Qu’est-ce que c’est, le 1er jet ? Tout simplement, la première version d’une histoire.  

C’est une étape importante, parce que c’est la première brique d’un projet, c’est très facile de se mettre une pression de dingue et de vouloir que tout soit parfait. 

Le 1er jet, pour moi, il a un seul mérite : c’est d’exister.  Ça ne va pas plus loin.  

C’est une ébauche qui permet de se sortir l’histoire de la tête. Il  va y avoir des choses qui seront bonnes, d’autres moyennes, d’autre qui ne vont pas marcher. Et ce n’est pas grave si ce n’est pas parfait. 

Parce qu’écrire une bonne histoire, c’est compliqué et ça implique de maîtriser beaucoup de paramètres différents (il faut une intrigue qui tienne la route, du rythme, de bonnes descriptions, des personnages fouillés, etc). Ecrire une histoire parfaite, c’est impossible à réaliser du premier coup.  

Et ça, tous les écrivains le savent :  écrire, c’est aussi réécrire.  Donc, pas la peine de se mettre la pression et de chercher la perfection immédiate.  

Donc, soyez bienveillants avec vous-même.  Ne vous jugez pas trop durement. Ne vous dépréciez pas. Même si vous doutez, même si vous avez l’impression que ce vous écrivez c’est de la merde, ne laissez pas court à ces pensées négatives.  Vous faites du mieux que vous pouvez à un instant T. 

Et je vous promets qu’une fois que vous aurez posé le mot « fin », vous vous sentirez plus léger et que vous aurez déjà accompli une bonne partie du travail (ne restera « plus que » les corrections, mais chut, on en reparle une autre fois ^^). 

L’article Dédramatiser le premier jet est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Ce livre est assez étrange et inclassable par certains côtés.

Il s’agit certes d’un livre sur l’écriture, d’un essai sur le rapport à la création, mais aussi des mémoires d’un auteur qui tente de déterminer comment il en est venu à écrire.

Ce n’est pas du tout un manuel d’écriture, même si Stephen King y délivre un certain nombre de conseils (si vous cherchez un livre de technique pure, passez votre chemin).

La première partie est plutôt une sorte de mémoire. King y détaille ses souvenirs d’enfance et d’adolescence, puis explique son parcours d’écrivain à l’âge adulte.

C’est vraiment plaisant à lire, c’est assez drôle, touchant également. C’est un témoignage sur le temps passé (King est né en 1947).

On y apprend pas mal de choses sur sa vie, notamment qu’il vient d’un milieu plutôt modeste, qu’il a été élevé par une mère célibataire et qu’il a vraiment (mais alors vraiment) galéré au début de sa carrière.

Franchement, j’ai beaucoup aimé cette partie, on y trouve le talent de King pour conter les choses de la vie quotidienne.

La deuxième partie est plutôt consacrée à l’écriture proprement dite.

Il y a des généralités, notamment sur les corrections et le style (pas révolutionnaire, mais une piqûre de rappel de temps en temps ne fait pas de mal).

Il y a des choses qui ne concernent pas vraiment les auteurs français (notamment sur les fanzines et tout le système des agents, encore peu répandu en France).

Sur certaines choses, je ne me suis pas retrouvée : King conseille d’écrire le premier jet d’une traite (là ok) et ensuite de réduire tout ça au moment des corrections. Moi personnellement, j’ai toujours tendance à étoffer un peu ma 2^ème version, probablement parce que j’écris le 1^er jet très rapidement.

Bon après, je suis moins bavarde que King, qui est quand même spécialiste des pavés ^^.

Mais il y a d’autres choses qui m’ont plus parlé. 

L’un des conseils qui m’a le plus marquée, c’est « écrivez porte fermée, corrigez porte ouverte ». Ça correspond tout à fait à ma manière de travailler.

J’écris le 1^er jet rapidement, comme je l’ai dit, et je le fais avant tout pour moi, pour me sortir l’histoire de la tête et la coucher sur le papier.

Quand je corrige par contre, je le fais déjà pour rendre l’histoire compréhensible, puis par la suite, en suivant l’avis de lecteurs extérieurs (merci, mes beta-lecteurs que je chéris).

J’aime beaucoup la maxime de King, parce qu’elle est percutante et parlante.

En résumé

Un livre que je conseille aux fans du maître, ou à ceux qui auraient envie de se frotter à un essai sur l’écriture.

L’article Ecriture, mémoire d’un métier, Stephen King est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Comme j’en parlais dans un précédent article, il n’est pas toujours facile de trouver du temps pour écrire, surtout au quotidien.

En septembre dernier, j’ai changé de travail et donc repris les transports en commun. Vu que je n’aime pas être inactive, j’ai décidé de mettre à profit ce temps pour écrire. Ça a été un peu dur au début, mais j’arrive à m’y tenir, et maintenant, ça fait partie de ma routine journalière.

Rachel Fleurotte, qui coécrit cet article, écrit dans le bus depuis des années. Sa série La 7^ème prophétie a en partie été rédigée dans le bus.

3

Nous avons toutes les deux des méthodes différentes : j’écris sur téléphone, elle sur papier, alors voici nos trucs et astuces. (Note : pour cet article, j’écris en normal, et Rachel en italique)

1. Déterminez avec quoi vous préférez écrire

J’écris sur téléphone, mais d’autres personnes préfèrent les tablettes. Rachel vous parlera plus spécifiquement de l’écriture sur papier, moi je reste sur les formats numériques.

— Écrire en numérique

Si vous choisissez le téléphone : il vous faudra un bon modèle, si possible avec un bon écran réactif et de la batterie (ça descend à une vitesse…). Personnellement, j’ai un Wiko, qui commence hélas à donner des signes de faiblesse, mais qui jusque-là, me sert fidèlement. Je trouve préférable d’avoir un téléphone avec un écran assez grand, c’est plus confortable pour lire et surtout pour écrire.

Côté clavier, j’ai installé Swiftkey, logiciel gratuit et compatible avec Android. Il est meilleur que le clavier Android de base, parce qu’il est évolutif et que sa prédiction n’est pas trop mal. Côté logiciel, j’ai testé Evernote, mais je ne suis pas hyper fan, je trouve qu’il est lent et plante assez souvent. J’écris sur Google drive, qui offre l’avantage de synchroniser les données. Il faut avoir un minimum de connexion pour arriver à ouvrir le document (enfin, ça va, même en RH, j’y arrive). Une fois que le document est ouvert, pas de soucis, on peut continuer à écrire dedans, il synchronise dès qu’il trouve un minimum de réseau.

À noter qu’il y a souvent un petit décalage de temps entre le moment où vous enregistrez quelque chose, mettons sur votre téléphone, et le moment où il apparaît quand vous consultez le document sur d’autres appareils (genre un PC). Je me suis fait quelques sueurs froides, mais au final, ça finit toujours par synchroniser.

Par contre, Google Drive est mieux pour de petits documents que pour des longs (pas plus de 20 pages). Pour les longs, le temps d’affichage est plus élevé et ça a tendance à laguer un peu. En plus, l’appareil ne garde pas en mémoire l’endroit où vous vous êtes arrêté : il repart du début.

Petit truc à savoir, si vous comptez utiliser votre téléphone en hiver, prévoyez des sous-gants pour éviter de vous geler les mains. J’utilise des gants de Decathlon qui sont adaptés pour l’écran tactile. Comptez 5 € pour une paire (pas de quoi vous ruiner, donc).

Les avantages du téléphone :

• On peut écrire à peu près n’importe où (notamment debout, ce qui m’arrive assez souvent vu que je prends le train aux heures de pointe).
• On l’a toujours avec soi.

Les inconvénients

• On est limité à de l’écriture pure. C’est assez compliqué de corriger ou réécrire un texte sur téléphone.
• La frappe est plus lente que sur un clavier classique.
• Il faut gérer la batterie.
• S’il flotte, oubliez le téléphone, même s’il est waterproof, l’écran tactile n’aime pas l’eau.

Je n’ai pas encore testé la tablette, mais je sais que des gens le font. Personnellement, c’est un peu gros à trimballer chaque jour dans son sac, mais je pense qu’on doit pouvoir corriger plus facilement un texte que sur téléphone.

— Écrire sur papier

À une époque, j’ai testé l’écriture sur ordinateur portable dans le bus, mais vu le temps de démarrage de l’ordinateur et la durée du trajet, je suis vite revenue à l’écriture sur carnet, qui permet de s’y mettre tout de suite.

Pour écrire dans les transports en commun sur un carnet, il faut bien choisir celui-ci : la taille est à adapter à ce qui vous convient le mieux, pour que vous puissiez le poser sur vos genoux ou sur votre sac, et aussi le ranger dans votre sac une fois arrivé à votre destination.

Un des impératifs pour moi est une couverture rigide, qui va vous servir de support (c’est important surtout quand le véhicule vous secoue, comme dans certaines rues pavées…).

J’avoue avoir une nette préférence pour les carnets lignés de la marque Paperblanks : certes, ils sont plus chers que d’autres, mais ils ont des couvertures rigides de qualité (et très belles, qui ressemblent parfois à des livres anciens, ce qui ne gâche rien) et sont aussi équipés, quel que soit leur format, d’une pochette collée sur l’intérieur de la couverture en fin de carnet, ce qui permet d’y glisser des documents (notamment votre plan si vous en avez besoin pour travailler, ce que je fais pour ma part). Ils existent en plusieurs formats, mes préférés sont les midis si je veux un bon support d’écriture, ou les minis si je préfère qu’ils ne prennent pas trop de place dans le sac. Un format intermédiaire, les slims (la largeur d’un mini avec la hauteur d’un midi) sont aussi un bon compromis.

Je conseille d’écrire plutôt au stylo bille ou au feutre gel, qui glissent mieux sur le papier (je n’ai jamais testé le stylo plume, mais je pense qu’il n’est pas très adapté pour ces conditions).

Une de mes astuces est de choisir un stylo quatre couleurs (aux couleurs classiques ou un peu plus flashy selon vos goûts – j’avoue une préférence pour écrire à l’encre violette, personnellement) : il me permet ainsi, sans changer de stylo, de pouvoir mettre des notes ou des remarques sur des points à retravailler, des informations à chercher, etc, afin de pouvoir continuer l’écriture de ma scène sans trop m’interrompre.

Un des avantages d’écrire à la main dans un carnet est de vous permettre une première correction quand vous recopiez votre texte (bon, certes, en contrepartie, cela vous demande également un peu de temps pour le recopier sur ordinateur, mais l’avantage compense l’inconvénient, pour moi).

Il m’arrive parfois d’avoir deux carnets avec moi dans mon sac : un carnet sur lequel je travaille mon texte en cours, et un autre carnet où je peux prendre diverses notes (des idées de textes ou de scènes, des informations sur des personnages, des éléments à chercher, etc.)

Dans le bus, je peux aussi faire des corrections sur des textes déjà écrits (il y a toujours un moment, dans mon processus d’écriture, où j’éprouve le besoin de corriger sur papier, car je repère mieux les fautes sur un texte imprimé que sur écran).

