plan : créer un blog pour fidéliser un public. Parler de tout et de rien, pas forcément d’écriture, mais de ses centres d’intérêts. Bon moyen de créer un cercle.

Mais, de toute manière, meilleure des chances d’être publié, c’est d’avoir un bon manuscrit à présenter.

Episode 21 : Writing practical fantasy

Ecrire de la fantasy réaliste.

Les plus grandes erreurs : oublier qu’une société a une économie, que tout le monde ne peut pas être magicien, qu’il faut des marchands, des paysans… Créer une cité ou un monde sans penser aux moyens de subvenir aux besoins de la population. Se planter en beauté sur les chevaux (non, un cheval ne s’utilise pas comme une voiture).

Solutions : recherches, recherches, recherches… Trouver des experts (ou au moins des gens qui s’y connaissent) dans le domaine où on a quelques doutes et leur faire relire. Se poser les questions de base : de quoi la société aurait-elle besoin, qui le produit, pour quoi, contre quoi ?

Si on se rend compte qu’un monde imaginé ne fonctionne pas : méthode « mythbusters » : ajouter des éléments jusqu’à ce que ça marche (ou que ça explose)

Episode 22 : Questions and answers

Question : Les plus grandes erreurs des écrivains qui décrivent des militaires ?

Réponse: l’erreur la plus fréquente : des militaires indisciplinés, qui se permettent de répondre à leurs chefs.

Question ; Comment écrire une bonne scène d’action et de bataille ?

Réponse ; réfléchir aux points de vu des personnages (ce sont eux qui importent vraiment dans l’histoire), se dire qu’en réalité, une bataille, c’est 99 % d’attente et d’ennui, et 1 % de pure action et de terreur complète.

Question : comment écrire un bon antagoniste ?

Réponse : réfléchir aux forces et aux faiblesses de son personnage et créer un personnage « miroir », qui sera bon dans ce en quoi le héros est mauvais. Choisir un problème auquel ils sont tous les deux confrontés, mais tentent de le résoudre de manière différentes.

Question : comment écrire des dialogues en donnant une voix propre à chaque personnage ?

Réponse : réfléchir à la personnalité des personnages et comment ça va impacter leur manière de parler (niveau d’éducation, rapport à la langue…)

Réfléchir à des expressions que le personnage va employer

Episode 23 : How to break in the market of young adults

Expérience de deux auteurs récemment publiés. Comment ont-ils percé ?

Episode 24 : random storytelling

Exercices d’écritures : différents éléments dont on doit faire une histoire cohérente.

Episode 25 : mating plumage

Le plumage : la couverture du livre, le titre du livre, les premières lignes

La couverture : c’est l’éditeur et le service marketing qui la décident. L’auteur n’a très souvent pas son mot à dire.

Le titre : créé par l’auteur, important d’y réfléchir car il doit attirer le lecteur et refléter la tonalité et le genre du livre. Mais, l’éditeur peut demander de le changer s’il ne lui convient pas.

Les premières lignes : très importantes, car elles donnent la tonalité du livre, posent l’enjeu, les conflits… Mais, ne pas se focaliser sur les premières lignes lorsqu’on écrit. Écrire d’abord, et revenir à ces premières lignes ensuite.

Episode 26 : Avoid stilted dialogs

Comment faire pour que les dialogues sonnent juste.

Étudier le langage, la manière dont les gens parlent. Ne disent pas tout (on ne dit pas « je me sens très heureux aujourd’hui » mais plutôt « je suis content »)

attention à ne pas tomber dans l’excès inverse et reproduire tous les hum et ah des conversations.

Episode 27 : major overhauls for broken stories

Que faire quand on réalise que le livre qu’on a écrit ne remplit pas toutes ses promesses.

Une solution : faire lire et demander aux lecteurs quels étaient leurs attentes et en quoi l’histoire les a déçus.

Quand on se rend compte à mi-parcours que ça ne fonctionne pas : reprendre le début et décider ce qu’on aime, ce qu’on n’aime pas et surtout, ce qu’on veut que l’histoire soit. Surtout, chercher ce qui ne vas pas, est-ce l’écriture ? Les personnages ? L’univers ?

Episode 28 : brainstorming endings

Trouver de bonnes fins. Deux écoles : ceux qui préparent par avance, qui ont d’abord la fin, et ceux qui écrivent et qui cherchent la fin au fil de l’écriture. Pas de meilleures méthodes, juste savoir ce qui nous convient le mieux.

Une bonne fin : celle qui répond aux attentes du lecteurs, ou qui n’y répond pas directement, mais donne des réponses que le lecteur trouvera meilleures que celles qu’il avait imaginé.

Doit-on surprendre le lecteur à tout prix ?

Oui car cela permet de maintenir l’intérêt, la curiosité, d’éviter d’être trop prévisible.

Non, car une fin que le lecteur attend suscite de l’émotion de sa part. Il sera heureux de voir qu’il avait deviné juste, ou c’est peut-être la fin qu’il attend pour les personnages.

Episode 29 : Line editing

Exemple de relecture critique d’un texte pour en améliorer le style.

Episode 30: World building, future

Extrapoler et imaginer le pire d’une technologie actuelle

la variable humaine

Le meilleur scénario : qu’est-ce qui est un problème maintenant et qui pourrait ne plus l’être.

Episode 31 : Line editing : Dialogs

Exemple de relecture critique et de réécriture d’un dialogue

Episode 32 : First paragraphs

Exemples et critiques de premiers paragraphes.

Episode 33 : Trunk novels

Trunk novels : les romans qui traînent dans les tiroirs et qu’on décide de réécrire.

Se demander pourquoi on veut réécrire un roman : qu’est-ce qu’on a aimé et qu’on ne veut pas perdre ? Qu’est-ce qu’on trouve mauvais ?

Surtout, quand on a de nouvelles idées, ne pas les garder dans un coin pour des livres futurs. Les intégrer dans l’histoire et se faire un peu confiance : si le livre est publié et qu’on écrit d’autres tomes, on trouvera d’autres idées.

Le danger des réécritures : ne faire que ça. Réécrire encore et encore la même histoire, sans jamais avancer. Ne pas hésiter à se donner le temps d’évoluer entre deux réécritures. Écrire quelque chose d’autre avant de revenir à son premier roman.

Episode 34 : questions and answers

Comment organiser son temps quand on n’est pas un auteur pro ? Écrire tôt le matin ou tard le soir, se réserver du temps, établir des priorités et faire des sacrifices.

Comment être publié quand on est un auteur débutant ? Écrire, encore et encore et dès qu’on a quelque chose de prêt, l’envoyer à des éditeurs. Et puis continuer à écrire.

Comment, quand on a un groupe de personnage, les rendre distincts ? Établir pour chacun des buts (complémentaires ou opposés à d’autres membres du groupe), leur donner un passé, les différencier par le physique, la manière de parler, de réagir. Réfléchir au rôle que va avoir chaque personnage sur l’histoire.

Comment faire souffrir un perso sans le tuer, mais sans que ce soit chiant pour le lecteur ? Réfléchir à ce qui nous fait peur, ce qu’on ne voudrait pas qui nous arrive.

A quel point faut-il rester proche de ses lecteurs ? Important de maintenir une communauté, ne jamais s’énerver, toujours rester poli (même avec les cons)

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