C’est une série de SF familiale, un reboot d’une série des années 60. Ça raconte l’aventure de la famille Robinson, qui a quitté la Terre pour aller peupler une nouvelle colonie. Le vaisseau principal, le Résolution subit une avarie et les Robinson, avec d’autres familles se trouvent échoués sur une planète inconnue.

Dans la saison 1, leur but principal est d’arriver à rejoindre le Résolution.

Comme je l’ai dit dans la vidéo, la série développe 4 techniques pour créer du suspens.

1. Elle hiérarchise et imbrique les objectifs pour la famille Robinson.
2. Elle fait en sorte que les solutions trouvées créent de nouveaux problèmes.
3. Elle ajoute en prime d’autres problèmes extérieurs
4. Elle n’hésite pas à donner des deadlines.

Et là, où la série est maligne, c’est que tout ça, c’est mis en scène dès le 1^er épisode. Donc, dès le début, on sait où on s’embarque, on a un condensé de ce que sera la série.

Cet article vient vraiment en complément de ma vidéo, alors je vous conseille vraiment de la regarder avant de vous lancer.

C’est bon ? Ça vous a plu ? Bon, c’est parti pour l’analyse alors !

1. Hiérarchiser et imbriquer les objectifs

On commence direct dans le vif du sujet : le vaisseau de la famille s’écrase sur une planète. On va donc avoir un objectif principal qui va être de regagner le Résolution, qui est le vaisseau mère.

Mais, déjà avant ça, ils vont avoir d’autres objectifs.

Le premier est de sortir du vaisseau avant que celui-ci ne coule.

Le deuxième va être de soigner Maureen, la mère, qui a été blessée dans le crash.

Tout l’épisode est structuré ainsi : on a réussi à sortir, maintenant il faut trouver de quoi se réchauffer.

2. Les solutions créent des problèmes

C’est la technique du « oui, mais/non, et » dont j’ai parlé dans la vidéo.

En gros, à chaque fois qu’un personnage fait quelque chose, on se demande : est-ce qu’il réussit ? Et quelles sont les conséquences ?

Ici, c’est particulièrement flagrant.

Le vaisseau a coulé, mais ils doivent récupérer du matériel à bord. John le père essaye d’envoyer Will, parce qu’il est petit et pourra rentrer plus facilement.

C’est un échec, Will est paralysé par la peur.

Sa sœur Judy prend donc sa place et plonge. Elle réussit à récupérer du matériel, mais échoue à remonter à temps. Elle se retrouve piégée dans la glace.

Ça rajoute donc un nouveau problème à régler : la libérer avant que son oxygène ne s’épuise.

3. Empiler les problèmes

Comme je le disais dans la vidéo, en plus des problèmes initiaux et des problèmes créés par les actions des personnages, la série rajoute en plus des obstacles extérieurs, qui complexifient la situation.

Là, vers le milieu de l’épisode, l’état de Maureen se dégrade.

Judy, qui est le médecin de la famille, est coincée dans la glace. C’est donc Penny, guidée par radio par sa sœur, qui doit opérer sa mère en urgence, ce qui rajoute au stress de la situation.

4. Donner des deadlines

C’est un truc très efficace pour faire monter la tension : donner une deadline. Il y en a une première dans l’épisode : il faut sortir du vaisseau avant qu’il ne coule.

Puis une deuxième quand ils sont sortis : le froid les guette et ils doivent trouver un abri.

S’ajoute ensuite la deadline posée par Judy : il faut la sortir de la glace avant que son oxygène ne s’épuise.

Voilà comment les 4 techniques pour créer du suspens sont mises en œuvre dans l’épisode 1.

Je vous invite vivement à le regarder en tout cas, même si la série ne vous plaît pas, cet épisode est vraiment hyper intéressant en terme d’écriture !

L’article 4 techniques pour créer du suspens avec Lost in space est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Saison 9 du podcast « Writing excuses », « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». 15 minutes donc pour discuter de techniques d’écriture, du meilleur moyen d’écrire romans et nouvelles et de les corriger. Animé par Brandon Sanderson, Dan Wells, Howard Tayler et Mary Robinette Kowal

Episode 43 : Writing mystery

Différence entre une intrigue policière et un thriller.

Intrigue policière : la tension est moins élevée, le rythme moins intense qu’un thriller. La question est de résoudre le meurtre, le lecteur découvre les indices en même temps que les personnages.

Thriller : le rythme est plus intense, les lecteurs savent des choses que les personnages ne savent pas, et du coup anticipent les mauvaises choses qui vont leur arriver. En général, le personnage principal est en danger, et doit résoudre l’énigme pour rester en vie.

Episode 44 : Writer mindset

Comment se mettre dans l’état d’esprit d’un écrivain professionnel ?

Pour commencer, arrêter de se définir comme un aspirant écrivain. On écrit, point à la ligne.

Le fait qu’un manuscrit soit refusé ne veut pas dire qu’il est mauvais, tout comme le fait qu’il soit accepté ne veut pas dire qu’il soit bon et qu’il va révolutionner le genre.

Episode 45 : Tools for writing from oral storytelling

Que peut-on apprendre des conteurs traditionnels ?

— Vendre l’histoire dès le départ, de manière à ce que le lecteur/le spectateur, ait envie de donner de l’argent.

Dès le départ, on pose au lecteur le type d’histoire qu’il va entendre, et surtout, la fin qu’il va attendre. De cette manière, il n’est pas déçu.

Episode 46 : Writing disability

Comment écrire des personnages avec un handicap qui soient crédibles.

— Faire des recherches

Ne pas oublier que la plupart de ce qu’on sait du handicap vient des médias, et qu’il y a des chances que ce soit faux.

— L’humour

Beaucoup de personnes avec un handicap traitent la situation avec humour, parce que souvent, c’est le meilleur moyen d’encaisser les choses.