Dans ce cas-là, j’imprime mon texte sur des feuilles A4 en police de caractères 12, avec un interligne de 1,5 à 2 pour pouvoir insérer entre les lignes les corrections.

Selon mes besoins, j’imprime le texte en recto (si je dois réécrire certaines parties de la scène ou insérer une nouvelle partie, et dans ce cas, j’écris au verso) ou en recto verso quand il s’agit juste d’une relecture pour corriger les fautes.

Pour ces corrections, mes outils de travail préférés sont une pochette cartonnée format A5 à rabats, qui tient facilement dans un sac et est suffisamment rigide pour servir de support, et un stylo, et je plie les feuilles en deux pour travailler.

Les avantages du carnet :

• On peut toujours l’avoir avec soi.
• Il n’y a pas besoin de batterie, il est toujours prêt à être utilisé dès l’instant où vous avez un stylo.
• Vous pouvez les collectionner (une de mes passions) et ils vous permettent aussi de garder une trace de vos premiers jets.

Les inconvénients

• Il est difficile d’écrire en position debout, il faut donc avoir une place assise pour être à l’aise. Ce qui implique aussi que vous ne pouvez pas écrire sur le quai ou à l’arrêt de bus, et que la durée d’écriture se résume au trajet en lui-même.
• Il faut prendre le coup de main pour écrire dans toutes les situations, notamment avec les secousses qui modifient parfois un peu le résultat final ou font faire des ratures.
• Le texte écrit doit être recopié, la retranscription automatique d’un carnet sur l’ordinateur étant encore à ses débuts (Livescribe chez Moleskine) et plutôt chère (plus de 230 € pour le pack de base, plus les cahiers spéciaux)

2. La préparation

On va être clair, le matin, c’est dur de s’y mettre, le soir en rentrant, on est souvent claqué. Bref, se dire qu’on va écrire, ça tient parfois de la corvée.

Pour éviter ce démarrage difficile et arriver à écrire plus rapidement, je prépare toujours ma session du lendemain : je prépare mon document google drive en écrivant à l’avance une ou des phrases qui démarrent la scène que je vais écrire (pas plus de 50 mots). De cette manière, lorsque je reprends mon téléphone le lendemain, l’histoire est déjà attaquée et je suis dans le bain.

J’ai conscience que cette méthode marche bien pour moi, parce que je travaille avec un plan. Je sais déjà quel morceau de l’histoire je dois écrire à l’avance. Ça peut être plus compliqué effectivement pour quelqu’un qui travaille un peu plus à l’instinct, sans trame établie.

J’ai tendance à mettre de la musique pour me couper des bruits de l’extérieur, notamment des conversations des gens qui peuvent être source de distraction.

Pour pouvoir replonger directement dans l’écriture, je recopie dans le carnet la ou les dernières phrases du texte en cours, où je me suis arrêtée la veille, ce qui me permet d’enchaîner dès que j’ouvre le carnet, je les relis et je continue l’histoire.

J’ai également avec moi le plan général de l’histoire, ce qui me permet de suivre où j’en suis sur mes romans, et sur quelle scène je dois enchaîner quand j’en termine une.

Pour travailler mon texte sans être perturbée par les bruits qui m’entourent (dans un bus, ça résonne bien, surtout quand les gens le confondent avec une cabine téléphonique et parlent à voix haute sur leur portable…), je mets mon casque et une playlist adaptée à mon mode d’écriture, des musiques de films ou de séries.

Je reste concentrée sur mon carnet la plupart du temps, je ne relève la tête que brièvement, pour voir où j’en suis dans mon trajet, avant de m’y replonger.

3. Se fixer des objectifs

Grosso modo, je passe environ une heure par jour dans les transports en commun. J’ai donc fixé un objectif réalisable dans ce temps : 500 mots par jour. Au début, j’ai eu du mal, mais maintenant que je suis rodée, j’arrive à tenir mon objectif lors du trajet.

500 mots, ça peut paraître peu (c’est une page word, à peu près), mais si on le fait tous les jours, on voit peu à peu les résultats. Comme va vous le confirmer Rachel, ce qui compte vraiment, c’est la régularité.

J’ai du mal à me fixer des objectifs, d’autant que l’écriture manuelle est moins rapide que celle sur ordinateur. L’inspiration vient plus ou moins rapidement certains jours, et le temps de trajet est variable en fonction des embouteillages pour moi qui prends le bus.

Pour le temps d’écriture, il est entre 20 et 25 minutes par trajet, soit 40 à 50 minutes par jour, et je pense que je suis entre 500 et 1000 mots selon les jours (ce n’est qu’au recopiage que je peux le vérifier).

Plus que la performance, c’est la régularité qui compte, et cela permet d’instaurer une routine d’écriture et d’optimiser les temps de déplacement.

Dans les périodes de NaNoWriMo, cette méthode m’a permis d’avancer sans perdre trop de temps et de pouvoir atteindre l’objectif de 50 000 mots ou plus à fin novembre à chaque participation.

Nous espérons vous avoir été utiles, n’hésitez pas à aller voir les résultats de nos travaux dans les transports en commun (Catherine et Rachel), et si vous avez vous aussi des trucs et astuces que vous voulez partager, n’hésitez pas !

L’article Ecrire dans les transports en commun est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Contrairement aux autres saisons, cette saison de Writing excuses sera une master class d’écriture géante. Il y aura de la théorie et des exercices à faire, pour tous ceux qui veulent progresser en écriture.

Chaque mois sera consacré à un sujet, il y aura deux épisodes de théorie, un épisode d’exercice, et un épisode hors sujet.

On attaque maintenant le sujet épineux des corrections

Épisode 44 : comment est-ce que je répare ce qui est cassé ?

Reprendre son histoire, et se demander pour commencer si l’histoire tient la route, si les personnages sont agréables, si la fin est satisfaisante… On se concentre sur la structure, pas sur le phrasé.

On peut relire le livre, noter ses propres réactions. Si notre propre histoire nous barbe, ou ne nous paraît pas crédible, il y a peu de chances pour que le lecteur l’apprécie.

Ne pas hésiter à faire appel à des bêtas lecteurs. Leur demander ce qu’ils pensent tout au long du texte.

Si on a pris des notes au fur et à mesure de l’écriture, on repart des notes qu’on a prises.

Ne pas hésiter à retourner l’histoire dans tous les sens, à mettre en couleur les interventions des différents personnages, ça peut permettre de voir ce qui cloche.

Exercice

Choisir 6 couleurs, une pour les 5 sens, une pour le mouvement, et colorer le manuscrit sur lequel on travaille, pour voir l’équilibre entre les différents sens et le mouvement.

Épisode 45 : Questions et réponses

Comment écrire un personnage d’une minorité (raciale ou sexuelle) quand on n’appartient pas à cette minorité et qu’on ne veut pas tomber dans le cliché ?

On fait beaucoup, beaucoup de recherches. On interroge des gens, on voit ce qui a été fait par le passé. On se met à la place du personnage, on tente de comprendre comment il/elle réfléchit.

Sachant ce qu’ils savent maintenant, quels conseils donner à un jeune auteur qui débute et qui voudrait percer ?

Il y a une grosse part de chance, et de travail. Il faut aussi mieux connaître le business, ne pas se limiter à un champ d’écriture. Il faut continuer à écrire que se rappeler qu’une lettre de rejet n’équivaut pas à une validation négative de son travail.

Comment annoncer un plotwist sans le téléphoner ?

Il faut le considérer comme un jeu où on doit avoir un coup d’avance sur le lecteur. Semer les indices de manière à ce qu’il ne puisse pas comprendre ce qui se passe avant les derniers chapitres.

Comment sait-on quand il faut relire une deuxième ou troisième fois, ou qu’il faut réécrire totalement ?

Il faut être attentif, notamment aux parties où on n’est pas sûr. Il ne faut pas hésiter à y revenir.

Au départ, on arrive à un moment où on n’a pas les compétences nécessaires pour retravailler. Il faut se dire qu’on s’améliorera toujours, l’important, c’est de faire le mieux qu’on peut à un moment donné.

Épisode 46 : comment est-ce que je rends ça joli ?

Comment améliorer la prose et la manière dont on raconte.

Les choses à regarder

― Les endroits où les lecteurs ont dit qu’ils s’étaient ennuyés, c’est un endroit où il faudrait couper des choses.

― Tell and show, au lieu de show and tell.

― Les moments où la prose attire l’attention du lecteur sur la manière dont l’histoire est écrite, alors qu’on en a pas envie.

― Les répétitions, les moments où la structure narrative se répète.

― Les moments où les lecteurs sont paumés (ce qui veut sûrement dire qu’il manque des informations, ou que c’est mal expliqué).

― Les descriptions : si elles sont trop pauvres, on peut les étoffer avec les détails sensoriels.

― Relire en utilisant la rythmique d’une lecture vocale : on compte 1 pour une virgule, 2 pour un point, 3 pour un paragraphe.

― Chercher les informations négatives : « il ne dit rien », « elle ne bougea pas », les informations qui n’apportent rien, en fait.

― Changer la police et la taille, pour tromper le cerveau et le forcer à nouveau à relire le texte sous un autre angle (changer de Times New Roman à Courrier).

Exercice : prendre un texte qu’on a écrit, et essayer d’en retirer 10 %, en ciblant les choses inutiles.

Épisode 47 : questions et réponses sur les corrections

À quel moment peut-on jeter aux oubliettes un texte qu’on n’aime pas du tout ?

Il y a toujours un moment où le texte nous sort par les yeux. Soit on le laisse de côté, et on le reprend plus tard (ne jamais rien jeter, ça pourra toujours resservir). Ou, on le fait lire à quelqu’un de confiance, qui nous dira exactement ce qui va et ce qui ne va pas.

Que faire quand on a l’impression que les corrections qu’on fait empirent le truc ?

D’où l’importance de sauvegarder ses brouillons et toutes les modifications qu’on fait.

Quand on sent que ça ne va pas, qu’on fait pire que mieux, il vaut mieux abandonner le projet, le mettre de côté, faire autre chose, se changer les idées, et reprendre l’ensemble avec un œil neuf.

Si on ne peut pas identifier le problème avec le texte, c’est peut-être qu’il n’y en a pas, et qu’on a simplement une crise de confiance.

Comment éviter de trop écrire pendant qu’on fait les corrections ?

La Purple prose des anglais : quand on écrit pour ne rien dire, avec une prose trop chargée.

Il faut rester au plus près des personnages, de leur point de vue, utiliser leur « voix » pour limiter ces effets.

Exercice : Relire son texte à voix haute.

Épisode 48 : lumière sur le projet « The devil’s best friend »

Discussion autour du tome 4 de la série John Cleaver de Dan Wells.

Le mois prochain : le processus de soumission

L’article Writing excuses, les corrections est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Contrairement aux autres saisons, cette saison de Writing excuses sera une master class d’écriture géante. Il y aura de la théorie et des exercices à faire, pour tous ceux qui veulent progresser en écriture.

