Contrairement aux autres saisons, cette saison de Writing excuses sera une master class d’écriture géante. Il y aura de la théorie et des exercices à faire, pour tous ceux qui veulent progresser en écriture.

Chaque mois sera consacré à un sujet, il y aura deux épisodes de théorie, un épisode d’exercice, et un épisode hors sujet.

Juin : Les descriptions

Épisode 23 : peux-tu me montrer comment on raconte ?

Show, don’t tell – Montre, ne raconte pas. Comment utiliser les mots pour bien montrer ce qui arrive ?

― Utiliser le personnage point de vue et sa sensibilité pour colorer la narration. Un personnage a son histoire, sa sensibilité, il va employer un vocabulaire particulier, noter des détails…

― Limiter les adverbes, qui au final ne veulent souvent pas dire grand-chose.

― On peut jouer sur la longueur des phrases, sur leur rythme pour créer une respiration dans le texte, qui va donner des émotions et impliquer le lecteur.

Exercice d’écriture : Se poser dans une pièce durant 30 minutes et décrire tout ce qu’on peut.

Faire une pause, puis redécrire la pièce, mais comme si on faisait une description dans un genre particulier (policier, SF…).

Faire une pause, puis décrire de nouveau la pièce, du point de vue d’un personnage d’une histoire qu’on est en train d’écrire.

Épisode 24 : comment accrocher les plus jeunes lecteurs

Ce qui plaît aux adolescents :

― Un narrateur qui a une voix qui leur plaît, qui leur parle et dans laquelle ils peuvent se reconnaître.

― Les trailers pour les livres fonctionnent bien pour les ados, qui ont l’habitude de traîner sur Youtube et sur les autres réseaux.

― Le bouche-à-oreille. Les ados lisent ce que leurs amis lisent.

Épisode 25 : Qu’est-ce qui fait une scène ?

C’est un moment où il se passe quelque chose (action), ou bien ou l’on voit les conséquences ou la préparation d’une action.

Souvent, l’arrivée d’un personnage fait l’entrée d’une scène, la sortie la clôt : vision cinématographique

Une scène a du conflit, qui est discuté et/ou résolu dans la scène.

L’enchaînement des scènes : il dépend du rythme qu’on veut donner à l’histoire.

Une scène est comme une brique, qui sert à construire quelque chose de plus large. Elle doit avoir une cohérence, on ne doit pas chercher à mettre trop de choses dedans.

L’arc d’une scène : les scènes sont un enchaînement qui doit dire quelque chose à la fin du livre. Réfléchir bien aux infos qu’on donne dans une scène, pour savoir si c’est trop tôt ou trop tard.

Exercice : prendre les 3 scènes qu’on se préparait à écrire et déterminer :

― La fonction des scènes dans l’histoire générale

― Le but du personnage principal de ces scènes.

Déterminer ensuite où on commence la scène et où on l’arrête, pour voir si on commence et on arrête bien ces scènes à un endroit qui sert ces deux buts.

Épisode 26 : questions et réponses sur les scènes et descriptions

Comment narrer les personnes internes d’une personne sans contrevenir à la règle de montrer et pas raconter ?

― Utiliser les réactions physiques du personnage.

― Décrire les actions qu’il entreprend en même temps qu’il pense, pour donner un peu de dynamisme.

― Ne pas faire du « Emo gazing », réfléchir à ce dont on a vraiment besoin pour transmettre les pensées du personnage.

Comment décrire un personnage point de vue lors de sa première apparence sans que ce soit cliché ?

― Réfléchir aux éléments physiques marquants du personnage, ce qu’on veut que le lecteur retienne.

― Utiliser les autres personnages comme contraste pour donner l’idée de ce à quoi le personnage ressemble.

― On peut laisser l’apparence dans le flou, le lecteur se représentera le reste.

Quelle différence entre une scène et un décor ?

Un décor : l’endroit où quelque chose se passe.

Une scène : une construction narrative où des événements se passent.

Le mois prochain : le milieu de l’histoire

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J’ai lu ce livre sur les conseils de Natalie Lenoir, du blog Scenario Buzz, qui le conseillait à tous les auteurs.

Je ne vais pas y aller par quatre chemins : ce livre est génial, et c’est un must-have pour tous les auteurs qui désirent progresser.

Je propose d’ailleurs à ceux qui le souhaitent de récupérer gratuitement mes notes sur le livre, histoire de vous donner un avant goût ^^

Maintenant que c’est dit, développons un peu.

La dramaturgie est la 6e édition d’un livre qui détaille, principalement à travers des exemples de films et de pièces, les mécanismes de la dramaturgie. Yves Lavandier dit que ce livre est plus orienté cinéma et scénario de film, mais les auteurs y trouvent leur compte, je vous rassure.

Tous les mécanismes de la dramaturgie son décortiqués, disséqués, analysés : milking, topper, question dramatique, ironie dramatique. C’est expliqué de manière claire, abondamment illustré, bref, c’est brillant.

Pour avoir lu Anatomy of a story de Truby, je trouve que Lavandier offre une vision qui parfois rejoint Truby, la complète, ou s’en éloigne.

Lavandier n’aime pas l’idée de morale obligatoire à une histoire. Il ne pense pas qu’il faille forcément un antagoniste à une œuvre. J’ai apprécié du coup de lire un point de vue différent de Truby, qui remet les choses en perspectives.

Je ne suis pas entièrement d’accord avec certains points, notamment sur l’évolution des personnages. Mais globalement, je trouve le livre très bien ficelé, très riche. Il m’a permis de mettre des mots sur des concepts que je pressentais et d’analyser des mécanismes que j’utilisais sans y penser.

Attention toutefois, c’est une lecture exigeante. N’espérez pas trouver entre ces pages une formule toute faite pour écrire de bonnes histoires. Non, Lavandier décortique des mécanismes, à nous auteurs de choisir comment nous voulons en faire usage.

Comme je le disais, vous pouvez récupérer gratuitement mes notes sur le livre par ici. Cela dit, je vous encourage vivement à acheter le livre.

Il est disponible sur le site de l’éditeur au prix de 36 €. Vu la qualité du bouquin, ça les vaut largement, croyez-moi.

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Anatomie du scénario, de John Truby, c’est d’après beaucoup la bible des scénaristes. John Truby fait voler en éclats le dogme des trois actes, pour proposer sa propre idée de la construction d’une histoire. Pour lui, une bonne histoire comprend un certain nombre d’éléments imposés, mais doit également être organique, c’est-à-dire vivante.

Les notes prises sur ce livre représentent un joli pavé, aussi, je vais me contenter de vous résumer le propos des différents chapitres et vous donner mon avis sur le livre. Si vous êtes intéressés par mes notes, voici un lien pour en télécharger une version PDF !

Le contenu du livre

Chapitre 1 : le temps et l’espace de l’histoire

Une histoire implique celui qui écoute et celui qui raconte. Elle a ses règles, mais doit aussi avoir sa logique interne (il faut éviter de plaquer des règles artificielles sur une histoire).

Chapitre 2 : les prémisses

Les prémisses = l’idée de départ qui sert à résumer et « pitcher » l’histoire. Cette idée est cruciale, car elle va déterminer la suite de l’histoire.

John Truby explique comment brainstormer des idées, puis les développer, de manière à faire jaillir la trame d’une histoire.

Chapitre 3 : les 7 étapes de la structure d’une histoire

Il s’agit de l’un des arguments clés du livre de Truby. Chaque histoire comprend ces éléments clés : faiblesse et besoin du héros, désir, l’opposant à ce désir, le plan du héros pour obtenir ce qu’il veut, la bataille entre le héros et l’opposant, la révélation de soi du héros, et le nouvel équilibre.

Chapitre 4 : les personnages

Pour Truby, les personnages doivent être organisés en réseau : le héros, ses alliés et ses opposants représentent différentes facettes d’un même thème. Tous les personnages doivent être développés, il ne faut pas uniquement travailler le héros.

Chapitre 5 : l’argument moral

Chaque œuvre doit avoir un argument moral : une thématique centrale, qui va donner sa cohérence à l’ensemble.

Chapitre 6 : le monde histoire

Truby part du principe que le monde est le reflet du ou des personnages centraux et qu’il doit éclairer l’histoire et sa thématique. Les personnages évoluent dans des « arènes », des lieux qui leur sont propres.

Chapitre 7 : le réseau de symboles

Utiliser des symboles permet de donner de la profondeur à une œuvre et une résonnance particulière.

Chapitre 8 : le scénario

Un bon scénario est organique, c’est-à-dire que les différents éléments sont connectés entre eux de manière logique.