— Les sens

Une personne à qui il manque un sens va compenser avec les autres (ex : quelqu’un d’aveugle va utiliser le toucher, et l’ouïe).

— Le handicap est une partie de la personne, mais ne la définit pas.

Episode 48 : Conversation with a bookseller

Entretien avec un libraire

Comment choisit-il les livres qu’il va vendre ? Grâce à un catalogue, envoyé par les éditeurs, qui décrit les livres et ce qu’ils racontent. La couverture joue beaucoup dans le choix des ouvrages.

Pour les auteurs autoédités, ne pas dire « ce livre, c’est Hunger Games + games of thrones ». Ça fait très amateur, et en plus ça donne de mauvaises pistes au lecteur, ça lui donne des attentes. En plus, c’est un peu prétentieux de se définir par rapport à des best-sellers et des chefs d’œuvre.

Penser à bien définir le livre qu’on essaye de vendre au libraire, ne pas hésiter à dire tout ce qui pourrait aider le libraire à savoir à qui il va pouvoir vendre le livre, et à qui il ne pourra pas.

Episode 49 : hiding the open grave

Comment tuer un personnage, mais que ça reste une surprise pour le lecteur ?

— Réfléchir à la caractérisation

Si un personnage n’est là que pour se faire tuer, ça va se ressentir à la lecture. Alors que si c’est un personnage important pour l’histoire, avec une personnalité développer, la mort sera plus une surprise.

— Ne pas tuer un personnage juste pour faire avancer l’histoire.

Ex : on tue la copine pour donner au héros la motivation pour se venger.

— Éviter les effets d’annonce

Genre « ce genre de choses causera ta perte ». Ça risque de ruiner l’effet de surprise de la mort.

Episode 50 : Writing for the enfranchised readers

Comment écrire pour les lecteurs qui ont de l’expérience dans un genre et qui connaissent déjà beaucoup de choses ?

Comment écrire pour que le lecteur, quand il relit le livre même s’il connaît l’histoire, aime encore le livre ?

Chercher quels sont les clichés, et les passages attendus pour le genre où on écrit. Chercher comment les renouveler.

Attention, parfois, un passage obligé est attendu par les lecteurs, le changer risque de ne pas fonctionner pour l’histoire et de générer de la frustration.

Il faut aussi se dire qu’un roman ne va pas fonctionner pour tout le monde. Il est difficile d’écrire un livre de fantasy qui soit abordable pour un lecteur novice, et surprenant à lire pour un lecteur chevronné.

Épisode 51 : questions and answers

Peut-on encore en fantasy écrire un antagoniste qui soit vraiment et complètement méchant ?

Oui, si c’est bien fait. Ex : Harry Potter et Voldemort.

Est-il possible d’écrire un roman de fantasy épique, qui n’ait qu’un seul point de vue ?

Oui, ça s’appelle « Le nom du vent ». Plus sérieusement, on peut réduire à un seul point de vue, si on a des personnages et un univers bien construit. Il faut aussi réfléchir au scénario, parce que réduire le nombre de points de vue va impliquer des choix.

Épisode 52 : Page to Stage

Comment adapter un livre pour le jouer au théâtre ?

Il faut sélectionner ce qui est important dans le livre, ce qui va pouvoir être transposable sur scène.

Episode 53 : Writing for fun

Comment écrire en s’amusant, même si on a des moments stressants ?

Il n’y a rien de mal à considérer l’écriture comme un hobby et écrire pour le plaisir. Au contraire, c’est comme ça qu’on avance mieux.

Il faut se demander pourquoi on écrit : pour être publié et lu, ou juste parce qu’on aime ça, parce qu’on a une histoire qu’on a envie de raconter.

Quand on a l’impression de perdre son temps, et que l’écriture devient une corvée : tenter quelque chose de différent. Écrire dans un nouveau genre, écrire un petit scénario, tenter d’écrire dans un autre endroit que celui où on a ses habitudes.

Ne pas se bloquer et se dire qu’on est limité à une histoire, un genre…

Penser aux essais de design que font les dessinateurs, les créateurs des films. On peut jeter des idées sur le papier pour s’amuser, sans que ça ait besoin d’être publiable.

Episode 54 : season 9 capstones

Ce qui a changé pour les auteurs du podcast, ce qu’ils ont appris au cours de l’année.

L’article Writing excuses, Saison 9, épisodes 43 à 54 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Saison 9 du podcast « Writing excuses », « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». 15 minutes donc pour discuter de techniques d’écriture, du meilleur moyen d’écrire romans et nouvelles et de les corriger. Animé par Brandon Sanderson, Dan Wells, Howard Tayler et Mary Robinette Kowal

Episode 32 : adjusting proactivity

Épisode en relation avec la théorie des trois barres, développée dans l’épisode 13. Comment rendre un personnage plus ou moins proactif, selon qu’on veuille le rendre plus ou moins attirant pour le lecteur.

Comment rendre un personnage plus proactif :

— En général, dans les histoires « classiques », le personnage principal n’est pas proactif, car il est content de son sort. L’élément perturbateur est extérieur : l’antagoniste, qui force le personnage principal à réagir.

— Quand le personnage se met à réagir, c’est un bon moyen de le rendre proactif (il essaye de contrer le méchant).

— Pour le rendre plus proactif : lui donner des buts, il veut quelque chose que l’antagoniste refuse. Même si le personnage au départ a l’impression que tout va bien, faire comprendre qu’en réalité, il n’est pas entièrement satisfait (même s’il ne sait pas encore ce qu’il veut vraiment). Ex. Le Hobbit qui découvre qu’il a envie de partir à l’aventure.

— Donner au personnage le choix de refuser l’action et de repartir à son ancienne vie. S’il ne retourne pas à son ancienne vie et choisit volontairement l’action, cela le rendra plus actif.

Épisode 33 : microcasting

Dans le quotient MICE, comment écrire une idée de Milieu et partir vers une idée de personnage ?