Chaque mois sera consacré à un sujet, il y aura deux épisodes de théorie, un épisode d’exercice, et un épisode hors sujet.

Ce mois-ci, on parle de la fin d’un roman. 

Épisode 40 : quelle est la différence entre s’arrêter et écrire une fin ?

S’arrêter : stopper, mais ça risque de ne pas être très satisfaisant.

Écrire une fin : répondre aux questions et aux promesses qu’on a lancées.

La différence entre la fin d’une nouvelle et d’un roman. Mary Kowal fait une analogie entre regarder les clips d’une compétition de gym (on s’attend à ce que ça commence quand la gymnaste entame sa séquence, et ça finit sur le dernier mouvement) et regarder la compet au complet (où on s’attend à voir l’échauffement, la préparation, avoir l’histoire de l’athlète et que ça finisse après sa séquence, quand on sait si elle a gagné ou pas.

Étude de la fin de Harry Potter et de pourquoi elle a divisé les fans.

Exercice : prendre un de ses romans, et écrire une fin à la Harry Potter, qui dit ce que sont devenus les personnages. Puis, revenir en arrière, retirer cette fin, réécrire un épilogue dans le présent mais qui permette au lecteur de se projeter dans le futur et d’imaginer ce que les personnages vont devenir.

Épisode 41 : Le compas moral d’un personnage

Au départ, la fantasy utilise beaucoup de personnages manichéens, mais au fil des ans, des personnages plus gris sont arrivés. Pour commencer, il faut déterminer où se situe le personnage : plutôt bon ou plutôt mauvais ? Veut-on nuancer ? Veut-on rester dans une opposition classique ?

Comment écrire un bon personnage avec des nuances de gris ? Comment le faire changer ?

Il faut réfléchir aux raisons pour que les personnages fassent des choses discutables (alors que c’est plutôt un gentil), ou des choses morales (alors que c’est plutôt un méchant). Les personnages sont confrontés à des choix, qui vont les changer.

Pour changer un personnage, on commence par de petites choses, où il se dit « non, c’est pas si grave », et qui vont préparer les changements plus profonds.

Exercice : prendre le personnage le plus moral et le mettre dans une situation qui le mette en danger, écrire ce qui vient.

Épisode 42 : comment est-ce que je relie ça ensemble ?

Comment sait-on que la fin n’est pas bonne ? Comment fait-on pour réparer ça ?

On sait que la fin n’est pas satisfaisante, parce qu’elle ne répond pas à toutes les questions, qu’elle laisse une sensation de non-satiété, parce que les lecteurs le font remarquer.

Pour réparer ça : regarder si on répond bien à toutes les questions suscitées dans le livre. Réfléchir à l’enchaînement des scènes de fin.

Comment faire pour une fin triste ?

Une fin triste se prépare : le héros prend des décisions qui vont amener à la fin. Une fin triste marche, si le héros gagne quand même quelque chose au passage, mais perd beaucoup (ex. Il bat le méchant, sauve les gens, mais perd l’amour de sa vie).

Exercice : prendre le texte sur lequel on travaille. Voir le 1^er et le dernier paragraphe, et voir s’il y a des images qui se retrouvent, si les deux entrent en résonnance.

Épisode 43 : questions et réponses sur les fins

Pourquoi plus de nouvelles que de romans finissent sur une note tragique ?

Une nouvelle est plus courte, et la fin aura plus de résonnance.

Comme empêche-t-on une fin d’être trop prévisible ?

Que la fin soit prévisible n’est pas forcément une mauvaise chose, car on joue sur l’effet d’attente du lecteur. On peut surprendre le lecteur avec l’intensité de l’émotion

Comment écrire la fin d’un one-shot, mais en laissant de la place pour une suite, si on a envie ?

Établir que le monde est plus large que ce qu’on a vu dans le roman. Faire comprendre au lecteur que le/les personnage/s ont d’autres intérêts que ce qu’on a exploré dans le 1^er tome. Laisser des questions non résolues.

Comment éviter l’info dump à la fin d’un livre ?

Réfléchir au moment où l’intrigue est vraiment résolue. S’arrêter là. Si on a le besoin d’expliquer la fin avec ça, c’est qu’elle était mal préparée.

Comment savoir si la fin est satisfaisante ou pas ?

Malheureusement, c’est dur à savoir seul. Il vaut mieux confier à un bêta lecteur de confiance.

Quelle différence entre la 1^ère et la dernière ligne ?

Les 1ères lignes servent à « vendre » le livre, à accrocher le lecteur. La dernière doit résumer le livre, et éventuellement, donner envie de lire la suite.

C’est bien de faire un parallèle entre la 1^ère et la dernière ligne.

L’article Writing excuses : les fins est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

1. Écrire tous les jours

C’est bête à dire, mais même si vous n’écrivez qu’une demi-page, vous avancerez beaucoup plus vite. Une demi-page, plus une demi-page, ça fait rapidement un roman. En plus, une fois qu’on a pris l’habitude d’écrire tous les jours, on parvient à se mettre dans le bain plus rapidement. Finis ces grands moments d’angoisse devant la page blanche (enfin, finis, presque… disons que ça arrive moins souvent).

Alors je sais, plus facile à dire qu’à faire. On n’a pas toujours le temps. La fatigue est à prendre en compte et des fois, l’inspiration refuse de venir. Pas de panique, des solutions existent.

2. Déconnecter le « chahuteur interne »

La formulation n’est pas de moi, mais du podcast Writing Excuses, qui détaille le « internal heckler » dans cet épisode. (Compte-rendu en français ici)

En gros, ce « chahuteur interne » est cette petite voix qui vous dit que la phrase que vous venez d’écrire est vraiment bancale, que vous avez fait plein de fautes, que l’histoire ne tient pas debout, que de toute façon, vous n’arriverez jamais à rien…

Je pense qu’on a tous cette angoisse de se lancer. Mes histoires ont toujours l’air tellement bien dans ma tête et tellement décevantes quand je commence à les écrire. La tentation de tout effacer pour tout réécrire est grande, mais je lutte. Je déconnecte cette partie de mon cerveau qui a tendance à tout voir en noir et j’écris / je corrige sans me retourner.

Pas la peine de s’autoflageller, les bêtas lecteurs sont là pour vous dire quand ce que vous écrivez est mal, et à l’inverse, quand ce que vous faites est bien. Alors faites-moi le plaisir de faire taire cette petite voix qui vous empêche d’écrire.

3. Se réserver du temps

« Je n’ai pas le temps d’écrire ». C’est une phrase qui revient souvent et je sais à quel point le manque de temps peut poser problème. Entre les études, le travail, la famille, les amis, le poids du quotidien, difficile de s’en tirer. Mais si on veut vraiment écrire, il ne faut pas avoir du temps, il faut le prendre.

Trouvez les heures de la journée où vous êtes le plus efficace et le plus disponible intellectuellement. Certains se lèvent plus tôt le matin pour écrire avant de partir au travail, ou rentabilisent leur trajet en transport en commun (comme Rachel Fleurotte, auteur de la Septième prophétie, qui écrit dans le bus). D’autres écrivent tard le soir, moi je rentabilise ma pause du midi en général. Une fois que vous avez déterminé quel moment vous convient le mieux, bloquez cette plage horaire. Ce sera votre moment d’écriture.

Bien sûr, ce temps d’écriture risque de réclamer quelques sacrifices : j’ai sérieusement réduit mon temps de dessin, je regarde moins la télé, et je ne joue pas aux jeux vidéo pour préserver mes plages d’écriture.

Se réserver du temps pour écrire, ça veut aussi dire se couper des réseaux sociaux quand on veut avancer, ne pas trop traîner sur Facebook, Twitter, Instagram, et fuir comme la peste les sites chronophages comme Démotivateur et autres. N’hésitez pas à couper Internet quand vous écrivez, ou à carrément vous installer dans un endroit dépourvu de toute tentation et de toute borne Wifi.

 4. Se fixer des objectifs

C’est un autre truc que j’ai appris au fil des ans, notamment en participant à l’expérience Nanowrimo : on avance beaucoup plus vite en se fixant des objectifs.

Alors attention, il s’agit de défis réalisables, pas question d’essayer de décrocher la lune ou d’écrire un roman de 600 000 mots en trois jours. L’ambition, c’est bien, mais à force d’en vouloir trop, on finit par se décourager.

Demandez-vous franchement ce qui vous ferait plaisir (terminer ce roman que vous avez en cours depuis un moment, écrire cette nouvelle…) et fixez-vous un objectif clair, et une deadline. Ce dernier point est assez important, car je trouve qu’on n’avance jamais mieux que quand on a une échéance. Allez, on a tous attendu la dernière ligne droite pour rendre ce devoir de math ou cette dissertation de français… Eh bien pour l’écriture, c’est pareil, la deadline donne ce petit coup de fouet qui permet de passer du « bof, j’ai bien le temps de le faire » à « ouh là, il faut vraiment que je m’y mette. Allez zou, séance d’écriture ».

Les objectifs peuvent être grands (écrire un roman, une série, un cycle, que sais-je ?), ou plus petits (écrire enfin cette fichue description qui vous bloque depuis des jours, corriger une nouvelle…). Certains se fixent même des « micros défis », genre écrire le maximum de mots en un quart d’heure (j’ai vu passer le défi sur Twitter, mais je ne me souviens plus qui l’a lancé).

 5. Ne pas rester seul

Dur, dur d’écrire tous les jours en plus du quotidien. Dur, dur de se donner des objectifs et surtout de s’y tenir. Les moments de découragement sont nombreux (surtout si l’on écoute son chahuteur interne). On doute, on se dit qu’on est nul/le, qu’on ne vaut rien, que de toute manière, cette histoire est pourrie. On commence à se comparer aux autres, les écrivains déjà publiés, ceux encensés par la critique. Bref, on sombre dans la déprime. C’est dans ces cas-là qu’il ne faut surtout pas rester seul.

L’écrivain est une bête solitaire, certes, mais de temps en temps, elle a besoin de compagnie. Heureusement pour vous, Internet est là et fourmille de forums, groupes et associations d’écrivains en herbe. Je suis inscrite depuis un peu plus de deux ans à l’Atelier d’écriture, où j’ai rencontré des gens supers. Je suis en contact avec certains membres en dehors du forum, on échange beaucoup, sur l’écriture, mais pas que, et je sais que si j’ai besoin d’un coup de pouce, d’un conseil, ou simplement de quelqu’un à qui parler, ils sont là (et c’est réciproque).

Sans vouloir jouer les Bisounours (spéciale dédicace aux AEtiens qui me liraient), l’entraide, c’est capital.

Outre vos amis du net, sachez aussi qu’il va falloir coacher un peu votre entourage. Que ce soit vos parents, familles, amis, ou votre conjoint/e, vous allez avoir besoin de leur soutien. Ce n’est pas toujours évident, parce que beaucoup pensent que l’écriture est un gentil passe-temps sans grand intérêt ni avenir, et ne comprennent pas pourquoi vous voulez y consacrer autant de temps. À vous de leur faire rentrer dans le crâne à quel point c’est important pour vous.