Pour Truby, il existe 22 étapes à respecter, issues des 7 étapes décrites plus haut : besoin et révélation de soi ; monde histoire et fantômes ; faiblesse et besoin ; élément déclencheur ; désir ; allié ; opposant ; faux-ami opposant ; première révélation et changement de désir ; le plan ; le plan de l’opposant ; le moteur ; l’attaque par des alliés ; apparente défaite / victoire illusoire ; seconde révélation et décision ; révélation du public ; troisième révélation et décision ; visite à la mort ; la bataille ; la révélation de soi ; décision morale ; nouvel équilibre.

Une bonne histoire respecte ces étapes, tout en gardant une logique interne. Attention, ceci est un guide, pas une recette à appliquer à la lettre.

Chapitre 9 : tisser les scènes

La scène est l’unité de base d’une histoire. Il faut bien organiser ses scènes pour que l’histoire fonctionne et que la tension monte.

Chapitre 10 : Construction des scènes et dialogues symphoniques

Comment construire des scènes et des dialogues qui fassent écho à la structure générale de l’histoire.

Chapitre 11 : l’histoire sans fin

L’histoire sans fin, c’est celle qu’une fois qu’on a terminé de lire on a envie de relire, sachant qu’on va y découvrir de nouvelles choses.

Mon avis

Effectivement, ce livre est un must pour tout écrivain qui voudrait approfondir son art. Je suis persuadée qu’on écrit bien mieux quand on sait ce qu’on fait, quand on connaît la structure d’une histoire, comment elle fonctionne et quel effet elle produit sur le lecteur. À ce titre, ce livre est vraiment génial.

Il m’a permis de mettre des mots et des concepts sur des choses que je faisais à l’instinct, ou sans trop m’en rendre compte. Il va me permettre de m’améliorer, car il m’a ouvert de nouvelles pistes de réflexion.

Moi qui ne me suis jamais reconnue dans la structure en trois actes, je trouve enfin une méthode de construction d’intrigues qui me convient. Comme Truby le dit, ce n’est pas une recette à appliquer à la lettre, mais un guide, qui évite d’aller droit dans le mur, ou qui peut débloquer quand on est frappé par la page blanche.

Bref, une lecture que je recommande vivement.

Néanmoins, je pense qu’il faut quand même prendre quelques éléments avec des pincettes :

— L’argument moral. C’est une conception très anglo-saxonne : une œuvre doit avoir une morale. Je pense qu’il faut adapter, plus qu’un argument moral, je vois plutôt ça comme une thématique, qui va se décliner à travers les personnages.

— Les personnages. Truby donne de bons éléments, notamment sur la construction en réseau et la manière dont les personnages font écho au thème de l’œuvre. Cela dit, la méthode de construction me semble assez légère. Personnellement, je trouve que Orson Scott Card dans ses livres, ou le podcast writing excuses est plus poussé à ce sujet.

— Le monde. Là aussi, de bons éléments. L’idée des « arènes » par personnage est très fine. Mais, quand on écrit dans les genres de l’imaginaire (surtout en fantasy), là aussi, c’est un peu léger. On ne peut se limiter à quelques arènes, quand le lecteur attend un monde cohérent et très développé (même si tout n’apparaît pas dans l’histoire, ça doit exister).

Je recommande aussi la lecture de ce livre à des personnes qui ont déjà un peu d’expérience dans l’écriture, je pense que les concepts sont un peu ardus pour quelqu’un qui début en écriture, et peuvent rebuter (je pense que si j’avais lu ce livre il y a 5 ans, ça m’aurait plus pourrie qu’aidée vraiment).

En résumé : un must read pour les écrivains qui veulent progresser. Et n’oubliez pas, si la fiche de lecture vous intéresse, vous pouvez la télécharger à cette adresse !

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Contrairement aux autres saisons, cette saison de Writing excuses sera une master class d’écriture géante. Il y aura de la théorie et des exercices à faire, pour tous ceux qui veulent progresser en écriture.

Chaque mois sera consacré à un sujet, il y aura deux épisodes de théorie, un épisode d’exercice, et un épisode hors sujet. On commence donc avec les idées, et les personnages.

Mars : la structure d’une histoire

Épisode 9 : d’où vient mon histoire ?

Se demander à quel genre appartient l’histoire (fantasy, policier…) et surtout, ce qu’on veut pour l’histoire (quelle tonalité ? Une histoire plutôt d’introspection, ou une histoire d’action ?).

Déterminer ce qu’est l’histoire : une histoire de milieu, d’idée, de personnage, ou d’événement ? (Cf. Orson Scott Card, MICE : Milieu, Idea, Character, Event).

Quelles questions se posent les lecteurs, au fur et à mesure de leur lecture ? Comment faire pour le lecteur, une fois qu’il a fini le chapitre, ait envie de lire le suivant ?

Quand on raconte une histoire, on sait qu’il s’est passé des choses avant, et qu’il se passera des choses après. On raconte la partie de l’histoire qu’on estime intéressante et qui va répondre aux promesses qu’on lance.

Si on travaille avec un plan détaillé, comme si on écrit à l’aventure, il faut se poser les questions de la tonalité de l’histoire et des promesses qu’on va faire au lecteur.

George Martin : l’analogie du jardinier. Un écrivain est un peu comme un jardinier : il plante un arbre, et l’aide à pousser, coupe certaines branches… Un bon écrivain sait d’avance la forme qu’aura son arbre.

On peut jouer avec les structures, faire de fausses promesses au lecteur pour l’emmener quelque part où on veut (ex. : l’épisode 2 de la saison 3 de Sherlock, le mariage de Watson. Au départ, on se demande où les auteurs veulent en venir, tout à l’air décousu, alors que le final révèle que tout est lié).

Attention : jouer ainsi avec les structures implique qu’on sait ce qu’on fait et qu’on a une connaissance approfondie des structures. Cela suppose aussi qu’on a déjà une base de lecteurs fidèles, qui partent plutôt avec un a priori favorable et seront prêts à s’investir dans l’histoire, même si elle paraît un peu brouillonne au début.

Exercice d’écriture

Prenez l’une de vos histoires favorites, et déterminez quelle est la structure de l’histoire, écrivez le plan détaillé que l’auteur a utilisé.

Épisode 10 : Questions et réponses avec le I Ching

Le I Ching : une méthode de divination chinoise, avec un livre de poèmes et des bâtonnets de bambous. Elle a été utilisée par Philip K. Dick pour Le maître du haut château.

Les poèmes permettent aux auteurs de poser différentes questions, selon l’interprétation qu’ils font du poème.

Episode 11 : « parallel perspective » : structure de l’histoire

Détail de la structure d’une des histoires de « Schlock mercenary ».

Howard et sa femme commencent par déterminer l’histoire, et surtout la longueur en nombre de pages.

L’histoire : les personnages se retrouvent dans un bar, et parlent d’un événement qui vient d’arriver. La difficulté ici : raconter la même histoire, de différents points de vue, sans être redondant. Du coup, Howard Taylor a demandé à son coloriste de donner une différence ambiance aux différentes histoires. Il a aussi invité d’autres dessinateurs.

Une fois que l’histoire est fixée, on passe au découpage page par page. En BD, la coupure des pages est importante, car elle doit donner envie de passer à la suite.

L’ordre des histoires : il savait comment ça allait finir, et du coup, bâti les histoires pour arriver à la dernière histoire, qui conclut le tout en apothéose.

Exercice d’écriture : choisir les promesses qu’on fait au lecteur, et déterminer la structure de l’histoire en fonction de ces promesses.

Épisode 12 : questions et réponses sur la structure d’une histoire

Êtes-vous conscient de la structure de l’histoire avant de commencer à écrire ?

En général, oui, même si les auteurs se laissent une marge de manœuvre pour « découvrir » l’histoire.

Est-ce nécessaire d’utiliser différentes structures (les trois actes, la formule Hollywood), et de les mêler ?

En général, ces structures sont utiles pour planifier les grandes lignes de l’histoire, ou pour voir ou l’histoire pêche. Ce ne sont pas des cadres rigides, on peut jouer avec, ce sont des outils.

Quels outils utilisent les auteurs pour travailler sur leur structure ?

Work, Word, des carnets, ou Scrivener, très pratique avec ses notes, sa fonction post-it…

Aeon timeline, permet de travailler la chronologie d’une histoire.

Quid des cliffhangers ? Comment les utiliser avec efficacité ?

Si on utilise le cliffhanger pour forcer les lecteurs à acheter le livre suivant, c’est mauvais. Si on le fait parce que ça se justifie dans l’histoire et pour surprendre le lecteur, c’est bon.

Attention : le cliffhanger crée des attentes auprès du lecteur, si on l’utilise, on a intérêt à être bon avec la suite.

Un bon cliffhanger répond à des questions laissées en suspens, tout en en créant de nouvelles.

Comment créer des plotwists ?