Commencer par un conflit qui oppose le Milieu au personnage, puis après, introduire des conflits entre les personnages ? (Ex histoires « hommes contre la nature »).

Quelques conseils pour relire avec efficacité ?

Ne pas se presser, ne pas sauter du texte. Pour se forcer à ralentir, cacher le texte et le découvrir au fur et à mesure qu’on le lit. Relire à voix haute. Relire à l’envers, pour corriger la ponctuation.

Faut-il écrire une heure tous les jours pour progresser, quoi qu’on écrive ?

Oui, et non. Oui, il est important d’écrire avec régularité, mais d’une part, écrire un mail ou un article de blog ne vous fera pas progresser dans l’écriture d’un roman. D’autre part, on peut avoir besoin de plus d’une heure pour être vraiment efficace (Ex : Brandon Sanderson qui dit avoir plutôt besoin d’un bloc de 4h tous les 4 jours, que d’une heure tous les jours).

Tout dépend du rythme d’écriture qu’on a, du temps qu’on peut rester sans écrire sans perdre ses « muscles d’écriture ».

Foreshadowing (l’art d’annoncer un évènement par de subtils indices) : peut-on placer correctement tous les indices dès le premier jet ?

Non. Le premier jet sert à placer les éléments de l’histoire, pour le foreshadowing, les corrections servent à essayer de remettre tout ça dans l’ordre.

Quels exercices d’écriture à pratiquer régulièrement ?

Quand on attend, s’entraîner à décrire l’endroit où on se trouve. La méthode Phillip K. Dick pour le Maître du haut château : dès qu’il arrivait à un moment important, il consultait le livre du Yi Qing pour savoir quoi faire ensuite. Bon exercice d’écriture : imposer une dose d’aléatoire.

Episode 34 : Scifi as education

Podcast sur l’art de faire apprendre des faits scientifiques en leur faisait lire de la SF.

Dans une histoire, comment bien faire passer une explication scientifique, sans barber ou perdre le lecteur ? Bien choisir le personnage : Orson Scott Card préconise de choisir le personnage qui a le plus à perdre ou à gagner.

Episode 35 : What to do when you disagree with your editor

Que faire quand on n’est pas d’accord avec son éditeur ?

— Ça arrive, et ce n’est pas un drame.

— Il faut se comporter de manière professionnelle, rester courtois, mais ne pas hésiter à se montrer ferme si on sent que ça ne va pas du tout marcher.

— Ne pas s’arcbouter sur ses positions et offrir à l’éditeur des alternatives au problème.

— Bien réfléchir : est-ce qu’on est prêt à faire des concessions ? Si oui, lesquelles ? Qu’est-ce qu’on veut absolument garder ?

— Il faut garder à l’esprit qu’un éditeur est un professionnel avec de l’expérience. S’il soulève un problème, il a sûrement raison (même s’il a tort sur ce qui cloche dans l’histoire, il a remarqué que quelque chose cloche, et donc, il faut le retravailler).

— Ne pas hésiter à voir la personne, ou à l’appeler pour en parler. L’inconvénient des échanges à l’écrit, c’est que le ton peut monter assez vite. C’est mieux d’avoir la personne en direct pour en parler, pour désamorcer les tensions.

Episode 36 : Writing instruction

Comment aider d’autres écrivains ?

Tout le monde peut apprendre à écrire (c’est comme apprendre à faire du vélo). Après, il appartient à l’écrivain de travailler, de se perfectionner, et de s’accrocher.

Tout le monde raconte des histoires, on apprend par des histoires. Pour apprendre à écrire, commencer par ces histoires du quotidien, pour décortiquer la manière dont une histoire fonctionne (les personnages, la narration).

Pour les écrivains des genres de l’imaginaire : apprendre à se concentrer sur autre chose que sur la construction du monde (qui a tendance à prendre trop d’importance pour les débutants).

Des exercices à faire :

— Créer un univers, décrire un décor.

— Décrire les personnages

— Faire s’engueuler deux personnages et leur donner une voix propre.

Épisode 37 : training a critique groupe

Quelques règles pour un groupe de critique :

— être poli, surtout quand on est dans un groupe en ligne.

— Quand on reçoit une critique, la seule chose qu’on peut dire est « merci », ou éventuellement, demander des précisions sur quelque chose que le lecteur n’a pas compris. S’il n’aime pas, ou n’a pas compris quelque chose, c’est qu’il faut modifier l’histoire.

— Un commentateur n’est pas là pour réécrire l’histoire, mais pour donner à l’auteur un feed-back sur ce qui fonctionne et ne fonctionne pas. Attention à ne pas essayer de réécrire l’histoire, parce que souvent, on a tort.

— Établir des règles claires (sur l’admission, sur la manière de critiquer).

— Le groupe finit toujours par mourir, ou se transformer. Des gens partent, des gens arrivent…

Épisode 38 : questions and answers

— Peut-on continuer à faire des critiques, bonnes ou mauvaises, quand on est un écrivain publié ?

Les auteurs du podcast ont pour règle de ne critiquer que ce qu’ils ont aimé, et de ne rien dire sur les livres qu’ils n’ont pas aimés.

— Comment faire quand on écrit, et qu’on est obsédé par son roman, qu’on ne parle plus que de ça ?

Établir avec sa famille des règles de fonctionnement, se ménager du temps où l’on se consacre à sa famille.

— Comment créer des créatures originales et vraiment effrayantes ?

Réfléchir à ce qui nous fait peur. Pour un adulte, la peur naît souvent de la perte de contrôle. Réfléchir à quel point la créature est similaire à un être humain, une créature qui ressemble à un humain, mais se révèle n’en être pas un est effrayante. Les histoires qu’on entend, les rumeurs, sont souvent plus effrayantes que la créature en elle-même.

— Comment se faire des contacts lors des salons et des conventions ?