 6. Avoir toujours quelque chose sur le feu

Écrire est un travail de longue haleine, cela prend des années pour finaliser entièrement un roman, et parfois des mois pour peaufiner une simple nouvelle. À force de travailler toujours sur le même texte, on finit par se lasser et arriver au stade où on ne peut plus le voir en peinture et où on regrette même d’avoir commencé à l’écrire. Pas terrible pour le moral, et pas génial pour avancer sur le texte en question.

Du coup, pour éviter ce genre de blocage, je m’arrange pour toujours avoir deux ou trois textes sur le feu. Pas plus, sinon je m’éparpille et j’ai l’impression de ne pas avancer. Je travaille toujours sur un seul roman à la fois, mais en général, je combine le travail sur le roman avec des textes plus courts ou éventuellement sur des travaux de correction et de mise en page. Ça me permet d’alterner et d’éviter l’effet ras-le-bol, et donc de continuer à avancer.

Voici donc mes quelques trucs pour rester productive, optimiser mon temps et continuer à avancer. Ce n’est pas facile tous les jours, il y a des moments de découragement, mais malgré tout, il y a la satisfaction du roman et de la nouvelle terminés les commentaires des lecteurs, et de temps à autre, la joie d’une publication. Et puis, il y a toujours ce roman, cette nouvelle, cette histoire qui continuent à trotter dans un coin de la tête et qui ne demandent qu’à sortir. De quoi occuper les prochaines années, en somme.

L’article 6 astuces pour être productif/ve en écriture est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

D’après George Martin, il existe deux types d’écrivains : les jardiniers qui écrivent à l’instinct et cultivent leur histoire au fur et à mesure qu’ils écrivent et les architectes, qui ont besoin de savoir où ils vont avant de se lancer. J’appartiens définitivement à la deuxième catégorie, et afin de parfaire mes connaissances sur l’art de la construction d’histoire, j’ai décidé de lire un peu de théorie sur le sujet.

Voici donc les notes prises sur le livre « 20 master plots and how to build them » de Ronald Tobias. Le principe est simple : livrer un guide qui présente vingt intrigues types, avec leurs spécificités et comment les construire.

Le livre est disponible chez Amazon en version brochée ou en numérique.

Vous pouvez retrouver mes notes sur ces 20 intrigues types dans ce guide gratuit à télécharger !

Introduction

Quand on parle de structure narrative, on pense roman ou film, mais notre vie de tous les jours est peuplée d’histoires qu’on raconte (des anecdotes, blagues…) qui utilisent des structures narratives.

L’intrigue d’un roman est souvent comparée au châssis d’une voiture, ou au squelette, mais pour Ronald Tobias, l’intrigue est quelque chose de plus diffus, qui sous-tend toute l’œuvre.

Une bonne intrigue est comme une énigme : elle pose des questions, y répond en en posant d’autres, et relance ainsi perpétuellement l’intérêt du lecteur.

Quand on écrit, on ne sait pas si la route qu’on prend sera la bonne, mais on sait en général où l’on va (ou tout du moins, où l’on veut aller). Il est important d’appliquer des structures à son œuvre et le livre essaye de dégager une vingtaine de structures assez universelles pour pouvoir être utilisées pour écrire.

Il faut néanmoins différencier histoire et intrigues : une histoire est la narration d’événements dans l’ordre où ils sont survenus ; une intrigue connecte différents éléments pour leur donner du sens, susciter des questions et des réactions. Une intrigue introduit de la logique, des rapports de cause à effet.

Aristote a théorisé ce que doit être une intrigue : une action unifiée qui crée un tout, composé d’un début, d’un milieu et d’une fin. Le début plante le décor, les personnages, et l’élément perturbateur. Le milieu introduit les péripéties, ce que les héros doivent affronter pour atteindre leurs buts. La fin comprend le climax de l’action et la résolution des questions laissées en suspens.

Les plus petits dénominateurs communs des intrigues

— De la tension pour alimenter l’intrigue.

— Des antagonismes pour alimenter la tension.

— Construire les conflits, leur donner de l’ampleur pour garder la tension tout au long de l’histoire.

— Les personnages doivent sortir changés des épreuves qu’ils affrontent.

— Quand quelque chose arrive, s’assurer que c’est vraiment important et mérite d’être raconté.

— Quand on introduit un élément qui aura son importance pour la suite, il faut le faire avec subtilité.

— Si la vie réelle est chaotique et pleine d’imprévision, une œuvre de fiction a besoin d’ordre et de règles (et surtout que l’auteur respecte lesdites règles). Elle a besoin de causes et d’effets définis.

— Les personnages principaux doivent accomplir les actions principales du climax.

La force directrice

Il faut se dire que chaque auteur a des méthodes, qui fonctionnent pour lui, mais peut-être pas pour les autres. Pour un écrivain, il est important de se connaître et de savoir ce qui marche pour soi.

Les intrigues peuvent être divisées en deux catégories

— Le corps : tout ce qui est relié à la force, la violence, la recherche de la supériorité… = Les intrigues d’action.

Tout est centré sur les péripéties, sur l’enchaînement des actions, sans grande interrogation morale et sans que le héros soit vraiment changé à la fin de l’histoire.

— L’esprit : Tout ce qui est relié à l’intelligence, la fraude, les coups fourrés… = les intrigues de réflexion.

Moins d’actions, plus de place accordée au chemin intérieur des personnages et à leur évolution.

Avant d’écrire, il faut commencer par décider ce qui est plus important pour nous : l’action ou les personnages.

Les structures profondes

On a déterminé quelle était la force directrice, maintenant, il faut choisir une structure profonde : une morale.

Chaque œuvre possède des valeurs morales, qui sont inhérentes à l’univers construit. Elles peuvent être plus ou moins développées, selon le style d’histoire et le genre qu’on écrit.

On a toujours tendance à vouloir simplifier la morale, à tout voir en blanc ou en noir, au risque de tomber dans le cliché. Dans ces cas-là, la réponse est évidente, on sait pour qui on doit tenir et qui va gagner. Un bon auteur maîtrise au contraire les nuances de gris et sait poser les questions auxquelles la réponse n’est pas évidente.

Lorsqu’on écrit, on a tendance à penser qu’en temps qu’auteur, on est dieu. En réalité, l’auteur est plutôt un arbitre : il se tient entre des forces opposées, des personnages dont les objectifs divergent.

Le bon auteur ne prend pas parti pour un personnage, évitera de présenter la situation uniquement en faveur de l’un et en défaveur de l’autre, mais veillera à donner tous les éléments, à bien faire ressortir les dilemmes entre ce qu’il est juste de faire et ce qu’il faut faire.

Triangles

Chaque personnage va avoir une dynamique avec les autres personnages avec lesquels il interagit. Plus on ajoute de personnages, plus on multiplie les dynamiques, au risque de se perdre. À l’inverse, avoir seulement deux personnages principaux est vite lassant.

Trois est le nombre magique : avec trois personnages principaux, on peut rebondir rapidement, jongler entre les conflits et avoir de la complexité, sans se perdre.

Mais il faut se rappeler que le duo le plus dynamique reste l’interaction entre le personnage et l’intrigue. Depuis Aristote, les choses ont un peu changé : Aristote pensait que la personnalité déterminait les actions, or désormais, on considère que la manière dont le personnage agit détermine son caractère.

Intrigue 1 : la quête

Un personnage cherche un objet, une personne, ou un lieu. L’une des intrigues les plus universelles.

Attention à ne pas confondre un objet de quête avec un « Mac Guffin » (terme créé par Hitchcock pour désigner un objet qui semble avoir de l’importance pour le personnage, mais au final, n’en a pas pour le réalisateur et par conséquent, pas vraiment pour l’histoire).

Un objet de quête change profondément un personnage, un Mac Guffin n’est qu’un prétexte pour lancer l’intrigue.

Les caractéristiques d’une quête

— Le protagoniste est important, c’est un personnage profond et travaillé.

— La quête va le changer profondément (en réalité, l’objet de la quête est souvent la sagesse).

— Les personnages sont toujours en mouvements, ils avancent, tendent vers quelque chose, mais l’auteur reste aux commandes, il sait où il va et ce qu’il veut faire voir au lecteur à travers le voyage.

— Très souvent, la quête commence dans le foyer, et se termine par le retour au foyer.

La structure d’une intrigue de quête

— Acte un : le héros est dans son foyer, quand il fait face à un élément perturbateur, d’où résulte la décision (ou la nécessité) de partir.

Le héros fait face à un premier conflit, qui raffermit sa volonté, ou lui fait comprendre ce qu’il cherchait réellement en quittant son foyer.

Le héros voyage rarement seul, lors de cette première péripétie, il rencontre son ou ses compagnons de voyage.

— Acte deux : le voyage. En littérature, et surtout dans une quête, le voyage est aussi important que l’aboutissement de la quête.

L’acte deux est consacré aux péripéties qui rendent l’histoire intéressante et font grandir le personnage.

— Acte trois : la révélation. L’acte trois réponds aux questions posées par l’acte un. Ce que le personnage découvre n’est pas ce qu’il attendait, ce qui le fait évoluer, le force à agir de nouveau et à se poser les bonnes questions.

Intrigue 2 : L’aventure

La structure ressemble à celle de la quête, mais avec des différences majeures : là où la quête concernait un personnage et était autant spirituelle que physique, l’aventure concerne surtout le voyage en lui-même (qui doit être exotique et dépaysant).

Le protagoniste n’est pas changé par son voyage, l’intrigue ne délivre pas de messages sur la nature du monde et la condition humaine.

— Acte un : le personnage part chercher quelque chose, il rencontre trois obstacles, qu’il ne parvient pas surmonter, et se retrouve dans une situation désespérée (qui s’apparente la mort), qui le force à chercher des réponses à ses problèmes.

— Acte deux : les péripéties. Que va-t-il arriver au personnage ? À nouveau, la structure est similaire à celle de la quête, mais le focus est mis sur l’aventure, qui doit être dépaysante, doit permettre au lecteur de s’évader. Attention à garder une cohérence entre les aventures, les péripéties doivent s’enchaîner avec une certaine logique. Garder à l’esprit qu’une aventure marche si l’on y croit, faire attention aux détails qui vont rendre l’univers et les péripéties réalistes.

— Acte trois : le retour et la conclusion, moins développés que dans une intrigue de type « quête ».

Intrigue 3 : la poursuite

L’une des intrigues les plus basiques : le jeu de cache-cache. Une personne en chasse une autre.

— Acte un : On doit savoir qui est le protagoniste, qui est l’antagoniste, il faut un élément déclencheur, et la chasse est lancée.

— Acte deux : la chasse (avec son lot de rebondissements)

— Acte trois : la résolution

Pour que la chasse suscite de la tension, il faut qu’il y ait vraiment du danger à ce que le chasseur rattrape celui qui fuit, et le poursuivant doit avoir l’opportunité d’attraper sa proie. Une intrigue de poursuite joue sur le confinement : la proie peut s’échapper, mais pas trop loin (sinon il n’y a plus d’intérêt). Il faut aussi garder une partie d’imprévisible, surprendre le lecteur. Attention à développer les personnages, à éviter les archétypes et les clichés pour éviter de tomber dans le déjà-vu (ce style d’intrigue est archi-classique, il faut arriver à innover).