Se référer à l’épisode 19 de la saison 1

Quelle structure peut-on utiliser pour donner de la variété à son écriture, autre que situation initiale, bouleversement, montée de l’action, climax et résolution ?

Il faut d’abord savoir que la plupart des histoires fonctionnent selon cette structure générale.

Mais, c’est une structure occidentale, les Orientaux ont différents codes. Le souci de cette structure en trois actes, c’est qu’elle est prévisible. Pour s’améliorer : lire des œuvres qui viennent d’autres cultures et tenter de voir les structures.

Quel temps doit-on réserver à l’introduction avant de passer à l’élément perturbateur qui met l’action en marche ?

Il n’y a pas de règle. Il faut juste se dire que l’introduction sert à présenter les personnages, et à montrer pourquoi l’élément perturbateur va être important et ce qu’il va changer.

Que faire quand, à moitié de l’histoire, on se rend compte que la structure qu’on a choisie ne fonctionne pas ?

Commencer par prendre un verre, respirer à fond et se détendre.

Deux écoles

— Ceux qui réfléchissent aux changements, puis continuent à écrire en prenant en compte ces changements, et reprennent le début une fois qu’ils ont fini.

— Ceux qui reprennent tout depuis le début.

Exercice d’écriture : Réfléchir à une histoire dont on connaît déjà les tenants et les aboutissants. Réfléchir à toutes les choses qu’on veut pour cette histoire (moments épiques, histoire d’amour…). Les mettre dans l’ordre où on veut qu’ils apparaissent et créer ainsi le premier jet de la structure.

L’article Writing excuses, saison 10 : la structure d’une histoire est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Contrairement aux autres saisons, cette saison de Writing excuses sera une master class d’écriture géante. Il y aura de la théorie et des exercices à faire, pour tous ceux qui veulent progresser en écriture.

Chaque mois sera consacré à un sujet, il y aura deux épisodes de théorie, un épisode d’exercice, et un épisode hors sujet. On commence donc avec les idées, et les personnages

Janvier : les idées

Épisode 1 : D’où viennent les idées ?

D’où viennent les idées ?

Pour les auteurs du podcast, elles viennent souvent de quelque chose qu’ils ont lu et/ou vu, et où ils se disent, « tiens, et si je faisais ça ? ».

Comment distinguer les bonnes idées des mauvaises ?

Est-ce qu’une fois qu’on commence à pousser le concept, ça va quelque part ? Est-ce qu’on est capable d’en tirer un pitch qui tient la route ? Est-ce que ça intéresse d’autres personnes ? Surtout, est-ce qu’on est excité à l’idée d’écrire quelque chose là-dessus ?

Comment retravailler ses idées ?

Faire des recherches dans le domaine concerné. Réfléchir à ce qui pourrait mal tourner, ce qui pourrait générer du conflit. Ne pas hésiter à combiner plusieurs idées et voir si ça fonctionne.

Exercice d’écriture :

Ecrivez 5 histoires de 150 mots en prenant les idées de :

– Une conversation qu’on a eu.

– Des recherches faites.

– De quelque chose qu’on a observé.

– D’un film ou d’une série.

– D’une chanson. 

Épisode 2 : J’ai une idée, qu’est-ce que je fais ?

Une fois qu’on a l’idée : chercher les problèmes.

Qu’est-ce qui va poser problème ? Quelles peuvent être les sources de conflit ? Comment la technologie, ou la magie vont être mal utilisées, détournées pour des fins illégales ?

Développer les personnages

Chercher lesquels vont être en conflit, ou intéressés avec l’idée qu’on développe. Chercher ceux qui auraient le plus à gagner, ou le plus à perdre.

Raffiner

Chercher tous les tenants les aboutissants, notamment au niveau de la caractérisation, des motivations des personnages. Chercher ce qui est improbable et qui ne marche pas. Si on a une idée qui manque de justifications, il y a deux choix : modifier l’idée de départ pour que ça colle, ou modifier l’univers et l’histoire développée pour que ça colle avec l’idée qu’on a envie d’écrire.

Exercice d’écriture :

Utilisez les idées de l’épisode un et :

– Combinez-en deux en une histoire.

– Prenez-en une et changez le genre de l’histoire.

– Prenez-en une et changez le genre et l’âge de tous les personnages.

– Prenez-en une et faites agir le personnage complètement à l’opposé de ce que vous aviez prévu. 

Épisode 3 : Horreur lovecraftienne

L’horreur selon Lovecraft :

— l’horreur surgit non pas parce que les personnages ont fait quelque chose de stupide, mais parce que les créatures auxquelles ils sont confrontés sont bien plus puissantes que le genre humain.

— La folie est souvent ce qui attend les protagonistes, parce qu’ils se rendent compte de l’insignifiance de l’être humain.

— Lovecraft haïssait de dont il avait peur, et il avait peur de beaucoup, beaucoup de choses.

— Lovecraft parvenait à rendre effrayant quelque chose d’anodin (ex. la couleur tombée du ciel), et à montrer les changements, l’irruption de l’horreur.

Exercice d’écriture

Choisissez un personnage et décrivez sa réaction à quelque chose d’horrible, sans décrire la chose en elle-même. 

Épisode 4 : questions et réponses sur le développement d’idées.

Est-il possible d’utiliser des idées dérivées de quelque chose qui existe déjà ?

Oui, exemple : les réécritures de contes de fées. L’avantage : on part de quelque chose existant, qui possède une trame avec laquelle on peut jouer.

Comment ne pas se décourager quand l’idée qu’on veut développer a déjà été utilisée ?

On ne peut pas être 100 % original, on ressemblera toujours à quelqu’un. De toute manière, si on ressemble à une autre œuvre, qui a plu, ce n’est pas forcément une mauvaise chose, car les lecteurs vont chercher à lire quelque chose de similaire à ce qu’ils ont aimé.

Comment savoir si une idée est bonne pour une nouvelle ou un roman ?

Ça dépend du nombre de personnages, de lieux, et de scènes.

Que faire quand on doit écrire sur un endroit dont ne sait pas grand-chose ?

Prendre le personnage focal, et décrire les lieux de son point de vue. La description ne sera peut-être pas utilisée dans le roman, mais elle sert à donner le ton.

Comment savoir quand abandonner une idée ?

Quand l’idée ne rentre pas dans l’histoire, qu’elle force à des digressions. Quand l’idée risque de générer des problèmes : racismes, homophobie…

Comment sélectionner ce sur quoi on va écrire ?

Si on est un auteur publié : choisir celle dont la deadline est la plus proche. Si on ne vit pas de sa plume : choisir l’idée qui nous enthousiasme le plus.

Exercice d’écriture 

Choisissez une idée qui vous enthousiasme et imaginez un casting de cinq différents personnages pour remplir le premier rôle. 

Février : les personnages

Épisode 5 : Que voulez-vous dire par « mon personnage principal est ennuyeux » ?

Un problème récurrent avec les nouveaux auteurs : le personnage principal est ennuyeux et mal relié à l’histoire.

Souvent, le personnage sert de point de vue pour l’histoire, mais ne fait pas grand-chose. Une erreur récurrente : tenter de rendre le personnage intéressant en lui donnant un passé torturé, qui n’a aucun rapport avec l’histoire.

Pour corriger ce problème : donner quelque chose à faire au personnage et principal et surtout, lui donner des responsabilités. Donner un prix à ses actions, et mettre en jeu quelque chose d’important pour le personnage, quelque chose qu’il risque de perdre.

On l’a souvent répété, mais il faut donner des défauts aux personnages, quelque chose qu’ils doivent surmonter.

Exercice d’écriture :

Décrivez trois personnages, qui ont des âges, des professions et des loisirs différents. Ils marchent à travers un marché, vous devez décrire leur état d’esprit et laisser deviner leur professions et leurs loisirs sans jamais les citer. L’objectif de la scène : ils traversent le marché pour y déposer quelque chose. 

Épisode 6 : le monde se construit autour de moi

En fantasy, comme en SF, on a tendance à construire le monde autour des héros, tout se passe là où ils sont. Ces personnages ne vivent que pour accomplir de grandes choses, et ne se soucient pas des choses « normales ».

Réfléchir, remettre en perspective : on n’a pas besoin de pouvoirs démentiels pour être le héros. Chaque personnage est le héros de sa propre histoire. Ex. : le comic « Gotham central », qui raconte la vie quotidienne des policiers à Gotham.

On peut tout de même très bien avoir pour héros un personnage épique, au centre de l’action. Mais, il ne faut pas oublier que dans le monde qu’on crée, il y aura des gens « normaux », qui auront des ambitions « normales ».

Ex. : Han Solo dans Star Wars. Il n’est pas un jedi, n’a pas de pouvoir, n’est pas noble ni rien. Son but dans la vie : gagner de l’argent et survivre.