Ne pas commencer par parler business, se rappeler que les personnes qui sont à ces salons sont des fans des mêmes genres que l’auteur, commencer par nouer contact au sujet des choses qu’ils aiment.

Episode 39 : Publicity for book

La publicité traditionnelle coûte bien trop cher pour être rentable. Pour faire la pub d’un livre, il faut trouver d’autres moyens de le faire connaître.

Les sections littéraires des journaux se sont réduites comme peau de chagrin, du coup, les blogs, les podcasts, et le bouche-à-oreille sont devenus les moyens les plus efficaces pour promouvoir un livre.

Ne pas hésiter à écrire d’autres choses que de la fiction : des critiques, des articles de blogs… de manière se faire connaître.

Episode 40 : Understanding how royalties work

Les royalties correspondent à un pourcentage du prix de vente du livre. Il peut arriver que le pourcentage augmente en fonction du nombre de livres vendus (ex : 10 % pour les 5 000 premiers, quand on passe le seuil, on augmente à 12,5 %).

Les à-valoir : de l’argent avancé par l’éditeur sur les ventes que fera le livre (on estime combien il va vendre.

Une fois que le montant des à-valoir est dépassé, l’éditeur commence à payer des royalties.

Épisode 41 : Fan writing

« Fan writer » : les écrivains qui écrivent, mais sans être rémunérés (ex dans les magazines, les fanzines…).

La distinction est importante aux États-Unis, parce que certains prix littéraires comme les Hugo ont des prix récompensant les meilleurs Fan Writers.

Épisode 42 : Conventions authors relationships

Les organisateurs des conventions et les auteurs n’ont pas toujours les mêmes buts. Mais, les organisateurs de convention sont toujours à la recherche de « talents » pour animer des tables rondes.

Les conventions sont l’occasion se rassembler une communauté de fans, qui cherchent à discuter et échanger, plutôt qu’à vendre et acheter.

L’article Writing excuses, saison 9, épisodes 32 à 42 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Saison 9 du podcast « Writing excuses », « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». 15 minutes donc pour discuter de techniques d’écriture, du meilleur moyen d’écrire romans et nouvelles et de les corriger. Animé par Brandon Sanderson, Dan Wells, Howard Tayler et Mary Robinette Kowal

Episode 21 : Sanderson’s third law

Étendre ce qu’on a déjà, au lieu de créer quelque chose de nouveau.

Quand on crée un monde, de la magie… pour que ce soit vraiment immersif, il faut mieux travailler sur un sujet réduit, mais en profondeur, que s’éparpiller pour essayer de couvrir le plus de terrain possible.

Une règle en SF : si on introduit une nouvelle technologie, on doit l’utiliser plus d’une fois et de manière différente.

Attention toutefois à ne pas se concentrer sur juste une seule chose, au détriment des autres. On peut retenir une règle de géologie : vous n’avez pas envie de creuser un seul puits pour l’étudier, mais vous ne voulez pas en creuser des centaines de petits. Il faut en avoir quelques-uns suffisamment profonds et s’en contenter.

Episode 22 : Microcasting

Comment faire quand le personnage manque de motivations ?

C’est sûrement qu’on a loupé quelque chose au niveau du développement du personnage et de l’intrigue. Repartir en arrière et retravailler.

Comment persuader son conjoint que l’écriture est plus qu’un hobby ?

Le mieux est d’avoir une conversation sérieuse où on met tout sur la table. Il faut aussi prouver au conjoint que l’écriture est importante, en gardant du temps pour lui et en sacrifiant d’autres loisirs, jugés moins importants que l’écriture.

Comment vendre une suite à un éditeur ?

Réfléchir à comment vont évoluer les personnages, ce qu’on peut changer dans le background, ou aux répercussions des événements qui ont eu lieu dans le tome 1. Surtout, il faut écrire une histoire qui nous motive, sinon on n’arrivera jamais à rien.

Episode 23 : worldbuilding without breaking viewpoint

Comment utiliser un personnage qui a un point de vu limité, mais qui va traverser un monde très riche qu’on veut quand même décrire au lecteur.

En général, pour présenter un monde, on utilise un personnage extérieur (qui s’étonne, découvre), ou un personnage qui a des raisons de s’intéresser au monde et de le présenter (un scientifique…). On ne peut pas utiliser ces outils si on a un personnage qui fait partie du monde.

Pour présenter un phénomène, un aspect du monde : il faut que ce soit important pour l’histoire, de manière à ce qu’on puisse s’attarder sur le phénomène.

Si l’élément n’est pas important pour l’histoire, ou peut juste le mentionner en passant, ou l’intégrer au décor (Ex : ASOIAF, il n’y a pas de lune à Westeros).

On peut aussi jouer sur le langage, et les expressions idiomatiques, de manière à faire comprendre au lecteur l’une des particularités du monde.

Episode 24 : Sidequests

Les « quêtes secondaires ».

— Celle que le héros accomplit en parallèle de la quête principale

En apparence, ces quêtes n’ont pas de lien avec l’intrigue principale, mais très souvent, elles servent à faire avancer l’histoire, en faisant progresser le héros, en lui permettant de récupérer quelque chose…

Pour que cette quête marche, il faut qu’il y ait un enjeu pour le héros (qu’il risque de perdre quelque chose d’important).

— Les quêtes « bonus », qui n’apparaissent pas dans le livre

Plutôt des bonus, qui n’auraient pas leur place dans l’histoire.

Episode 25 : adjusting character sympathy

Cet épisode fait référence à l’épisode 13 et aux trois « jauges » qu’on attribue à un personnage pour le intéressant (degrés de sympathie, degrés de compétence et degrés de proactivité dans l’histoire).

Pourquoi voudrait-on diminuer la sympathie du lecteur pour un personnage ?

— S’il s’agit de l’antagoniste.

— S’il s’agit du protagoniste, mais qu’on veut lui faire commettre des erreurs pour ait à affronter des épreuves et grandisse.