Intrigue 4 : le sauvetage

L’antagoniste a pris quelque chose que le protagoniste veut sauver/récupérer. En général, ce genre d’intrigue ne laisse pas trop de place à des nuances grises question moralité : le bon sauve quelqu’un d’un méchant.

Ce genre d’intrigues est centré sur le protagoniste, qui veut récupérer une personne qu’il aime (l’amour qu’il porte est le moteur).

L’antagoniste est souvent un archétype du magicien noir, qui kidnappe un proche du héros. L’antagoniste n’est pas forcément physiquement présent dans l’histoire, mais il produit les obstacles que le héros doit surmonter. Il n’a pas vraiment d’importance en lui-même, plutôt par la tension qu’il produit en s’opposant au héros.

La victime est la partie la moins importante du triangle, en général, elle est réduite à un élément (ex. la princesse chaste et belle).

— Acte un : la séparation. On établit qui est le héros, quels sont ses liens avec la victime, on présente le méchant alors qu’il enlève la victime.

— Acte deux : la poursuite.

— Acte trois : la confrontation entre le héros et l’antagoniste et la réunion entre le héros et la personne enlevée.

Intrigue 5 : l’évasion

Comme l’aventure et la poursuite, c’est une intrigue d’action, et non de personnage. Le principe est simple : le héros est enfermé quelque part et doit s’échapper.

Les personnages sont souvent noirs ou blancs, sans trop de nuances.

— Acte un : l’emprisonnement. Le héros est fait prisonnier, quelquefois à tort, d’autre fois pour un crime qu’il a commis. En général, la punition est disproportionnée par rapport au châtiment, de manière à ce que le lecteur compatisse avec le protagoniste.

— Acte deux : la captivité et les plans d’évasion. Cette phase développe l’emprisonnement, le héros fait en général une tentative, vouée à l’échec.

— Acte trois : l’évasion. C’est le moment où tous les plans soigneusement établis déraillent et où l’incertitude entre en jeu. Cet acte est le plus dynamique des trois. C’est le moment où le protagoniste regagne du contrôle et où l’antagoniste en perd.

Intrigue 6 : la vengeance

Ce type d’intrigue joue énormément sur le versant émotionnel, depuis la Bible jusqu’aux tragédies grecques, en passant par Shakespeare, la vengeance est omniprésente et la structure n’a pas vraiment changé.

Un antagoniste commet un crime, soit en prenant comme victime l’un des proches du protagoniste ou le protagoniste lui-même. Le crime est horrible, il appelle vengeance et suscite l’empathie du lecteur envers le protagoniste.

— Acte un : le crime. Le héros est confronté à un crime qui le touche ou touche l’une des personnes qu’il aime. Il ne peut l’empêcher (il est absent, ou impuissant). Il ne peut non plus obtenir justice, il ne lui reste que la vengeance.

— Acte deux : la vengeance. Le héros fait ses plans pour se venger. En général, ils sont compliqués par une troisième force qui tente de l’arrêter (la police ou un représentant de l’ordre, le plus souvent).

— Acte trois : l’accomplissement de la vengeance. Le héros confronte l’antagoniste. Il peut obtenir justice ou non, survivre ou pas (si on part sur une tragédie à l’ancienne, la vengeance coûte au héros sa vie, dans une lecture plus moderne, il survit). Attention au degré de violence de la vengeance, qui peut avoir l’effet contraire de ce qu’on veut provoquer chez le lecteur. Attention également à la morale douteuse que peut avoir la vengeance.

Intrigue 7 : l’énigme

Les énigmes et les mystères ont un attrait particulier, que l’on soit enfant ou adulte. Les exemples mythologiques sont nombreux, preuve que ce type d’intrigue remonte à la nuit des temps.

Une intrigue à énigme pose une question, dont la réponse est souvent cachée en pleine vue. C’est une intrigue complexe à réaliser, car elle nécessite beaucoup de savoir-faire pour tromper le lecteur. On doit donner des indices au lecteur, qui lui permettent de deviner correctement la bonne réponse à la fin (ou au moins de se dire « bon sang, c’est évident, j’aurais dû le voir »).

Au départ, les personnages des énigmes étaient assez simples, souvent archétypaux (le roi, la princesse, l’homme du peuple). Au fur et à mesure que le genre du mystère s’est développé, les personnages ont gagné en épaisseur. Le genre a développé ses propres codes.

L’intérêt d’une énigme pour le lecteur est de découvrir la vérité avant les personnages. Il s’investit donc émotionnellement dans la lecture.

— Acte un : la découverte du mystère. La question qui sous-tend toute l’intrigue est posée, on présente les personnages et l’énigme qu’il va falloir résoudre.

— Acte deux : la recherche des indices. On sait quel est le mystère, on cherche donc des réponses aux questions. C’est le moment où l’auteur doit faire preuve de virtuosité, et planter les indices, sans qu’ils soient trop apparents.

— Acte trois : la résolution. On répond aux questions posées par l’acte un. Parfois, les réponses ne sont pas vraiment celles attendues et suscitent d’autres questions, ou une interprétation de la part du lecteur.

Intrigue 8 : la rivalité

Un rival est un antagoniste qui a les mêmes buts que le protagoniste. Pour que l’histoire soit intéressante, il faut que les deux personnages soient de force égale, ou qu’ils aient chacun leurs forces et leurs faiblesses qui se compensent (c’est plus intéressant car offre plus de possibilités).

C’est une intrigue plutôt émotionnelle, car les personnages sont obsédés par quelque chose, ont des motivations profondes pour désirer l’objet de leur quête.

— Acte un : il présente le protagoniste et l’antagoniste, qui ont souvent un passé commun (car l’impact émotionnel est plus fort). L’acte un marque la rupture entre les deux, et présente l’enjeu de leur rivalité.

— Acte deux : la déchéance du protagoniste. Il subit les actes de l’antagoniste. Cet acte se termine souvent par la reconquête d’une forme de pouvoir par protagoniste, qui peut maintenant lutter contre l’antagoniste.

— Acte trois : la résolution du conflit, l’un des deux obtient ce qu’il cherchait.

Intrigue 9 : l’outsider

Cette intrigue est similaire à la rivalité, sauf que l’antagoniste est beaucoup plus fort que le protagoniste, placé dès le début dans une situation de faiblesse. Ces structures ont une forte résonnance avec le lecteur, parce qu’on s’identifie à ce personnage faible qui parvient à battre plus fort que lui.

L’outsider est un personnage fascinant parce que le sort joue contre lui, mais qu’il gagne quand même. Attention toutefois à ne pas se concentrer uniquement sur la compétition et à veiller à donner des motivations crédibles au personnage.

— Acte un : le protagoniste se retrouve, ou est déjà dans une position de faiblesse et subit les abus de l’antagoniste, sans avoir les moyens de se défendre ou de riposter.

— Acte deux : le protagoniste obtient un moyen de défier l’antagoniste. Il regagne du pouvoir.

— Acte trois : antagoniste et protagoniste sont à armes égales et le héros peut défier l’autre.

Intrigue 10 : la tentation

Résister à la tentation est preuve de force morale, mais que faire quand la tentation est partout ? Quand elle devient une obsession ? La tentation a de puissants échos symboliques.

Ce type d’intrigue peut exister sans antagoniste, ou avec un antagoniste qui essaye de tenter le héros.

La tentation joue beaucoup sur la psychologie des personnages : pourquoi succombe-t-il finalement ? À quelle tentation ? Quel chemin lui faudra-t-il accomplir pour admettre son erreur ?

— Acte un : le protagoniste est confronté à un interdit, auquel il résiste, mais qu’il finit par transgresser.

— Acte deux : le protagoniste doit faire face aux conséquences de ses actes. Plus il essaye d’échapper à leur poids, plus celui-ci se fait sentir.

— Acte trois : la résolution du conflit. Le personnage reconnaît ses torts, accepte de payer le prix.

Intrigue 11 : la métamorphose

La métamorphose : le protagoniste est confronté à un changement, physique, spirituel ou les deux. Symboliquement, cette intrigue raconte la lutte entre le bien et le mal à l’intérieur de nous. Si elle peut être soignée, la métamorphose l’est par le pouvoir de l’amour.

La transformation limite les mouvements du héros (ex. le vampire et le soleil), et elle comporte une faiblesse (ex. l’argent pour les loups-garous).

L’antagoniste est souvent l’une des victimes des effets de la transformation.

— Acte un : le protagoniste réalise sa transformation, ou bien on voit par les yeux de l’antagoniste la métamorphose du héros.

— Acte deux : le protagoniste lutte avec les effets de sa transformation pour maintenir son identité. L’antagoniste prisonnier tente de s’échapper, de tuer le métamorphe, tandis que ses sentiments pour lui évoluent.

— Acte trois : la tension culmine et l’antagoniste craque, provoque la résolution. Soit le protagoniste est guéri de sa métamorphose, soit il meurt.

Intrigue 12 : la transformation

Similaire à la métamorphose. Une intrigue se concentrant sur une portion de la vie d’un personnage, qui apporte un changement significatif à son caractère. Le protagoniste est une personne différente entre le début et la fin.

— Acte un : présentation du protagoniste et introduction de l’élément perturbateur qui va le faire changer.

— Acte deux : les effets de la transformation. Le personnage se met à changer, expérimente, commet des erreurs.

— Acte trois : le protagoniste fait face à un autre incident qui permet de terminer pleinement sa transformation. Il comprend ce qui lui est arrivé exactement. Une telle réalisation a souvent un coût.

Intrigue 13 : La maturité

Intrigue similaire à celle de la transformation, mais qui se concentre plus sur l’acquisition de la sagesse et le passage à l’âge adulte (similaire à un roman d’apprentissage). Le protagoniste est souvent un jeune homme sympathique, qui n’a pas vraiment de but et se laisse porter par la vie. Il va se heurter aux dures réalités et changer.

Pour rester réaliste, le processus doit être lent, une étape à la fois, une leçon à la fois. Se concentrer sur la psychologie du personnage, sur l’effet qu’ont sur lui les changements.

— Acte un : présentation du protagoniste bien avant l’événement qui va changer sa vie. En général, à ce stade, le personnage a des faiblesses, mais également des traits qui le rendent sympathique aux yeux du lecteur et du potentiel pour la suite.

L’acte un se termine par un élément perturbateur qui vient ébranler les certitudes du personnage et introduire du danger dans sa vie bien ordonnée.

— acte deux : Le personnage va souvent commencer par nier ce qui lui est arrivé, avant de tenter d’agir, souvent en commettant des erreurs car il ne sait pas comment s’y prendre.

— Acte trois : le personnage a réussi à se créer de nouvelles valeurs, une nouvelle identité, qui va être testée par un nouvel événement et permettra de voir si le protagoniste accepte ou rejette ces changements.