Exercice d’écriture :

Vous vous souvenez la dernière fois que vous avez perdu un jeu? Reconstituez l’enchaînement des faits qui vous a amené à perdre. Utilisez la trame narrative qui en ressort pour une histoire. 

Épisode 7 : mais qui sont tous ces gens ?

Comment savoir qu’on a le bon nombre de personnages ? Comment savoir si un personnage est utile ?

Distinction entre les personnages secondaires, ceux qui vont vraiment amener quelque chose à l’histoire, et les « porteurs de lances » : terme de théâtre pour désigner les figurants, qui vont partie du décor.

Un personnage secondaire, même s’il n’a qu’une apparition, et quelques lignes de dialogue, a une histoire, des envies et un but.

Comment donner de la réalité à un personnage secondaire en quelques lignes ?

Réfléchir en amont sur le personnage, écrire des scènes où il apparaît, même si elles ne serviront pas à l’histoire finale. Ça permet de cerner le personnage, de savoir ce qu’il veut, à quoi il ressemble, comment il bouge…

Attention quand on dépeint une autre culture : si on n’a qu’un personnage d’une autre culture, on prend le risque de dépeindre cette culture comme monolithique.

Exercice d’écriture :

Choisissez l’un des personnages créés pour l’épisode 5 et transformez-le en personnage secondaire. Maintenant, choisissez un des personnages avec lequel il a interagi et réécrivez la scène du point de vue de ce personnage. 

Épisode 8 : Questions et réponses sur les personnages

Comment faire gagner du pouvoir au personnage principal, sans diminuer la valeur de l’antagoniste ?

On fait du « reverse engineering » : on part de la fin, on détermine où doit être le héros pour vaincre le méchant, puis on lui retire ses pouvoirs, et on sait d’où il part au début de l’histoire, et ce qu’il doit gagner.

Comment créer un arc pour un personnage faillible et le faire évoluer, sans supprimer les défauts qui l’ont rendu crédible et attachant pour le lecteur ?

Deux options : soit on prend un personnage pas super sympa au début, qui évolue pour devenir sympathique, soit on prend un personnage qui a un gros défaut au début, que l’histoire va corriger.

Il faut se rappeler qu’on ne se débarrasse jamais totalement d’un défaut, qu’on devient juste meilleur à le gérer. Il faut aussi savoir que parfois, le défaut d’un personnage est ce qui le rend attirant. Ex : House, l’intérêt de la série réside dans la tension entre sa compétence et son caractère abrasif.

Avoir quelqu’un qui aime le personnage pour ses défauts.

Quand on écrit à la première personne, comment donner l’impression que les personnages secondaires ont une vie à eux ?

C’est un peu la même chose que dans la vie réelle, avec ses amis. On ne sait pas ce qu’ils ont dans la tête, on ne sait pas tout ce qu’ils font, mais on en observe une partie, et on réfléchit à ce sujet. On juge leurs actions.

On peut mettre en place une variante du test Bechdel : est-ce que le narrateur assiste à la conversation de deux personnages secondaires, qui parlent d’autre chose que de lui ?

Pour donner de la réalité aux personnages secondaires, faire en sorte que le narrateur apprenne à leur sujet quelque chose qu’il ne connaissait pas du tout.

Comment écrire une histoire où le personnage principal n’est pas le plus actif ?

C’est faisable : ex. Gatsby. Le danger : créer un personnage qui ne soit qu’un observateur.

Pour donner de la réalité : donner quelque chose au personnage qu’il veut, des buts dans la vie.

Comment savoir quand l’intrigue dirige le personnage et non l’inverse ?

Quand le personnage n’a aucune vie en dehors de l’intrigue, quand il n’a plus de cohérence dans ses actions, et ne fait que réagir à l’intrigue.

Comment écrire un personnage qui a des vues racistes, homophobes, ou dérangeantes, sans offenser les lecteurs ?

Faire que les autres personnages le critiquent pour ça, ou réagissent.

Créer un personnage qui représente les valeurs que critique le personnage.

Comment écrire un personnage qui a une religion ou une ethnie différente ?

Faire des recherches, notamment sur le net. Quand on veut écrire sur un membre d’une secte, aller sur les sites pro sectes pour comprendre la mentalité et les arguments qu’ils vont avoir pour défendre leurs croyances.

Chercher les différences que cette personne va avoir avec nous, mais chercher aussi les similitudes.

Pour des personnes d’une culture disparue depuis longtemps : chercher des lettres, des photos, des choses écrites par les personnes de cette époque.

Comment écrire un antagoniste qui soit sympathique ?

Lui donner des buts qui soient plausibles, compréhensibles, et avec lesquels on s’identifie.

Exercice d’écriture :

Imaginez les événements avant et après la scène du marché des épisodes précédents. 

Le mois prochain : la structure d’une histoire. 

L’article Writing excuses, saison 10 : janvier et février est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Saison 9 du podcast « Writing excuses », « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». 15 minutes donc pour discuter de techniques d’écriture, du meilleur moyen d’écrire romans et nouvelles et de les corriger. Animé par Brandon Sanderson, Dan Wells, Howard Tayler et Mary Robinette Kowal

Episode 43 : Writing mystery

Différence entre une intrigue policière et un thriller.

Intrigue policière : la tension est moins élevée, le rythme moins intense qu’un thriller. La question est de résoudre le meurtre, le lecteur découvre les indices en même temps que les personnages.

Thriller : le rythme est plus intense, les lecteurs savent des choses que les personnages ne savent pas, et du coup anticipent les mauvaises choses qui vont leur arriver. En général, le personnage principal est en danger, et doit résoudre l’énigme pour rester en vie.

Episode 44 : Writer mindset

Comment se mettre dans l’état d’esprit d’un écrivain professionnel ?

Pour commencer, arrêter de se définir comme un aspirant écrivain. On écrit, point à la ligne.

Le fait qu’un manuscrit soit refusé ne veut pas dire qu’il est mauvais, tout comme le fait qu’il soit accepté ne veut pas dire qu’il soit bon et qu’il va révolutionner le genre.

Episode 45 : Tools for writing from oral storytelling

Que peut-on apprendre des conteurs traditionnels ?

— Vendre l’histoire dès le départ, de manière à ce que le lecteur/le spectateur, ait envie de donner de l’argent.

Dès le départ, on pose au lecteur le type d’histoire qu’il va entendre, et surtout, la fin qu’il va attendre. De cette manière, il n’est pas déçu.

Episode 46 : Writing disability

Comment écrire des personnages avec un handicap qui soient crédibles.

— Faire des recherches

Ne pas oublier que la plupart de ce qu’on sait du handicap vient des médias, et qu’il y a des chances que ce soit faux.

— L’humour

Beaucoup de personnes avec un handicap traitent la situation avec humour, parce que souvent, c’est le meilleur moyen d’encaisser les choses.

— Les sens

Une personne à qui il manque un sens va compenser avec les autres (ex : quelqu’un d’aveugle va utiliser le toucher, et l’ouïe).

— Le handicap est une partie de la personne, mais ne la définit pas.

Episode 48 : Conversation with a bookseller

Entretien avec un libraire

Comment choisit-il les livres qu’il va vendre ? Grâce à un catalogue, envoyé par les éditeurs, qui décrit les livres et ce qu’ils racontent. La couverture joue beaucoup dans le choix des ouvrages.

Pour les auteurs autoédités, ne pas dire « ce livre, c’est Hunger Games + games of thrones ». Ça fait très amateur, et en plus ça donne de mauvaises pistes au lecteur, ça lui donne des attentes. En plus, c’est un peu prétentieux de se définir par rapport à des best-sellers et des chefs d’œuvre.

Penser à bien définir le livre qu’on essaye de vendre au libraire, ne pas hésiter à dire tout ce qui pourrait aider le libraire à savoir à qui il va pouvoir vendre le livre, et à qui il ne pourra pas.

Episode 49 : hiding the open grave

Comment tuer un personnage, mais que ça reste une surprise pour le lecteur ?

— Réfléchir à la caractérisation

Si un personnage n’est là que pour se faire tuer, ça va se ressentir à la lecture. Alors que si c’est un personnage important pour l’histoire, avec une personnalité développer, la mort sera plus une surprise.

— Ne pas tuer un personnage juste pour faire avancer l’histoire.

Ex : on tue la copine pour donner au héros la motivation pour se venger.

— Éviter les effets d’annonce

Genre « ce genre de choses causera ta perte ». Ça risque de ruiner l’effet de surprise de la mort.

Episode 50 : Writing for the enfranchised readers

Comment écrire pour les lecteurs qui ont de l’expérience dans un genre et qui connaissent déjà beaucoup de choses ?

Comment écrire pour que le lecteur, quand il relit le livre même s’il connaît l’histoire, aime encore le livre ?

Chercher quels sont les clichés, et les passages attendus pour le genre où on écrit. Chercher comment les renouveler.