— S’il s’agit d’un autre personnage, le rendre peu sympathique et l’opposer à un autre personnage peut rendre le 2^ème personnage plus attractif aux yeux du lecteur.

— Cela rend un personnage plus humain et plus réel, car il a des défauts.

Comment jouer sur la sympathie ?

— Jouer sur la distance. On va avoir plus de sympathie quand on est dans la tête du personnage.

— L’humour. Un personnage qui est drôle, qui a conscience de sa situation et n’hésite pas à se moquer de lui va plus facilement passer aux yeux du lecteur.

— L’admiration. Si le personnage a une qualité qu’on admire, et qu’on rêverait de posséder, il est plus simple de s’identifier à lui.

— L’altruisme. Il est facile d’aimer quelqu’un qui n’hésite pas à se sacrifier pour la bonne cause.

— L’opinion des autres personnages. Quand un personnage qu’on aime a une bonne opinion d’un autre personnage, cela peut jouer sur notre opinion de ce deuxième personnage.

— Les faiblesses. Quand un personnage est trop compétent, il est vite barbant. Ex : Mal dans Firefly. Il agit beaucoup, mais échoue de manière spectaculaire, sans pour autant cesser de se battre.

Du coup, pour rendre un personnage peu sympathique, il suffit d’appliquer la recette inverse.

Attention à ne pas trop forcer le trait, sinon on risque de provoquer l’effet inverse.

Episode 26 : Adjusting character competence

Fait référence à l’épisode 13 : comment on ajuste le niveau de compétence d’un personnage.

Pourquoi ne pas avoir un personnage ultracompétent ? Parce que c’est un personnage qui n’est pas toujours sympathique à lire, pour lequel on ne ressent rien, et qui n’a pas de marge d’évolution. Quand le personnage est trop compétent, il est difficile de créer du conflit.

On peut rendre un personnage compétent et attractif, en le rendant compétent dans un domaine et pas du tout dans un autre. Ex : Skyfall, Bond est ultracompétent quand il s’agit de baston, mais se trouve démuni face à Silva qui est un génie de l’informatique et de la manipulation.

Pour rendre un personnage compétent : confronter d’autres personnages au problème, et les faire échouer. Du coup, quand le personnage principal réussit, on comprend que c’est qu’il est vraiment bon.

Comment baisser le niveau de compétence d’un personnage ?

— Le faire rendre la situation pire par ses actions (le personnage a agi comme il pensait qu’il fallait le faire, et a aggravé les problèmes).

— Lui donner un antagoniste qui lui complique la tâche.

— Sortir le personnage de sa zone de compétence, et le confronter à un domaine où il est mauvais, et où il doit progresser.

Comment rendre un personnage compétent sans le transformer en Mary Sue ?

— Se rappeler que le personnage va devenir compétent à travers des épreuves, un voyage… S’il devient hyper compétent sans rien faire (et sans qu’il y ait de prix), ça ne marchera pas.

— Se rappeler que l’humour chez un personnage fera mieux passer la pilule.

Episode 28 : critiquing « Sixth the dust »

Episode 29 : critiquing “Sixth the dust”

Episode 30: critiquing “A fire heaven”

Episode 31 : critiquing “An honest death”

Episodes offrant une lecture critique des 4 nouvelles parues dans l’anthologie “Writing excuses”.

L’article Writing excuses, saison 9, episodes 21 à 31 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Episode 11 : Microcasting

Est-ce qu’un écrivain débutant doit réécrire ses romans en entier ?

On peut, mais il faut surtout se demander ce qu’on veut réécrire et ce qui fonctionne. Cela ne sert à rien de tout réécrire si on ne sait pas où on va et ce qui posait problème dans la première version.

Qu’est-ce qu’apporte un éditeur ?

Il aide pour la structure, pour corriger ce qui ne fonctionne pas. Il sait ce qui fonctionne en terme de vente.

Comment bien pitcher un roman ?

Le pitch : comme si un ado enthousiaste essayait de résumer son film préféré en quelques phrases. La réaction qu’on souhaite obtenir à la lecture du pitch est « je veux en savoir plus ».

Episode 12 : Microcasting

Comme se débarrasser de la peur d’écrire à propos de quelque chose qu’on ne connaît pas ? La peur n’est pas forcément une mauvaise chose, si on appréhende, ça nous forcera à bien faire nos recherches.

Comment savoir quand on fait de la « purple prose » (note : purple prose = un style complexe et ampoulé, où on s’écoute écrire plus qu’on ne raconte une histoire) ? Chercher à savoir si l’histoire justifie un style complexe ou si ce style va la desservir. Chercher à savoir si on utilise ce joli mot compliqué pour donner un style qui va servir l’histoire, ou juste parce qu’on a envie de montrer qu’on connaît ce joli mot compliqué.

Une petite règle : se limiter à trois éléments de description pour une chose (à moins qu’elle ait une importance capitale pour la suite), ne pas employer plus de deux adjectifs à la suite.

Episode 13 : three prongs of character developpement

Trois thématiques pour développer un personnage attrayant

— À quel point est-il sympathique ?

— À quel point est-il compétent ?

— À quel point est-il proactif dans l’histoire ?

Un bon personnage a un équilibre entre ces différents points (ex= sympathique, mais peu compétent. Hyper compétent, proactif, mais pas sympathique…).

Attention à ne pas avoir les trois « barres » à fond pour le personnage, sinon on se retrouve avec un archétype à la superman, super gentil, hyper fort et actif dans l’histoire, et le lecteur risque de ne pas se retrouver dans le personnage.

On peut tout à fait créer ce genre de personnages, mais pour qu’il soit intéressant à lire, il faut maximiser les conflits externes (en gros, qu’il lui arrive des choses horribles qu’il ne peut pas résoudre avec ses connaissances).

Quand un personnage ne fonctionne pas, que les lecteurs le détestent, se demander où il en est dans ce modèle, et laquelle de ces trois barres on pourrait augmenter pour le rendre plus attrayant aux yeux du lecteur, sans briser l’histoire.