Intrigue 14 : l’amour

L’amour est l’une des plus grandes thématiques dans la fiction, et comme la fiction se nourrit de conflits, rien n’est simple. L’amour rencontre toujours des obstacles.

Ce type d’intrigue joue fortement sur les personnages, qui du coup ont tendance à être universels (proches d’archétypes) pour parler au plus de lecteurs possibles.

Là où l’auteur peut jouer pour une bonne histoire d’amour, c’est sur les sentiments : il faut les dépeindre de la manière la plus juste possible, sans trop appuyer les effets.

— Acte un : les deux personnages principaux sont amoureux (ou le deviennent) et filent le parfait amour (ou tout du moins, ça se présente bien). Un événement survient et rend impossible leur amour.

Note : dans le cas de deux personnages qui ne s’aiment pas, l’événement déclencheur est celui qui, au lieu de les séparer, les rapproche.

— Acte deux : le protagoniste tente d’abattre les obstacles qui s’opposent à son amour.

Note : pour deux personnes qui ne s’aiment pas, c’est le contraire, ils essayent de s’éloigner, mais le sort les rapproche.

— Acte trois : la résolution. La fin peut être heureuse, comme tragique, tout dépend du genre dans lequel on écrit (comédie ou drame).

Intrigue 15 : l’amour interdit

Rien n’est plus fort émotionnellement que l’amour interdit. On considère que l’amour est une force qui peut tout vaincre, mais il se heurte aux lois et aux codes sociaux. L’amour interdit peut regrouper différents types : différence de rangs, familles opposées, inceste, adultère…

L’adultère : il se joue toujours entre l’époux, la femme, l’amant/e. Jusqu’au XIXe, il finissait toujours de manière tragique, car il était impensable pour la morale de l’époque que les infidèles s’en sortent.

L’inceste : Toujours un très fort tabou, qui fait que ce genre d’histoire finit toujours très mal.

L’homosexualité : traité comme un amour interdit pendant longtemps, car socialement réprimé.

Romances « mai – décembre » : romance entre une personne âgée et l’une plus jeune.

— Acte un : présentation des personnages et début de la romance en secret.

— Acte deux : développement de la romance, mais aussi oppositions à cette relation, qui la met sur le déclin dans la deuxième partie de l’acte deux.

— Acte trois : la société reprend ses droits et sonne le glas de la romance.

Intrigue 16 : le sacrifice

L’idée de sacrifice est vieille comme le monde et reste présente. Dans les temps anciens, on sacrifiait au nom des dieux. De nos jours, on sacrifie plutôt au nom d’idéaux (l’amour, la liberté…). Le sacrifice a un coût énorme pour le protagoniste, que ce soit sa vie, quelqu’un qu’il aime, ou ses valeurs morales.

— Acte un : établir le personnage, et surtout, quelles sont ses valeurs morales et les choses qui comptent pour lui.

— Acte deux : le personnage est confronté à un dilemme moral, dont la solution n’est pas évidente et qui nécessite une action. Le protagoniste hésite, cherche à se dérober, à trouver d’autres solutions. Il faut maximiser les conflits, bien faire sentir la tension interne entre ce que le personnage réalise qu’il va devoir faire, et ce qu’il voudrait.

— Acte trois : Le sacrifice proprement dit. Cette phase doit se concentrer sur le sacrifice pour le protagoniste et les effets du sacrifice sur son entourage. Le sacrifice est porteur de valeurs morales fortes, le personnage se transcende pour faire ce qui est juste.

Intrigue 17 : la découverte

La découverte est la quête accomplie par un personnage pour découvrir qui il est. C’est une intrigue de personnage, souvent associé à l’enfance ou à l’adolescence, car c’est le moment où l’on découvre qui on est vraiment. Attention à ne pas être trop démonstratif et à montrer au lecteur ce qu’il devrait croire. Ce genre d’histoire nous intéresse parce que l’auteur nous montre la lutte interne d’un personnage, ses choix et pourquoi il les fait.

— Acte un : présentation du personnage, on doit comprendre qui il est vraiment, quels sont ses idéaux, le genre de personne qu’il est… Cette partie se termine sur l’événement qui initie le changement.

— Acte deux : le changement est amorcé, le protagoniste s’interroge sur sa vie, ses motivations, ses choix. C’est le moment le plus compliqué à écrire, car il faut insister sur la lutte interne, les tourments du personnage. Il va essayer de nier ce qui arrive, de repartir en arrière, s’interroger…

— Acte trois : réalisation et révélations. Elle peut changer le personnage pour le meilleur mais aussi pour le pire.

Intrigue 18 : les extrêmes

Les personnes marginales, et qui repoussent les limites, exercent une fascination sur nous, à la fois par la transgression, mais aussi parce que tout le monde peut à un moment ou à un autre se retrouver marginalisé. Ces intrigues racontent le déclin psychologique d’un personnage et ont une très forte résonnance émotionnelle, car on voit la descente d’un personnage, en se disant que ça pourrait être nous.

— Acte un : l’état normal du personnage, sa vie de tous les jours. Mais, on introduit quand même une faiblesse, un défaut, dont on se doute qu’il va lui coûter cher. Ne pas s’attarder sur ce début et introduire le serpent, qui est le catalyseur (soit un événement, soit une personne qui initie le changement).

— Acte deux : la descente. Le protagoniste perd graduellement le contrôle, jusqu’à toucher le fond.

— Acte trois : soit le personnage continue sur sa lancée, soit l’événement de la fin de l’acte deux lui donne la volonté de remonter la pente.

Intrigues 19 et 20 : l’ascension et la chute

L’histoire d’une personne humble qui parvient à la gloire fascine autant que celle d’une personne puissante qui tombe dans la déchéance. Ce genre d’intrigue se structure autour d’un personnage à l’ego très puissant. Ce personnage doit être charismatique et très fort, il doit attirer le lecteur.

Le personnage doit être actif, et non subir les actions du monde. Que ce soit pour l’ascension que pour la chute, le lecteur doit saisir que le protagoniste est responsable de son état de par ses actions.

L’ascension sert en général de parabole, tandis que la chute sert d’avertissement.

— Acte un : présentation du protagoniste : ce qu’il est, quelle est sa vie et quelles sont ses valeurs morales. Le premier mouvement se termine par l’introduction de l’élément qui va tout faire changer.

— Acter deux : le conflit entre le personnage et les changements qu’il subit. Comment va-t-il les gérer (refuser en bloc, chercher des issues ?). Mouvement qui se focalise sur les dilemmes moraux et les choix du personnage.

— Acte trois : le protagoniste est confronté à ce qu’il est devenu.

Conclusion de l’auteur

Ce livre n’est pas un livre de recettes à suivre absolument, mais plutôt une sorte de guide pour comprendre comment une intrigue fonctionne. Ces conseils sont à garder à l’esprit, mais ne doivent pas nous empêcher d’écrire ni d’expérimenter.

Une petite liste des questions à se poser quand on travaille sur une intrigue

— Quelle est l’idée de l’histoire en cinquante mots ?

— Quelle est la question centrale posée par l’histoire ?

— Quel est le but du protagoniste ?

— Quelles sont ses motivations ?

— Qu’est-ce qui se met en travers du chemin du protagoniste ?

— Quel est le plan du protagoniste pour accomplir ce qu’il veut ?

— Quel est le conflit principal de l’histoire ? Est-il interne ou externe ?

— De quelle manière le protagoniste change-t-il au cours de l’histoire ?

— Est-ce une intrigue de personnages ou d’action ?

— Où commence l’histoire ?

— Comment maintient-on la tension tout au long de l’histoire ?

— Quelles actions le protagoniste accomplit-il lors du climax de l’histoire ?

Mon avis : je conseille vivement cette lecture à tous ceux qui auraient envie d’apprendre des techniques narratives. Le livre est clair, bien organisé, il fourmille d’exemples, à la fois de la littérature classique, de la mythologie, des contes, ou de films plus récents. Le style est clair, les concepts sont bien expliqués.

Certes, on pourrait reprocher une certaine simplification (toutes les intrigues sont divisées en trois mouvements : situation initiale, péripéties, dénouement), mais force est de constater que ça fonctionne bien et que les structures données sont assez universelles pour être utilisées. Personnellement, ça m’a donné des idées pour le roman sur lequel je travaille actuellement. Ça m’a permis de mettre des mots et des concepts sur des choses que je pressentais.

Pour retrouver toutes mes notes sur 20 Intrigues types, téléchargez le guide !

L’article 20 intrigues types et comment les construire est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

On reprend les bonnes habitudes : voici les premiers résumés de la saison 9 de Writing Excuses, animé par Brandon Sanderson, Howard Tayler, Dan Wells et Mary Robinette Kowal. Le principe est simple : « 15 minutes long, because you’re in a hurrry and we’re not that smart », 15 minutes pour discuter d’un thème concernant l’écriture. Bonne lecture et bonne écoute.

Episode 1: chronology of a book deal

Expérience d’Eric James Stone avec l’édition.

Roman écrit en 2008, il contacte un agent, qui n’est pas intéressé, mais lui donne le feedback des auteurs. Vers 2009, deux de ses nouvelles sont nominées pour le prix Hugo et le prix Nebula, l’agent le recontacte pour savoir si le roman est toujours disponible. Entre temps, l’auteur l’a autopublié sur son site, l’agent est quand même toujours ok et en 2010, lui propose de vendre directement les droits à Hollywood. Puis, l’agent lui demande de retravailler le livre, et l’envoi ensuite à des éditeurs. Au final, il a eu plusieurs réponses, dont certains voulaient bien du livre mais ne voulaient pas payer d’avance à l’auteur, et semblaient réticents à organiser une communication digne de ce nom. Un éditeur sérieux lui a répondu et a accepté le livre.

Le bilan d’Eric James Stone : sans l’implication et les conseils de son agent, il aurait lâché l’affaire. Il a également réussi à reprendre un projet qu’il avait abandonné, et à le transformer en quelque chose de mieux (d’où l’intérêt de parfois laisser un projet dans les cartons, se donner le temps de mûrir et d’évoluer, avant de le reprendre). Le fait d’écrire des nouvelles, qui ont été publiées et ont marché, lui ont sûrement permis d’attirer l’attention de cet agent, et des éditeurs.

Episode 2 : Hard Science-fiction

La hard SF : d’après Asimov, c’est de la SF où si tu retires la partie scientifique, tu n’as plus d’histoire. En gros, une histoire de SF où la partie scientifique tient une place prépondérante (et est exacte). La hard SF suppose également un certain nombre de connaissances de base de la part du lecteur.

Pour écrire de la hard SF, pas besoin d’avoir un doctorat en astrophysique, mais il faut quand même posséder des connaissances en sciences. Pour cela, faire des recherches, et cibler les publications scientifiques à lire.