Attention, parfois, un passage obligé est attendu par les lecteurs, le changer risque de ne pas fonctionner pour l’histoire et de générer de la frustration.

Il faut aussi se dire qu’un roman ne va pas fonctionner pour tout le monde. Il est difficile d’écrire un livre de fantasy qui soit abordable pour un lecteur novice, et surprenant à lire pour un lecteur chevronné.

Épisode 51 : questions and answers

Peut-on encore en fantasy écrire un antagoniste qui soit vraiment et complètement méchant ?

Oui, si c’est bien fait. Ex : Harry Potter et Voldemort.

Est-il possible d’écrire un roman de fantasy épique, qui n’ait qu’un seul point de vue ?

Oui, ça s’appelle « Le nom du vent ». Plus sérieusement, on peut réduire à un seul point de vue, si on a des personnages et un univers bien construit. Il faut aussi réfléchir au scénario, parce que réduire le nombre de points de vue va impliquer des choix.

Épisode 52 : Page to Stage

Comment adapter un livre pour le jouer au théâtre ?

Il faut sélectionner ce qui est important dans le livre, ce qui va pouvoir être transposable sur scène.

Episode 53 : Writing for fun

Comment écrire en s’amusant, même si on a des moments stressants ?

Il n’y a rien de mal à considérer l’écriture comme un hobby et écrire pour le plaisir. Au contraire, c’est comme ça qu’on avance mieux.

Il faut se demander pourquoi on écrit : pour être publié et lu, ou juste parce qu’on aime ça, parce qu’on a une histoire qu’on a envie de raconter.

Quand on a l’impression de perdre son temps, et que l’écriture devient une corvée : tenter quelque chose de différent. Écrire dans un nouveau genre, écrire un petit scénario, tenter d’écrire dans un autre endroit que celui où on a ses habitudes.

Ne pas se bloquer et se dire qu’on est limité à une histoire, un genre…

Penser aux essais de design que font les dessinateurs, les créateurs des films. On peut jeter des idées sur le papier pour s’amuser, sans que ça ait besoin d’être publiable.

Episode 54 : season 9 capstones

Ce qui a changé pour les auteurs du podcast, ce qu’ils ont appris au cours de l’année.

L’article Writing excuses, Saison 9, épisodes 43 à 54 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Saison 9 du podcast « Writing excuses », « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». 15 minutes donc pour discuter de techniques d’écriture, du meilleur moyen d’écrire romans et nouvelles et de les corriger. Animé par Brandon Sanderson, Dan Wells, Howard Tayler et Mary Robinette Kowal

Episode 32 : adjusting proactivity

Épisode en relation avec la théorie des trois barres, développée dans l’épisode 13. Comment rendre un personnage plus ou moins proactif, selon qu’on veuille le rendre plus ou moins attirant pour le lecteur.

Comment rendre un personnage plus proactif :

— En général, dans les histoires « classiques », le personnage principal n’est pas proactif, car il est content de son sort. L’élément perturbateur est extérieur : l’antagoniste, qui force le personnage principal à réagir.

— Quand le personnage se met à réagir, c’est un bon moyen de le rendre proactif (il essaye de contrer le méchant).

— Pour le rendre plus proactif : lui donner des buts, il veut quelque chose que l’antagoniste refuse. Même si le personnage au départ a l’impression que tout va bien, faire comprendre qu’en réalité, il n’est pas entièrement satisfait (même s’il ne sait pas encore ce qu’il veut vraiment). Ex. Le Hobbit qui découvre qu’il a envie de partir à l’aventure.

— Donner au personnage le choix de refuser l’action et de repartir à son ancienne vie. S’il ne retourne pas à son ancienne vie et choisit volontairement l’action, cela le rendra plus actif.

Épisode 33 : microcasting

Dans le quotient MICE, comment écrire une idée de Milieu et partir vers une idée de personnage ?

Commencer par un conflit qui oppose le Milieu au personnage, puis après, introduire des conflits entre les personnages ? (Ex histoires « hommes contre la nature »).

Quelques conseils pour relire avec efficacité ?

Ne pas se presser, ne pas sauter du texte. Pour se forcer à ralentir, cacher le texte et le découvrir au fur et à mesure qu’on le lit. Relire à voix haute. Relire à l’envers, pour corriger la ponctuation.

Faut-il écrire une heure tous les jours pour progresser, quoi qu’on écrive ?

Oui, et non. Oui, il est important d’écrire avec régularité, mais d’une part, écrire un mail ou un article de blog ne vous fera pas progresser dans l’écriture d’un roman. D’autre part, on peut avoir besoin de plus d’une heure pour être vraiment efficace (Ex : Brandon Sanderson qui dit avoir plutôt besoin d’un bloc de 4h tous les 4 jours, que d’une heure tous les jours).

Tout dépend du rythme d’écriture qu’on a, du temps qu’on peut rester sans écrire sans perdre ses « muscles d’écriture ».

Foreshadowing (l’art d’annoncer un évènement par de subtils indices) : peut-on placer correctement tous les indices dès le premier jet ?

Non. Le premier jet sert à placer les éléments de l’histoire, pour le foreshadowing, les corrections servent à essayer de remettre tout ça dans l’ordre.

Quels exercices d’écriture à pratiquer régulièrement ?

Quand on attend, s’entraîner à décrire l’endroit où on se trouve. La méthode Phillip K. Dick pour le Maître du haut château : dès qu’il arrivait à un moment important, il consultait le livre du Yi Qing pour savoir quoi faire ensuite. Bon exercice d’écriture : imposer une dose d’aléatoire.

Episode 34 : Scifi as education

Podcast sur l’art de faire apprendre des faits scientifiques en leur faisait lire de la SF.

Dans une histoire, comment bien faire passer une explication scientifique, sans barber ou perdre le lecteur ? Bien choisir le personnage : Orson Scott Card préconise de choisir le personnage qui a le plus à perdre ou à gagner.

Episode 35 : What to do when you disagree with your editor

Que faire quand on n’est pas d’accord avec son éditeur ?

— Ça arrive, et ce n’est pas un drame.

— Il faut se comporter de manière professionnelle, rester courtois, mais ne pas hésiter à se montrer ferme si on sent que ça ne va pas du tout marcher.

— Ne pas s’arcbouter sur ses positions et offrir à l’éditeur des alternatives au problème.

— Bien réfléchir : est-ce qu’on est prêt à faire des concessions ? Si oui, lesquelles ? Qu’est-ce qu’on veut absolument garder ?

— Il faut garder à l’esprit qu’un éditeur est un professionnel avec de l’expérience. S’il soulève un problème, il a sûrement raison (même s’il a tort sur ce qui cloche dans l’histoire, il a remarqué que quelque chose cloche, et donc, il faut le retravailler).

— Ne pas hésiter à voir la personne, ou à l’appeler pour en parler. L’inconvénient des échanges à l’écrit, c’est que le ton peut monter assez vite. C’est mieux d’avoir la personne en direct pour en parler, pour désamorcer les tensions.

Episode 36 : Writing instruction

Comment aider d’autres écrivains ?

Tout le monde peut apprendre à écrire (c’est comme apprendre à faire du vélo). Après, il appartient à l’écrivain de travailler, de se perfectionner, et de s’accrocher.

Tout le monde raconte des histoires, on apprend par des histoires. Pour apprendre à écrire, commencer par ces histoires du quotidien, pour décortiquer la manière dont une histoire fonctionne (les personnages, la narration).

Pour les écrivains des genres de l’imaginaire : apprendre à se concentrer sur autre chose que sur la construction du monde (qui a tendance à prendre trop d’importance pour les débutants).

Des exercices à faire :

— Créer un univers, décrire un décor.

— Décrire les personnages

— Faire s’engueuler deux personnages et leur donner une voix propre.

Épisode 37 : training a critique groupe

Quelques règles pour un groupe de critique :

— être poli, surtout quand on est dans un groupe en ligne.

— Quand on reçoit une critique, la seule chose qu’on peut dire est « merci », ou éventuellement, demander des précisions sur quelque chose que le lecteur n’a pas compris. S’il n’aime pas, ou n’a pas compris quelque chose, c’est qu’il faut modifier l’histoire.

— Un commentateur n’est pas là pour réécrire l’histoire, mais pour donner à l’auteur un feed-back sur ce qui fonctionne et ne fonctionne pas. Attention à ne pas essayer de réécrire l’histoire, parce que souvent, on a tort.

— Établir des règles claires (sur l’admission, sur la manière de critiquer).

— Le groupe finit toujours par mourir, ou se transformer. Des gens partent, des gens arrivent…

Épisode 38 : questions and answers

— Peut-on continuer à faire des critiques, bonnes ou mauvaises, quand on est un écrivain publié ?