Épisode 14 : how to express an opinion as a public figure

Règle n° 1 : ne pas se comporter comme un connard. On peut avoir des opinions, il faut savoir comment les faire connaître sans jouer à l’abruti.

Rentrer dans des polémiques bouffe du temps et de l’énergie. Se demander si on les a.

Episode 15 : Becoming a writer

Comment réagir à une mauvaise critique ? C’est dur à encaisser, surtout la première. Il ne faut pas se laisser abattre, surtout pas arrêter d’écrire. Si on a du mal à gérer, ne pas les lire, ou alors les lire plus tard, quand on est parti dans un autre projet.

Episode 16 : coming with a new ending

Que faire quand on réalise à mi-parcours que la fin qu’on avait prévu n’est pas la bonne?

— Prendre du recul, et réfléchir, notamment aux promesses qu’on a faites au lecteur, qui ne seront pas tenues par la suite.

— Ne pas hésiter à demander des avis extérieurs.

Attention à la tentation de repartir au début pour tout réécrire, on ne progresse jamais de cette manière et il faut se rappeler que la bonne fin est celle qui est écrite, pas celle qui dort dans votre crâne.

Episode 17 : Microcasting

Que faire quand on écrit, on écrit, mais qu’on ne publie rien ?

Il faut savoir que ça arrive à tout le monde, ce n’est pas une fatalité. Continuer à écrire, encore et encore, et surtout, lire.

Comme savoir qu’on utilise la voix passive et est-ce une mauvaise chose ?

Si on peut ajouter « par des zombies » à la fin de la phrase, alors c’est de la voix passive. La voix passive en elle-même n’est pas mauvaise, mais il ne faut pas en abuser car ça plombe le style.

Comment rendre plus forte encore la mort d’un personnage principal ?

Ça dépend de l’investissement émotionnel que le lecteur a dans le personnage (si l’aime, le déteste, le trouve agaçant…).

Episode 18 : Microcasting

Comment faire pour parler de sujets sensibles comme la guerre, le racisme, sans que l’histoire devienne un tract ?

Se concentrer sur les personnages, ce sont eux qui parlent, pas l’auteur. Avoir plusieurs points de vue sur le même sujet, mais pas forcément tout noir ou tout blanc (ex : un personnage sympathique, mais qui est en faveur de la guerre, parce qu’il pense qu’elle est juste, tandis qu’un autre, tout aussi sympathique, pointe les horreurs et les atrocités qui vont être commises).

Quel conseil donner à quelqu’un qui n’a jamais écrire et veut se lancer ?

Ecouter Writing Excuses et aller écrire. Lire beaucoup, notamment dans le genre où on veut écrire. Ne pas espérer la perfection, écrire s’apprend, et on fait tous des erreurs, on se plante, on essaye des choses qui ne fonctionnent pas.

Est-ce utile d’expérimenter sur de courts textes de nouvelles formes littéraires (écrire à la deuxième personne, n’écrire que du dialogue ?

Oui, car ça ouvre des possibilités, dont on pourra se resservir plus tard, dans d’autres textes.

Que faire des premiers jets de premiers romans qu’on a écrits ? Doit-on les réécrire, sachant qu’il y a de fortes chances pour qu’ils soient nuls, ou doit-on les laisser de côté ?

Ça dépend. Il faut savoir si on a envie d’écrire d’autres choses, besoin de se perfectionner à écrire le premier jet, ou alors si on a besoin d’apprendre à retravailler quelque chose de déjà existant. Le danger des deux méthodes : continuer à écrire et produire toujours des premiers jets sans jamais retravailler, ou au contraire, retravailler à l’infini un unique roman, sans jamais en être satisfait.

Comment savoir si on écrit trop vite ?

Pour les auteurs, ça n’existe pas vraiment, on écrit à son rythme. Par contre, on peut être trop rapide dans la soumission du manuscrit à des éditeurs (en gros, on a brûlé des étapes au lieu de laisser reposer et de retravailler).

Comment faire quand l’histoire qu’on a envie d’écrire a des problèmes (structure, cohérence…) ?

Réfléchir à ce qu’on veut vraiment pour l’histoire et quel effet on veut provoquer chez le lecteur (confusion…). Pour ça, il faut avoir de bons bêta lecteurs.

Episode 19 : Showing emotions

Comment montrer les émotions d’un personnage sans qu’ils en fassent trop.

La manière dont on montre les émotions d’un personnage dépend surtout du genre dans lequel on écrit et surtout pour qui on écrit (il faudra se montrer plus explicite pour un public plus jeune, tandis qu’un public adulte comprendra mieux le langage corporel et les non-dits).

Pour éviter que le personnage ait l’air de trop étaler ses émotions : éviter de trop décrire (il se sentait triste, elle était heureuse), mais montrer plutôt comment les émotions du personnage affectent ses actions.

Montrer que le personnage montre au monde une émotion différente de ce qu’il éprouve en réalité.

Ne pas hésiter à mettre de la distance entre le personnage et ses émotions : il a conscience de ce qu’il éprouve, peut éventuellement en parler avec humour…

Jouer sur les contrastes, entre ce que ressent le personnage et ce qui se passe à l’extérieur.

Episode 20 : Creator Vs creation

Quelquefois, quand on crée quelque chose, et les lecteurs en font quelque chose qu’on n’attendait pas. Tout ce qu’on écrit va avoir sa vie propre et sera perçu différemment par chaque lecteur.

Il faut se rappeler que les fans aiment discuter de leurs œuvres favorites, trouver des interprétations. S’en mêler ou tenter de les empêcher est mauvais pour l’œuvre et pour la réputation de l’auteur.