Le bon équilibre : il faut que la lecture soit en quelque sorte un défi pour le lecteur (qu’on lui propose quelque chose qu’il ne connait pas), mais en même temps, il faut qu’il puisse comprendre de quoi on parle et la lecture doit lui donner les clés pour deviner et comprendre la fin. Un bon exemple : Kim Stanley Robinson, Mars la Rouge. Il raconte la conquête et la terraformation de Mars, le livre est très technique, utilise beaucoup de concepts scientifiques, qui sont amenés petit à petit, du coup, le lecteur comprend ce que les personnages font et pourquoi.

Attention à ne pas oublier les personnages, qui permettent au lecteur de rentrer dans l’histoire.

Episode 3 : Narrative perception Vs character perception

Comment écrire une narration à la 3^ème personne quand son personnage a de mauvaises informations ou des opinions qui sont fausses, sans que le lecteur (qui sait que l’information est fausse), se mette à hurler ?

Les problèmes : trouver la bonne balance entre les opinions d’un personnage qui peuvent nous paraître horribles ou totalement fausses (racisme…), la narration, le réalisme, et ce qu’un lecteur du XXIe siècle va accepter.

Le vocabulaire : faire attention à celui qu’on emploie, qu’il soit adapté au contexte de l’histoire. Mais, il faut se rappeler aussi que le lecteur aime être dépaysé, et qu’un lexique particulier contribuera peut-être à le faire rentrer dans l’histoire.

Il est important dans la narration de faire comprendre au lecteur que oui, le personnage ne sait pas telle chose, mais que l’auteur, lui connait la vérité. Sinon, cela risque de focaliser l’attention du lecteur qui va se dire que l’auteur est un idiot qui ne sait pas de quoi il parle. Comment on y arrive ? Chacun doit développer sa propre méthode, en fonction de son style et de son texte, il n’y a pas de recette miracle.

Episode 4 : Artificial intelligence

Avec Nancy Fulda, chercheuse en intelligence artificielle.

On commence par un point sur les recherches de Nancy et les différentes avancées que la science a connu. Au final, les IA qui nous faisaient rêver ne sont plus forcément des chimères, les techniques et la programmation ont bien avancé.

Nancy pointe que dans la littérature, les IA ont toujours existé, et que souvent, elles étaient une extrapolation de la technique scientifique la plus en point à l’époque (ex : des robots à l’énergie atomique dans les années 50).

Les pièges à éviter : trop anthropomorphiser les IA, leur cerveau est différent du nôtre, plus performant pour un certain nombre de tâches. Ils pensent plus vite. Mais, on peut supposer qu’une IA peut savoir comment s’adresser à des humains et se mettre à leur niveau.

Episode 5 : Hijacking knowledge you allready have

Apprendre à utiliser ce qu’on sait déjà pour, ce qu’on a déjà pratiqué, appris, pour le mettre au service de l’écriture.

Réfléchir à ce qu’on a appris, aux expériences qu’on a eues, mais aussi aux mauvais moments (on peut utiliser ce qu’on a ressenti pour nourrir son écriture).

Episode 6 : The experience of time

La perception du temps n’est pas fixe, mais elle peut varier en fonction de ce qu’on éprouve. On peut ressentir une dilatation du temps quand on est en danger (accident…). On peut aussi éprouve une compression (1. On est en haut des escaliers, 2. On est en bas des escaliers, on ne sait pas comment). Comment utiliser ce phénomène en écriture ?

La dilatation est due à l’adrénaline : si on voit ce qui va arriver à temps, le corps génère de l’adrénaline pour nous donner de quoi réagir. Au contraire, si on ne voit rien venir, le corps n’a pas le temps de créer de l’adrénaline.

Mais attention, ces faits sont avérés, mais du coup, peuvent paraître clichés s’ils sont mal décrits.

Quand on écrit, il faut se rappeler qu’on maîtrise le temps : on peut choisir de raconter une journée en détail sur plusieurs volumes, ou au contraire, raconter de longues périodes de temps sur une nouvelle. C’est l’auteur qui choisit le focus à donner sur le temps.

Attention aux ellipses temporelles, qui peuvent assez facilement perdre le lecteur si on ne situe pas correctement son histoire.

L’auteur choisit le rythme à donner à son histoire, en choisissant de s’attarder ou non sur des événements, par le découpage en paragraphes, ou en chapitres (ex : dans les polars, chaque chapitre finit sur un cliffhanger, pour donner l’impression de rapidité et d’enchaînement des événements).

Épisode 7 : Last pass revisions

Les dernières corrections : comment ça se passe

Pour Brandon Sanderson : Relecture, avec parfois ajout de nouvelles scènes, mais uniquement quand ça se justifie dans l’histoire et que ça va apporter quelque chose de nouveau.

Pour Howard Tayler : La dernière relecture s’apparente à une chasse de bug avant d’ouvrir une application au grand public. Une personne fait la liste des bugs, et l’auteur se charge des le corriger.

Pour Mary Kowal : la dernière relecture est une lecture à voix haute, pour vérifier qu’il ne reste aucune faute.

Que chercher lors d’une dernière relecture ? La dernière relecture est la dernière chance de corriger ce qui ne fonctionne pas. Il faut vérifier la cohérence générale, les petits détails (un personnage qui sort d’une pièce, et qu’on retrouve dans le dialogue deux lignes en dessous…), traquer les dernières répétitions, les fautes, les mauvaises formulations. On peut vérifier qu’on a annoncé correctement tous les événements qui vont être importants pour le scénario.

Épisode 8 : hand wavium

Hand wave : quand on n’explique pas comment quelque chose fonctionne, mais qu’on dit que ça marche (équivalent anglophone de : « ta gueule c’est magique ».

Pourquoi utiliser ce procédé : quand on a envie d’avoir une technologie, une magie, mais que les explications scientifiques plomberaient le récit. Quand on extrapole des hypothèses scientifiques (on sait que potentiellement, c’est possible, mais on ne sait pas comment : ex, le voyage dans le temps).

Le « Hand wavium » se rapproche par certains côtés de la loi de Clarke : toute technologie suffisamment avancée est indiscernable de la magie. Quand on fait appel à une technologie extrêmement avancée que les personnages ne connaissent pas, on peut recourir au hand wavium pour expliquer en gros comment elle fonctionne (sans s’aventurer sur un territoire trop scientifique).

Attention, le degré de Hand wavium que vos lecteurs vont accepter dépend en grande partie du style dans lequel vous écrivez et du public visé (en gros, pour une histoire de Hard SF, vous avez intérêt à ne pas trop y recourir).

Il faut se demander ce que les personnages ont besoin de savoir pour déterminer la quantité de hand wavium dont on a besoin : les personnages vont-ils simplement utiliser la machine (auquel cas, on a juste besoin de savoir ce qu’elle fait) ou doivent-ils la réparer (et là, il faut savoir exactement comment elle fonctionne).

Trois sortes de hand wavium :

— On explique comment ça marche, sans vraiment l’expliquer. Une bonne technique : avoir des explications très claires et précises sur ce qu’on connaît, et rester plus évasif sur le reste.

— Le jargon technologique : pour expliquer à la grosse que c’est une technologie compliquée auquel le commun des mortels ne comprend rien. Attention, on risque de perdre le lecteur si c’est trop embrouillé, ou trop tiré par les cheveux.

— On s’en fiche (la technique star wars « ce ne sont pas les explications que vous cherchez »).

Episode 9 : Truth stranger than fiction

Comment utiliser des faits véridiques ? Quand rester fidèle à la vérité, et quand s’en éloigner ?

Quelquefois, la vérité a l’air trop parfaite et, paradoxalement, elle ne fait pas réaliste (ex : des détails historiques qui sont vrais, mais que le public ne connaît pas et du coup, n’arrive pas à accepter). La solution : les bêta lecteurs. C’est leur rôle de dire s’ils décrochent à un moment, à cause d’un détail qui ne leur paraît pas vrai.

Le public attend au contraire des vérités historiques que l’auteur doit placer (ex : dans un contexte médiéval, on s’attend à ce que les femmes aient moins de droits, car la société est patriarcale). L’auteur peut diverger de cette vérité, mais il faut que l’univers soit cohérent et qu’il y ait des raisons à ces différences.

Episode 10 : Engaging characters

Un personnage intéressant = un personnage charmant, sympathique, mais également un personnage à la moralité discutable, mais dont la personnalité est fascinante (ex : Breaking bad, mais aussi beaucoup de personnages dans la Dark Fantasy).

Comment rendre un personnage intéressant ?

Son histoire personnelle, sa manière d’agir, mais également, ses pensées. Il est plus facile de trouver intéressant un personnage qui montre de l’esprit et un certain sens de l’humour.

Un personnage va nous intéresser s’il est différent, qu’il pense d’une manière qui n’est pas la nôtre, mais qui se justifie.

Réfléchir à ce qu’on aime chez nos amis, qu’est-ce qui fait qu’on les aime, qu’on reste avec eux ? Réfléchir à ces aspects pour les intégrer dans les personnages qu’on crée.

Penser aux excentricités du personnage : qu’est-ce que le personnage fait, qui sort de l’ordinaire, et qui va avoir un impact sur son caractère et sur l’histoire (ex : dans un roman de SF, un personnage qui est un seigneur de guerre, mais qui est aussi étudiant en art et se sert de ce qu’il apprend pour la guerre).

L’article Writing Excuses, Saison 9, épisodes 1 à 10 est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Dans une précédente série d’articles, j’ai abordé ma méthode pour écrire un roman (première partie, deuxième partie et troisième partie). Je souhaiterais aujourd’hui revenir plus spécifiquement sur les corrections. Pourquoi ? Eh bien peut-être parce que je finis les corrections pour « Ceux du mercure », avant envoi aux éditeurs. Ou encore parce que je suis en pleine correction/réécriture de « La perle d’ambre ». Ou peut-être parce que j’aide mon amie Rachel Fleurotte à corriger son deuxième tome de « la septième prophétie ». Bon en gros, je suis en plein dans les corrections.

Quand on débute, on croit souvent que le plus dur, c’est d’écrire le premier jet, et qu’une fois ce passage franchi, les corrections sont une partie de plaisir. Grossière erreur. Corriger représente une étape cruciale dans l’écriture d’un roman (ou même d’une nouvelle). Voici sept points que je souhaite aborder à ce sujet.

1. Corriger les autres

Oui, j’aimerais commencer par l’importance de faire des corrections pour d’autres auteurs. Pourquoi ?

D’abord parce que c’est comme ça qu’on se fait des amis et qu’on trouve de bons bêta-lecteurs. C’est la règle du donnant-donnant, qu’hélas beaucoup d’écrivains inscrits sur des forums ont du mal à comprendre : quelqu’un dont vous avez commenté le texte ira plus volontiers vous rendre la pareille ; et c’est au fil des échanges que vous trouverez des personnes qui partagent vos goûts, vos affinités, et que vous trouverez de bons relecteurs.

Ensuite, parce qu’en corrigeant des écrits qui ne sont pas les vôtres, vous apprendrez beaucoup. Vous apprendrez à repérer les fautes, les tournures maladroites, les répétitions, mais aussi, étudier le style d’un autre auteur vous fera réfléchir sur le vôtre et vous poser les questions qui vous permettront d’avancer.