Les auteurs du podcast ont pour règle de ne critiquer que ce qu’ils ont aimé, et de ne rien dire sur les livres qu’ils n’ont pas aimés.

— Comment faire quand on écrit, et qu’on est obsédé par son roman, qu’on ne parle plus que de ça ?

Établir avec sa famille des règles de fonctionnement, se ménager du temps où l’on se consacre à sa famille.

— Comment créer des créatures originales et vraiment effrayantes ?

Réfléchir à ce qui nous fait peur. Pour un adulte, la peur naît souvent de la perte de contrôle. Réfléchir à quel point la créature est similaire à un être humain, une créature qui ressemble à un humain, mais se révèle n’en être pas un est effrayante. Les histoires qu’on entend, les rumeurs, sont souvent plus effrayantes que la créature en elle-même.

— Comment se faire des contacts lors des salons et des conventions ?

Ne pas commencer par parler business, se rappeler que les personnes qui sont à ces salons sont des fans des mêmes genres que l’auteur, commencer par nouer contact au sujet des choses qu’ils aiment.

Episode 39 : Publicity for book

La publicité traditionnelle coûte bien trop cher pour être rentable. Pour faire la pub d’un livre, il faut trouver d’autres moyens de le faire connaître.

Les sections littéraires des journaux se sont réduites comme peau de chagrin, du coup, les blogs, les podcasts, et le bouche-à-oreille sont devenus les moyens les plus efficaces pour promouvoir un livre.

Ne pas hésiter à écrire d’autres choses que de la fiction : des critiques, des articles de blogs… de manière se faire connaître.

Episode 40 : Understanding how royalties work

Les royalties correspondent à un pourcentage du prix de vente du livre. Il peut arriver que le pourcentage augmente en fonction du nombre de livres vendus (ex : 10 % pour les 5 000 premiers, quand on passe le seuil, on augmente à 12,5 %).

Les à-valoir : de l’argent avancé par l’éditeur sur les ventes que fera le livre (on estime combien il va vendre.

Une fois que le montant des à-valoir est dépassé, l’éditeur commence à payer des royalties.

Épisode 41 : Fan writing

« Fan writer » : les écrivains qui écrivent, mais sans être rémunérés (ex dans les magazines, les fanzines…).

La distinction est importante aux États-Unis, parce que certains prix littéraires comme les Hugo ont des prix récompensant les meilleurs Fan Writers.

Épisode 42 : Conventions authors relationships

Les organisateurs des conventions et les auteurs n’ont pas toujours les mêmes buts. Mais, les organisateurs de convention sont toujours à la recherche de « talents » pour animer des tables rondes.

Les conventions sont l’occasion se rassembler une communauté de fans, qui cherchent à discuter et échanger, plutôt qu’à vendre et acheter.

L’article Writing excuses, saison 9, épisodes 32 à 42 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

1. Écrire tous les jours

C’est bête à dire, mais même si vous n’écrivez qu’une demi-page, vous avancerez beaucoup plus vite. Une demi-page, plus une demi-page, ça fait rapidement un roman. En plus, une fois qu’on a pris l’habitude d’écrire tous les jours, on parvient à se mettre dans le bain plus rapidement. Finis ces grands moments d’angoisse devant la page blanche (enfin, finis, presque… disons que ça arrive moins souvent).

Alors je sais, plus facile à dire qu’à faire. On n’a pas toujours le temps. La fatigue est à prendre en compte et des fois, l’inspiration refuse de venir. Pas de panique, des solutions existent.

2. Déconnecter le « chahuteur interne »

La formulation n’est pas de moi, mais du podcast Writing Excuses, qui détaille le « internal heckler » dans cet épisode. (Compte-rendu en français ici)

En gros, ce « chahuteur interne » est cette petite voix qui vous dit que la phrase que vous venez d’écrire est vraiment bancale, que vous avez fait plein de fautes, que l’histoire ne tient pas debout, que de toute façon, vous n’arriverez jamais à rien…

Je pense qu’on a tous cette angoisse de se lancer. Mes histoires ont toujours l’air tellement bien dans ma tête et tellement décevantes quand je commence à les écrire. La tentation de tout effacer pour tout réécrire est grande, mais je lutte. Je déconnecte cette partie de mon cerveau qui a tendance à tout voir en noir et j’écris / je corrige sans me retourner.

Pas la peine de s’autoflageller, les bêtas lecteurs sont là pour vous dire quand ce que vous écrivez est mal, et à l’inverse, quand ce que vous faites est bien. Alors faites-moi le plaisir de faire taire cette petite voix qui vous empêche d’écrire.

3. Se réserver du temps

« Je n’ai pas le temps d’écrire ». C’est une phrase qui revient souvent et je sais à quel point le manque de temps peut poser problème. Entre les études, le travail, la famille, les amis, le poids du quotidien, difficile de s’en tirer. Mais si on veut vraiment écrire, il ne faut pas avoir du temps, il faut le prendre.

Trouvez les heures de la journée où vous êtes le plus efficace et le plus disponible intellectuellement. Certains se lèvent plus tôt le matin pour écrire avant de partir au travail, ou rentabilisent leur trajet en transport en commun (comme Rachel Fleurotte, auteur de la Septième prophétie, qui écrit dans le bus). D’autres écrivent tard le soir, moi je rentabilise ma pause du midi en général. Une fois que vous avez déterminé quel moment vous convient le mieux, bloquez cette plage horaire. Ce sera votre moment d’écriture.

Bien sûr, ce temps d’écriture risque de réclamer quelques sacrifices : j’ai sérieusement réduit mon temps de dessin, je regarde moins la télé, et je ne joue pas aux jeux vidéo pour préserver mes plages d’écriture.

Se réserver du temps pour écrire, ça veut aussi dire se couper des réseaux sociaux quand on veut avancer, ne pas trop traîner sur Facebook, Twitter, Instagram, et fuir comme la peste les sites chronophages comme Démotivateur et autres. N’hésitez pas à couper Internet quand vous écrivez, ou à carrément vous installer dans un endroit dépourvu de toute tentation et de toute borne Wifi.

 4. Se fixer des objectifs

C’est un autre truc que j’ai appris au fil des ans, notamment en participant à l’expérience Nanowrimo : on avance beaucoup plus vite en se fixant des objectifs.

Alors attention, il s’agit de défis réalisables, pas question d’essayer de décrocher la lune ou d’écrire un roman de 600 000 mots en trois jours. L’ambition, c’est bien, mais à force d’en vouloir trop, on finit par se décourager.

Demandez-vous franchement ce qui vous ferait plaisir (terminer ce roman que vous avez en cours depuis un moment, écrire cette nouvelle…) et fixez-vous un objectif clair, et une deadline. Ce dernier point est assez important, car je trouve qu’on n’avance jamais mieux que quand on a une échéance. Allez, on a tous attendu la dernière ligne droite pour rendre ce devoir de math ou cette dissertation de français… Eh bien pour l’écriture, c’est pareil, la deadline donne ce petit coup de fouet qui permet de passer du « bof, j’ai bien le temps de le faire » à « ouh là, il faut vraiment que je m’y mette. Allez zou, séance d’écriture ».

Les objectifs peuvent être grands (écrire un roman, une série, un cycle, que sais-je ?), ou plus petits (écrire enfin cette fichue description qui vous bloque depuis des jours, corriger une nouvelle…). Certains se fixent même des « micros défis », genre écrire le maximum de mots en un quart d’heure (j’ai vu passer le défi sur Twitter, mais je ne me souviens plus qui l’a lancé).

 5. Ne pas rester seul

Dur, dur d’écrire tous les jours en plus du quotidien. Dur, dur de se donner des objectifs et surtout de s’y tenir. Les moments de découragement sont nombreux (surtout si l’on écoute son chahuteur interne). On doute, on se dit qu’on est nul/le, qu’on ne vaut rien, que de toute manière, cette histoire est pourrie. On commence à se comparer aux autres, les écrivains déjà publiés, ceux encensés par la critique. Bref, on sombre dans la déprime. C’est dans ces cas-là qu’il ne faut surtout pas rester seul.

L’écrivain est une bête solitaire, certes, mais de temps en temps, elle a besoin de compagnie. Heureusement pour vous, Internet est là et fourmille de forums, groupes et associations d’écrivains en herbe. Je suis inscrite depuis un peu plus de deux ans à l’Atelier d’écriture, où j’ai rencontré des gens supers. Je suis en contact avec certains membres en dehors du forum, on échange beaucoup, sur l’écriture, mais pas que, et je sais que si j’ai besoin d’un coup de pouce, d’un conseil, ou simplement de quelqu’un à qui parler, ils sont là (et c’est réciproque).

Sans vouloir jouer les Bisounours (spéciale dédicace aux AEtiens qui me liraient), l’entraide, c’est capital.