L’article Writing excuses, saison 9, épisodes 11 à 20 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Je poste ici les résumés du podcast « Writing excuses », animé par Dan Welles (« Je ne suis pas un serial killer »), Howard Tayler (webcomic Schlock mercenary), et Brandon Sanderson (trilogie des « fils de brume » et derniers volumes de « la roue du temps »)

Le principe est simple « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». En gros, en 15 minutes, on discute d’un sujet concernant l’écriture.

C’est simple, concis, et donne de très bonnes pistes pour les apprentis écrivains. personnellement, je suis fan, alors je partage avec vous la bonne parole.

Épisode 1 : Microcasting

comment faire quand on tourne à vide dans une histoire ? Introduire de nouveaux conflits, mettre les personnages dans une situation nouvelle.

Épisode 2 : Hero’s journey

d’après « Hero with a thousand faces », Joseph Campbell. Ouvrage qui décrit les archétypes des mythes héroïques, qu’on retrouve dans toutes les cultures.

— Le passage de seuil

L’élément perturbateur, qui fait que la situation du héros change.

— Les péripéties

Ce que le héros vit, alors qu’il cherche ce qu’il veut.

— La descente aux enfers

Le héros est confronté à sa part d’obscurité, que ce soit physiquement ou mentalement.

Ce livre n’est pas un guide pour écrire un roman, il donne des points, des évènements qu’on retrouve dans beaucoup d’histoires.

— Le retour

Retour à la situation initiale, qui sert à montrer à quel point le héros a changé.

Épisode 3 : Pets

comment utiliser les animaux dans un roman, en leur donnant une importance.

Difficile à réaliser, parce que ce ne sont pas vraiment des personnages, et leur impact sur l’histoire est en général limité. Mais, c’est intéressant car les animaux font avoir des relations particulières avec les personnages et nous en apprendre beaucoup sur le personnage.

Pour bien écrire : réfléchir aux liens qu’on a avec les animaux, comment on se comporte avec eux, quelles manies ont a…

Réfléchir à l’impact qu’ont les animaux sur la société qu’on va décrire (ex : les chiens sont maintenant des animaux de compagnie, mais au départ, ils servaient de gardiens).

Episode 4 : Side characters arc

Arc de personnage : quand un personnage connait un changement entre la situation initiale et la situation finale.

Pourquoi créer un arc pour les personnages secondaires ? Parce que ça donne du relief au personnage (qui est quelque part, le héros de sa propre histoire). Parce que les actions, les questionnements du personnage secondaire peuvent servir à éclairer les actions d’un personnage principal (ex : confronté à la même situation, des réactions différentes).

Mais, attention à ne pas trop développer ce personnage secondaire, sinon, il deviendra un personnage principal et risque de faire dévier l’histoire.

L’évolution d’un personnage secondaire peut amener de la tension dans l’histoire (ex : Gollum dans LOTR)

Attention à y aller en subtilité, se rappeler « show, don’t tell ».

Episode 5 : Breaking rules

Il existe des règles d’écritures : ne pas mettre trop de flashbacks, ne pas écrire un 1er roman trop long…

On peut briser ces règles, car elles ne sont que des guides. Mais, il faut se dire qu’il y aura un coût. Il faut donc se demander ce qu’on veut exactement pour son histoire, et si ne pas respecter une règle ne va pas apporter quelque chose à l’histoire.

Episode 6 : Retellings and adaptations

reraconter une histoire : reprendre une histoire connue, un mythe, et la raconter en changeant des éléments (prendre un autre point de vue, changer l’époque, l’interprétation des personnages)

ex : Orgueil et préjugés et zombies, Blanche-Neige et le chasseur.

Pourquoi réutiliser et réécrire des histoires : parce qu’on utilise quelque chose que le lecteur connaît déjà, on utilise des symboles forts. Parce que ça permet de contenter le lecteur en lui donnant quelque chose qu’il connait, mais avec un peu de nouveauté.

Épisode 7 : Cliffhangers

quand utiliser un cliffhanger et quand ne pas le faire.

Un bon cliffhanger donne quelques informations au lecteur, mais suscite du coup beaucoup de questions et pique son intérêt. Il donne de la profondeur à l’histoire

(Ex : le fantôme de l’opéra, le héros rencontre dans les sous-sols une ombre, dont on lui dit qu’elle est bien pire que le fantôme. Rien de plus ne sera expliqué sur cette ombre).

Un mauvais cliffhanger : frustre le lecteur, quand un personnage garde pour lui des infos, au lieu de les partager avec le lecteur, parce que l’auteur veut ménager la tension.

Episode 8 : Writing and personnal health

Impression populaire que tous les artistes sont affectés de diverses pathologies mentales (et sont cinglés). Ce n’est pas toujours le cas, mais certains ont effectivement des problèmes.

Si on a une pathologie mentale, écrire est une bonne solution car cela permet de canaliser les problèmes pour créer quelque chose.

Le danger de l’écriture : c’est une activité solitaire, donc on risque de se renfermer et d’aggraver ses problèmes. Il est important d’en parler autour de soi, de ne pas se replier totalement.

D’un point de vue physique : attention aux pathologies qu’on peut développer en écrivant (maux de dos, fatigue des yeux…). Il est important de garder une activité physique et d’aménager son espace de travail en fonction.

Episode 9: Brainstorming with Howard

Exemple de brainstorming d’une histoire sur l’immortalité.

Episode 10 : Brainstorming with Howard

Utilisant les exemples de l’épisode précédent, développement en détail de l’histoire.

Episode 11 : Writing abnormal psychology

Comment écrire sur des personnages qui ont un désordre mental ?

Faire des recherches, beaucoup de recherches, ne pas hésiter à parler à des malades si on en a l’occasion.

Attention à ne pas tomber dans la caricature, de ne pas simplifier à l’extrême les maladies, ni de diaboliser les malades.

Se renseigner sur les causes des maladies, les symptômes et surtout sur les médicaments utilisés pour traiter ces maladies et leurs effets secondaires.