Outre vos amis du net, sachez aussi qu’il va falloir coacher un peu votre entourage. Que ce soit vos parents, familles, amis, ou votre conjoint/e, vous allez avoir besoin de leur soutien. Ce n’est pas toujours évident, parce que beaucoup pensent que l’écriture est un gentil passe-temps sans grand intérêt ni avenir, et ne comprennent pas pourquoi vous voulez y consacrer autant de temps. À vous de leur faire rentrer dans le crâne à quel point c’est important pour vous.

 6. Avoir toujours quelque chose sur le feu

Écrire est un travail de longue haleine, cela prend des années pour finaliser entièrement un roman, et parfois des mois pour peaufiner une simple nouvelle. À force de travailler toujours sur le même texte, on finit par se lasser et arriver au stade où on ne peut plus le voir en peinture et où on regrette même d’avoir commencé à l’écrire. Pas terrible pour le moral, et pas génial pour avancer sur le texte en question.

Du coup, pour éviter ce genre de blocage, je m’arrange pour toujours avoir deux ou trois textes sur le feu. Pas plus, sinon je m’éparpille et j’ai l’impression de ne pas avancer. Je travaille toujours sur un seul roman à la fois, mais en général, je combine le travail sur le roman avec des textes plus courts ou éventuellement sur des travaux de correction et de mise en page. Ça me permet d’alterner et d’éviter l’effet ras-le-bol, et donc de continuer à avancer.

Voici donc mes quelques trucs pour rester productive, optimiser mon temps et continuer à avancer. Ce n’est pas facile tous les jours, il y a des moments de découragement, mais malgré tout, il y a la satisfaction du roman et de la nouvelle terminés les commentaires des lecteurs, et de temps à autre, la joie d’une publication. Et puis, il y a toujours ce roman, cette nouvelle, cette histoire qui continuent à trotter dans un coin de la tête et qui ne demandent qu’à sortir. De quoi occuper les prochaines années, en somme.

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Saison 9 du podcast « Writing excuses », « 15 minutes long, because you’re in a hurry, and we’re not that smart ». 15 minutes donc pour discuter de techniques d’écriture, du meilleur moyen d’écrire romans et nouvelles et de les corriger. Animé par Brandon Sanderson, Dan Wells, Howard Tayler et Mary Robinette Kowal

Episode 21 : Sanderson’s third law

Étendre ce qu’on a déjà, au lieu de créer quelque chose de nouveau.

Quand on crée un monde, de la magie… pour que ce soit vraiment immersif, il faut mieux travailler sur un sujet réduit, mais en profondeur, que s’éparpiller pour essayer de couvrir le plus de terrain possible.

Une règle en SF : si on introduit une nouvelle technologie, on doit l’utiliser plus d’une fois et de manière différente.

Attention toutefois à ne pas se concentrer sur juste une seule chose, au détriment des autres. On peut retenir une règle de géologie : vous n’avez pas envie de creuser un seul puits pour l’étudier, mais vous ne voulez pas en creuser des centaines de petits. Il faut en avoir quelques-uns suffisamment profonds et s’en contenter.

Episode 22 : Microcasting

Comment faire quand le personnage manque de motivations ?

C’est sûrement qu’on a loupé quelque chose au niveau du développement du personnage et de l’intrigue. Repartir en arrière et retravailler.

Comment persuader son conjoint que l’écriture est plus qu’un hobby ?

Le mieux est d’avoir une conversation sérieuse où on met tout sur la table. Il faut aussi prouver au conjoint que l’écriture est importante, en gardant du temps pour lui et en sacrifiant d’autres loisirs, jugés moins importants que l’écriture.

Comment vendre une suite à un éditeur ?

Réfléchir à comment vont évoluer les personnages, ce qu’on peut changer dans le background, ou aux répercussions des événements qui ont eu lieu dans le tome 1. Surtout, il faut écrire une histoire qui nous motive, sinon on n’arrivera jamais à rien.

Episode 23 : worldbuilding without breaking viewpoint

Comment utiliser un personnage qui a un point de vu limité, mais qui va traverser un monde très riche qu’on veut quand même décrire au lecteur.

En général, pour présenter un monde, on utilise un personnage extérieur (qui s’étonne, découvre), ou un personnage qui a des raisons de s’intéresser au monde et de le présenter (un scientifique…). On ne peut pas utiliser ces outils si on a un personnage qui fait partie du monde.

Pour présenter un phénomène, un aspect du monde : il faut que ce soit important pour l’histoire, de manière à ce qu’on puisse s’attarder sur le phénomène.

Si l’élément n’est pas important pour l’histoire, ou peut juste le mentionner en passant, ou l’intégrer au décor (Ex : ASOIAF, il n’y a pas de lune à Westeros).

On peut aussi jouer sur le langage, et les expressions idiomatiques, de manière à faire comprendre au lecteur l’une des particularités du monde.

Episode 24 : Sidequests

Les « quêtes secondaires ».

— Celle que le héros accomplit en parallèle de la quête principale

En apparence, ces quêtes n’ont pas de lien avec l’intrigue principale, mais très souvent, elles servent à faire avancer l’histoire, en faisant progresser le héros, en lui permettant de récupérer quelque chose…

Pour que cette quête marche, il faut qu’il y ait un enjeu pour le héros (qu’il risque de perdre quelque chose d’important).

— Les quêtes « bonus », qui n’apparaissent pas dans le livre

Plutôt des bonus, qui n’auraient pas leur place dans l’histoire.

Episode 25 : adjusting character sympathy

Cet épisode fait référence à l’épisode 13 et aux trois « jauges » qu’on attribue à un personnage pour le intéressant (degrés de sympathie, degrés de compétence et degrés de proactivité dans l’histoire).

Pourquoi voudrait-on diminuer la sympathie du lecteur pour un personnage ?

— S’il s’agit de l’antagoniste.

— S’il s’agit du protagoniste, mais qu’on veut lui faire commettre des erreurs pour ait à affronter des épreuves et grandisse.

— S’il s’agit d’un autre personnage, le rendre peu sympathique et l’opposer à un autre personnage peut rendre le 2^ème personnage plus attractif aux yeux du lecteur.

— Cela rend un personnage plus humain et plus réel, car il a des défauts.

Comment jouer sur la sympathie ?

— Jouer sur la distance. On va avoir plus de sympathie quand on est dans la tête du personnage.

— L’humour. Un personnage qui est drôle, qui a conscience de sa situation et n’hésite pas à se moquer de lui va plus facilement passer aux yeux du lecteur.

— L’admiration. Si le personnage a une qualité qu’on admire, et qu’on rêverait de posséder, il est plus simple de s’identifier à lui.

— L’altruisme. Il est facile d’aimer quelqu’un qui n’hésite pas à se sacrifier pour la bonne cause.

— L’opinion des autres personnages. Quand un personnage qu’on aime a une bonne opinion d’un autre personnage, cela peut jouer sur notre opinion de ce deuxième personnage.

— Les faiblesses. Quand un personnage est trop compétent, il est vite barbant. Ex : Mal dans Firefly. Il agit beaucoup, mais échoue de manière spectaculaire, sans pour autant cesser de se battre.

Du coup, pour rendre un personnage peu sympathique, il suffit d’appliquer la recette inverse.

Attention à ne pas trop forcer le trait, sinon on risque de provoquer l’effet inverse.

Episode 26 : Adjusting character competence

Fait référence à l’épisode 13 : comment on ajuste le niveau de compétence d’un personnage.

Pourquoi ne pas avoir un personnage ultracompétent ? Parce que c’est un personnage qui n’est pas toujours sympathique à lire, pour lequel on ne ressent rien, et qui n’a pas de marge d’évolution. Quand le personnage est trop compétent, il est difficile de créer du conflit.

On peut rendre un personnage compétent et attractif, en le rendant compétent dans un domaine et pas du tout dans un autre. Ex : Skyfall, Bond est ultracompétent quand il s’agit de baston, mais se trouve démuni face à Silva qui est un génie de l’informatique et de la manipulation.

Pour rendre un personnage compétent : confronter d’autres personnages au problème, et les faire échouer. Du coup, quand le personnage principal réussit, on comprend que c’est qu’il est vraiment bon.

Comment baisser le niveau de compétence d’un personnage ?

— Le faire rendre la situation pire par ses actions (le personnage a agi comme il pensait qu’il fallait le faire, et a aggravé les problèmes).

— Lui donner un antagoniste qui lui complique la tâche.

— Sortir le personnage de sa zone de compétence, et le confronter à un domaine où il est mauvais, et où il doit progresser.

Comment rendre un personnage compétent sans le transformer en Mary Sue ?

— Se rappeler que le personnage va devenir compétent à travers des épreuves, un voyage… S’il devient hyper compétent sans rien faire (et sans qu’il y ait de prix), ça ne marchera pas.

— Se rappeler que l’humour chez un personnage fera mieux passer la pilule.

Episode 28 : critiquing « Sixth the dust »

Episode 29 : critiquing “Sixth the dust”

Episode 30: critiquing “A fire heaven”

Episode 31 : critiquing “An honest death”

Episodes offrant une lecture critique des 4 nouvelles parues dans l’anthologie “Writing excuses”.

L’article Writing excuses, saison 9, episodes 21 à 31 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Episode 11 : Microcasting

Est-ce qu’un écrivain débutant doit réécrire ses romans en entier ?

On peut, mais il faut surtout se demander ce qu’on veut réécrire et ce qui fonctionne. Cela ne sert à rien de tout réécrire si on ne sait pas où on va et ce qui posait problème dans la première version.

Qu’est-ce qu’apporte un éditeur ?

Il aide pour la structure, pour corriger ce qui ne fonctionne pas. Il sait ce qui fonctionne en terme de vente.

Comment bien pitcher un roman ?

Le pitch : comme si un ado enthousiaste essayait de résumer son film préféré en quelques phrases. La réaction qu’on souhaite obtenir à la lecture du pitch est « je veux en savoir plus ».

Episode 12 : Microcasting

Comme se débarrasser de la peur d’écrire à propos de quelque chose qu’on ne connaît pas ? La peur n’est pas forcément une mauvaise chose, si on appréhende, ça nous forcera à bien faire nos recherches.

Comment savoir quand on fait de la « purple prose » (note : purple prose = un style complexe et ampoulé, où on s’écoute écrire plus qu’on ne raconte une histoire) ? Chercher à savoir si l’histoire justifie un style complexe ou si ce style va la desservir. Chercher à savoir si on utilise ce joli mot compliqué pour donner un style qui va servir l’histoire, ou juste parce qu’on a envie de montrer qu’on connaît ce joli mot compliqué.

Une petite règle : se limiter à trois éléments de description pour une chose (à moins qu’elle ait une importance capitale pour la suite), ne pas employer plus de deux adjectifs à la suite.

Episode 13 : three prongs of character developpement

Trois thématiques pour développer un personnage attrayant

— À quel point est-il sympathique ?

— À quel point est-il compétent ?

— À quel point est-il proactif dans l’histoire ?

Un bon personnage a un équilibre entre ces différents points (ex= sympathique, mais peu compétent. Hyper compétent, proactif, mais pas sympathique…).

Attention à ne pas avoir les trois « barres » à fond pour le personnage, sinon on se retrouve avec un archétype à la superman, super gentil, hyper fort et actif dans l’histoire, et le lecteur risque de ne pas se retrouver dans le personnage.

On peut tout à fait créer ce genre de personnages, mais pour qu’il soit intéressant à lire, il faut maximiser les conflits externes (en gros, qu’il lui arrive des choses horribles qu’il ne peut pas résoudre avec ses connaissances).

Quand un personnage ne fonctionne pas, que les lecteurs le détestent, se demander où il en est dans ce modèle, et laquelle de ces trois barres on pourrait augmenter pour le rendre plus attrayant aux yeux du lecteur, sans briser l’histoire.

Épisode 14 : how to express an opinion as a public figure

Règle n° 1 : ne pas se comporter comme un connard. On peut avoir des opinions, il faut savoir comment les faire connaître sans jouer à l’abruti.

Rentrer dans des polémiques bouffe du temps et de l’énergie. Se demander si on les a.

Episode 15 : Becoming a writer

Comment réagir à une mauvaise critique ? C’est dur à encaisser, surtout la première. Il ne faut pas se laisser abattre, surtout pas arrêter d’écrire. Si on a du mal à gérer, ne pas les lire, ou alors les lire plus tard, quand on est parti dans un autre projet.

Episode 16 : coming with a new ending

Que faire quand on réalise à mi-parcours que la fin qu’on avait prévu n’est pas la bonne?

— Prendre du recul, et réfléchir, notamment aux promesses qu’on a faites au lecteur, qui ne seront pas tenues par la suite.

— Ne pas hésiter à demander des avis extérieurs.

Attention à la tentation de repartir au début pour tout réécrire, on ne progresse jamais de cette manière et il faut se rappeler que la bonne fin est celle qui est écrite, pas celle qui dort dans votre crâne.

Episode 17 : Microcasting

Que faire quand on écrit, on écrit, mais qu’on ne publie rien ?

Il faut savoir que ça arrive à tout le monde, ce n’est pas une fatalité. Continuer à écrire, encore et encore, et surtout, lire.

Comme savoir qu’on utilise la voix passive et est-ce une mauvaise chose ?

Si on peut ajouter « par des zombies » à la fin de la phrase, alors c’est de la voix passive. La voix passive en elle-même n’est pas mauvaise, mais il ne faut pas en abuser car ça plombe le style.

Comment rendre plus forte encore la mort d’un personnage principal ?

Ça dépend de l’investissement émotionnel que le lecteur a dans le personnage (si l’aime, le déteste, le trouve agaçant…).

Episode 18 : Microcasting

Comment faire pour parler de sujets sensibles comme la guerre, le racisme, sans que l’histoire devienne un tract ?

Se concentrer sur les personnages, ce sont eux qui parlent, pas l’auteur. Avoir plusieurs points de vue sur le même sujet, mais pas forcément tout noir ou tout blanc (ex : un personnage sympathique, mais qui est en faveur de la guerre, parce qu’il pense qu’elle est juste, tandis qu’un autre, tout aussi sympathique, pointe les horreurs et les atrocités qui vont être commises).

Quel conseil donner à quelqu’un qui n’a jamais écrire et veut se lancer ?

Ecouter Writing Excuses et aller écrire. Lire beaucoup, notamment dans le genre où on veut écrire. Ne pas espérer la perfection, écrire s’apprend, et on fait tous des erreurs, on se plante, on essaye des choses qui ne fonctionnent pas.

Est-ce utile d’expérimenter sur de courts textes de nouvelles formes littéraires (écrire à la deuxième personne, n’écrire que du dialogue ?

Oui, car ça ouvre des possibilités, dont on pourra se resservir plus tard, dans d’autres textes.

Que faire des premiers jets de premiers romans qu’on a écrits ? Doit-on les réécrire, sachant qu’il y a de fortes chances pour qu’ils soient nuls, ou doit-on les laisser de côté ?

Ça dépend. Il faut savoir si on a envie d’écrire d’autres choses, besoin de se perfectionner à écrire le premier jet, ou alors si on a besoin d’apprendre à retravailler quelque chose de déjà existant. Le danger des deux méthodes : continuer à écrire et produire toujours des premiers jets sans jamais retravailler, ou au contraire, retravailler à l’infini un unique roman, sans jamais en être satisfait.

Comment savoir si on écrit trop vite ?

Pour les auteurs, ça n’existe pas vraiment, on écrit à son rythme. Par contre, on peut être trop rapide dans la soumission du manuscrit à des éditeurs (en gros, on a brûlé des étapes au lieu de laisser reposer et de retravailler).

Comment faire quand l’histoire qu’on a envie d’écrire a des problèmes (structure, cohérence…) ?

Réfléchir à ce qu’on veut vraiment pour l’histoire et quel effet on veut provoquer chez le lecteur (confusion…). Pour ça, il faut avoir de bons bêta lecteurs.

Episode 19 : Showing emotions

Comment montrer les émotions d’un personnage sans qu’ils en fassent trop.

La manière dont on montre les émotions d’un personnage dépend surtout du genre dans lequel on écrit et surtout pour qui on écrit (il faudra se montrer plus explicite pour un public plus jeune, tandis qu’un public adulte comprendra mieux le langage corporel et les non-dits).

Pour éviter que le personnage ait l’air de trop étaler ses émotions : éviter de trop décrire (il se sentait triste, elle était heureuse), mais montrer plutôt comment les émotions du personnage affectent ses actions.

Montrer que le personnage montre au monde une émotion différente de ce qu’il éprouve en réalité.

Ne pas hésiter à mettre de la distance entre le personnage et ses émotions : il a conscience de ce qu’il éprouve, peut éventuellement en parler avec humour…

Jouer sur les contrastes, entre ce que ressent le personnage et ce qui se passe à l’extérieur.

Episode 20 : Creator Vs creation

Quelquefois, quand on crée quelque chose, et les lecteurs en font quelque chose qu’on n’attendait pas. Tout ce qu’on écrit va avoir sa vie propre et sera perçu différemment par chaque lecteur.

Il faut se rappeler que les fans aiment discuter de leurs œuvres favorites, trouver des interprétations. S’en mêler ou tenter de les empêcher est mauvais pour l’œuvre et pour la réputation de l’auteur.

L’article Writing excuses, saison 9, épisodes 11 à 20 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.