Episode 12 : project in depth, with Howard

explication de l’un des projets d’Howard (un bonus pour Schlock mercenary)

Episode 13: Fake it till you make it

Réfléchir à ce qu’on attend d’un auteur professionnel, comment il se comporte… Essayer d’imiter et de se comporter en pro.

Réfléchir à l’image qu’on veut projeter et aux relations qu’on veut avoir avec son éditeur.

Attention toutefois à ne pas en faire trop, à ne pas essayer de répéter les mauvais comportements des auteurs publiés.

Episode 14: Brainstorming with Brandon

Brainstorming d’une nouvelle sur une idée d’intelligence artificielle.

Épisode 15 : narrative rythm

Le rythme : il faut des moments forts, mais également des pauses dans l’intensité, pour permettre à la tension de descendre pour mieux remonter.

Comment garder l’intérêt des lecteurs, tout en insérant des moments plus calmes ? Se demander ce qui est intéressant dans les moments plus calmes. Les insérer au milieu d’un chapitre plus « musclé », pour faire une respiration.

Faire monter l’action : amener vers le point où le lecteur se dit « okay, ça va mal se finir ». Chercher le point de rupture.

Action descendante : s’éloigner de ce point de rupture.

Regarder chaque scène de son scénario, attribuer une émotion à chaque scène, et essaye que deux émotions similaires ne se suivent pas.

L’article Writing Excuses, Saison 8, 1ère partie (épisodes 1 à 15) est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Ecrire un roman, tout un programme me direz-vous. C’est un travail de longue haleine, avec ses bons moments et ses fichus quart d’heure. L’ampleur de la tâche peut rebuter ou faire peur, mais je pense que c’est une aventure qui vaut la peine d’être vécue.

C’est pourquoi je partage avec vous ma méthode de travail. Attention, je ne détiens pas la vérité absolue, loin de là. Je ne dis pas que ma méthode soit la seule et l’unique, et que tout le reste soit bon à jeter à la poubelle, non. C’est ma manière de travailler et pour moi ça marche, alors j’espère que cet article pourra vous aider.

Etape 1 : réfléchir

Oui, c’est bête à dire, mais le plan complet du roman ne jaillit pas tout de suite, comme ça, tout beau tout cuit. Cela me prend des mois pour élaborer tous les aspects d’un roman. En général, j’ai une idée, puis une deuxième, que j’arrive à relier à la première, et de fil en aiguille, le roman se dessine.

Je vous conseille de noter toutes les idées que vous aurez, soit dans un carnet, soit dans un fichier texte, afin de garder une trace (Je ne compte plus le nombre de fois où j’ai une super idée, genre sur le coup de 3h du matin, et que j’ai tout oublié au réveil).

Etape 2 : Faire des recherches

Une fois que je sais à peu près où je vais (c’est-à-dire que j’ai déterminé le type d’histoire que je veux raconter, quelles seront les grandes lignes du scénario et qui seront les personnages principaux), je me mets à faire des recherches, afin d’alimenter l’univers, les personnages, le décor…

Les recherches, ça part dans tous les sens. Pour « Ceux du mercure », j’ai lu des bouquins sur la société à la Belle Epoque, sur l’anarchisme, sur la mode à la fin du XIXe et sur les allumeurs de réverbères. Sans parler des nombreux tableaux Pinterest que j’ai remplis…

La phase des recherches peut être extrêmement frustrante, car au final, sur la masse de données que vous consulterez, vous en utiliserez très peu pour votre roman. Mais bon, pour moi, les recherches sont une étape nécessaire, car elles permettent de donner de la réalité à un univers et ouvrent de nouvelles pistes pour le développement du scénario.

Etape 3 : Dessiner / faire des cartes

Non, ne vous sauvez pas, revenez ! Je suis sérieuse !

Quand je dis dessinez, je pense à dessiner des plans, des cartes, quelques éléments de décor. Croyez-moi, ça vous aidera à améliorer vos descriptions, notamment pour les scènes d’action.

Si vous avez un bon coup de crayon, je vous encourage à essayer de dessiner vos personnages. Personnellement, ça m’aide à « voir » le personnage : son physique, sa manière de se tenir…

Etape 4 : Élaborer le scénario

Je développe l’histoire en parallèle de mes recherches, au fur et à mesure que je définis mieux l’univers, les personnages, leurs motivations.

Je procède par étapes successives, un peu comme un croquis. D’abord les lignes générales (Situation initiale, ce qui change, les étapes clés et la situation finale). Puis, au fur et à mesure, je raffine l’histoire, je développe, j’ajoute des détails, des personnages…

Je sais que certains auteur n’aiment pas avoir de plan détaillé et préfèrent juste écrire à l’instinct. Personnellement, j’ai besoin de savoir exactement où va mon histoire avant de me lancer (En plus, ça m’évite de faire des conneries plus grosses que moi au niveau du scénario).

Etape 5 : Ecrire le premier jet

Une fois que j’ai mon plan, je me lance dans l’écriture. J’applique la technique dite de la « fuite en avant ». En gros, vous écrivez sans vous retourner.

Les avantages : cette technique permet d’établir assez rapidement un premier jet (Pour « Ceux du mercure », qui faisait environ 300 pages, Times New Roman 12, interligne 1.5, j’ai mis 3 mois pour écrire le 1^er jet). De plus, vous évitez de cette manière le découragement et l’effet « non mais c’est nul, je ne suis qu’une merde qui ne mérite pas d’exister ».

Les inconvénients : Beaucoup de boulot de correction. Le 1^er jet, c’est brut de décoffrage. Du coup, avant d’oser faire lire à mes lecteurs alphas, j’ai du travail.

Voilà, maintenant, vous avez votre premier jet, c’est tout beau tout neuf… et bourré de fautes. Commence maintenant l’étape fastidieuse des corrections et des réécritures.

Rendez-vous pour la suite des réjouissances dans les prochains articles : partie 2 et partie 3

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