2. Se corriger

Avant de faire lire sa prose aux autres, il est préférable de bien se relire de manière à offrir à ses relecteurs le texte le plus parfait possible afin de leur faciliter le travail (moins vous laisserez de fautes plus grosses que vous, plus ils pourront se concentrer sur l’essentiel : votre texte).

C’est bien joli tout ça, mais qu’est-ce qu’on corrige ? Je vais vous livrer ici ma méthode de travail. Elle n’a pas vocation à être universelle, mais pour moi, elle a fait ses preuves :

— D’abord, je laisse reposer le texte pour l’aborder avec les idées claires (je le laisse de côté minimum trois jours pour les nouvelles et deux semaines pour les chapitres de roman, plus si possible, de manière à disposer d’un recul suffisant).

— Je commence par une première relecture globale où je corrige plutôt le fond. Je traque les incohérences, les mauvaises formulations, je réécris ce qui a besoin de l’être, j’étoffe ou sabre dans les descriptions…

— Je fais une deuxième relecture plus ciblée orthographe/grammaire/syntaxe.

— Je passe la bête dans le logiciel Antidote, et j’applique ce « programme », pour traquer les fautes, répétitions, lourdeurs de style… Je m’arrête un instant sur Antidote pour une petite parenthèse. Grâce aux prismes de ce logiciel, je peux travailler ce qui a tendance à plomber le style de mes textes :

– La voix passive (si vous pouvez rajouter « par un zombie » à la fin de la phrase, c’est que la tournure peut être améliorée).

– Les tournures impersonnelles (il y a, il faut…)

– Les formulations faibles (un peu, quelque,…) pour essayer de les remplacer par quelque chose de plus parlant.

– Les verbes ternes (être, avoir, faire…)

– Les phrases trop longues et les imbrications de subordonnées (trop de « qui » tue le « qui »).

– Les abus de conjonctions,

– Les adverbes en pagaille (les adverbes sont étonnamment parlants mais simplement trop de foisonnement peut rapidement plomber un texte pourtant éminemment bien écrit).

– L’abus de participe présent.

– Les répétitions (ma plus grosse faiblesse).

Le correcteur orthographique est assez bien fichu et vous permettra de détecter pas mal de fautes, notamment celles de typographie (attention tout de même à rester vigilant, ça reste un programme qui se plante parfois).

3. Comment « recruter » ses correcteurs

Ça y est, le grand jour est arrivé, vous avez terminé votre chef-d’œuvre et êtes prêts à le dévoiler au monde. Il vous faut donc des correcteurs. Mais où les trouver ?

Je sais que les avis divergent sur la question mais pour ma part, je préfère choisir des personnes avec lesquels j’ai une affinité. Je trouve que d’une part, leur avis est plus pertinent, car nous partageons des centres d’intérêt. En plus, corriger un roman demande du temps et de l’investissement (surtout que pour bien corriger, il faut lire le même texte plusieurs fois), que je me vois difficilement exiger ça d’un parfait inconnu (alors que d’un ami, à qui je vais rendre la pareille en l’aidant sur son texte, c’est plus équitable je trouve, cf. le point n°1).

Attention, le fait que mes correcteurs soient des amis ne veut pas dire qu’ils vont me faire des cadeaux et s’extasier devant tout ce que je leur fais lire, non ! Un bon relecteur est celui qui n’hésite pas à gentiment vous signaler que votre héroïne suspendue à une fenêtre au cœur d’un quartier bourgeois a quand même toute les chances d’attirer l’attention des voisins (contrairement à ce que vous avez écrit).

4. Que demander à vos correcteurs ?

Alors là, attention, réponse de la mort-qui-tue : ça dépend. Ça dépend de ce que vous voulez, des problèmes que vous rencontrez sur le texte. Ça dépend de vos lecteurs, du temps qu’ils ont à vous accorder…

Personnellement, je fonctionne de la manière suivante :

– Première lecture : je ne donne aucune indication à mes lecteurs, je souhaite qu’ils me fassent toutes les remarques qui leur passent par la tête. Outre les fautes que j’ai laissé passer, les répétitions qui restent, les coquilles, ils soulèvent très souvent des points sur lesquels j’avais un doute dès le départ. Mais il arrive aussi qu’ils me fassent remarquer des choses auxquelles je n’avais pas pensé (Pb de cohérence, personnage pas assez développé, description peu claire…), ou qu’ils me confortent dans mes choix (une bonne scène de bataille, un androïde de combat remportant tous les suffrages des lecteurs…).

– Deuxième lecture (et relectures suivantes) : je connais les profils et les compétences de chacun, donc je demande une attention spécifique sur des détails (grammaire et orthographe pour Rachel ; cohérence, ponctuation, typographie pour Amandine, par exemple).

5. Recorriger

Voilà, vos lecteurs ont fini, vous récupérez des posts de forum long comme le bras, ou un fichier texte plein de jolies couleurs et d’annotations. Prenez une grande inspiration, il est temps d’entamer les réjouissances. Commençons du plus simple au plus compliqué :

– Les fautes : grammaire, orthographe, syntaxe, choisissez votre parfum… et corrigez. C’est long, souvent pénible, parfois vous aurez envie de mourir de honte en voyant les énormités que vous aviez laissées, mais dites-vous que ça ira mieux après.

– Les remarques de style : descriptions embrouillées, formulation assez lourde, dialogues peu réalistes… Là, c’est plus compliqué de corriger, surtout quand les remarques pointent des passages que vous pensiez très bons. Dites-vous que si le relecteur a tiqué dessus, c’est probablement que vous pouvez l’améliorer. Dans le doute, réécrivez.

– Les problèmes de structure : personnages falots, incohérences dans la trame, baisse de rythme dans l’histoire. On arrive au morceau épineux des corrections : que faire quand vos relecteurs vous signalent un problème de ce genre ? À mon humble avis, il n’existe pas de solution miracle. Mais dites-vous que vos correcteurs sont des personnes à qui vous faites confiance, que si quelque chose les gêne, il faut probablement s’y pencher. Si un correcteur note un problème sur un point, c’est peut-être juste une affaire de goût de sa part. Par contre, si deux personnes ou plus remarquent la même chose, préparez-vous à effectuer les changements nécessaires pour le bien de l’histoire.

6. Maintenir sa motivation

Je ne vais pas le cacher, corriger, recorriger et re-re-re-recorriger un texte peut venir à bout de la patience de même un maître zen. Il y aura des moments où vous ne pourrez plus voir ce que vous avez écrit en peinture, et où vous vous demanderez pourquoi au juste vous faites tout ça (pour l’argent et la gloire ! Ah, on me souffle dans mon oreillette que c’est mal barré). L’important dans ces cas-là est de garder sa motivation et son envie d’écrire. Quelques trucs pour ça :

– Faites des pauses. À moins que vous soyez tenus par une deadline très très courte, quand le texte vous sort par les yeux, laissez-le de côté, faites autre chose avant d’y revenir.

– Définissez des objectifs réalisables et tenez-les. Dites-vous par exemple que vous allez corriger un chapitre, ou traquer les répétitions sur un passage donné. Inutile d’essayer de trop en faire, vous ne réussirez qu’à vous dégoûter.

– Entourez-vous. Que vous ayez besoin d’encouragements, ou de menaces pour vous motiver, mettez votre entourage à contribution. Vous pouvez aussi faire des stocks de bonbons, coca, thé ou café pour vous motiver, mais c’est à vos risques et périls concernant les sucreries.

7. Polir le diamant

Dernière étape de la lecture, mais non la moindre : les derniers réglages. Vous avez récupéré les dernières remarques de vos lecteurs, vous êtes au clair avec les tenants et les aboutissants de l’histoire, vous avez corrigé toutes les fautes, bref, vous êtes prêts à envoyer votre bébé à un éditeur, aux organisateurs d’un AT, ou vous vous préparez à le publier.

Avant de franchir le pas, une dernière relecture pour vérifier que tout est parfait s’impose. Pour cette étape, je vous conseillerai la relecture à voix haute. Alors oui, je sais, c’est long, ça irrite la gorge et vous fait passer pour un dangereux maniaque auprès des voisins. Mais dites-vous que vos voisins vous prennent déjà pour un fou (après tout, votre loisir consiste à inventer des histoires), et relire à voix haute vous permettra de dépister les dernières fautes. Alors lancez-vous.

Voilà, voilà, vous savez tout maintenant des corrections. Enfin presque. Si vous avez vos propres trucs et astuces, vos méthodes de travail, n’hésitez pas à les partager, ça m’intéresse, et en attendant, à vos claviers et stylos !

Vous avez aimé cet article? Envie de n’en louper aucun? Abonnez-vous la newsletter !

[mc4wp_form]

L’article Corriger un roman en 7 points est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.

Sauf que rien ne vient. Le blanc. À hurler de frustration, non ?

Je partage avec vous quelques astuces que j’ai expérimentées pour lutte contre la page blanche.

1.      « Butt on the chair, hands on the keyboard ».

La formule est empruntée à nos amis anglo-saxons et signifie tout simplement : « colle tes fesses sur ta chaise, tes mains sur le clavier et ne bouge que quand tu auras suffisamment bossé » (traduction un peu étoffée, je vous l’accord, mais l’idée est là).

Un peu extrême, je vous l’accorde. Sauf qu’il y a des fois où ça marche. Il suffit de se forcer un peu pour arriver à débloquer une situation. Le plus dur est de commencer, de poser les premières phrases, ensuite ça va mieux.

2.      Écrire autre chose.

J’ai toujours plusieurs projets en cours, et des fois, je suis plus motivée par l’un que par l’autre. Dans ce cas, pas la peine de se forcer à écrire une scène pour laquelle on n’a aucune motivation. Autant travailler sur autre chose et revenir sur le premier projet une fois que ça ira mieux.

3.      Faire autre chose.

Si vous n’avez pas d’autres projets en cours, ou que ceux-ci vous sortent également par les yeux, faites une pause écriture. Sortez, profitez de la vie, occupez-vous de vous, ou de votre famille. Détendez-vous. Pas la peine de se culpabiliser en se disant « Mais je gâche un temps précieux réservé à l’écriture ». Rappelez-vous, l’écriture doit rester un plaisir. Si ça commence à devenir une corvée, autant arrêter.

(Note : je parle ici pour les écrivains amateurs comme moi, qui font ça sur leur temps libre, à côté de leurs études ou de leur « vrai » travail. Je pense que le cas est différent pour quelqu’un qui vit de sa plume est qui est confronté à un choix simple : pas d’écriture = pas d’argent).

4.      Réfléchir à ce qui vous bloque.

Pourquoi cette réticence à vous coller derrière votre clavier et à écrire ? Est-ce que vous êtes fatigué ? Ou est-ce que finalement la superbe saga épique vous avez commencé ne vous motive plus autant ? Ou alors est-ce ce le héros de l’histoire qui vous barbe ?

J’ai remarqué que très souvent, mes blocages en écriture étaient liés à des questions que je me posais sur l’histoire. Quand je doute et que je ne suis pas sûre de ce que je veux pour mon histoire, j’ai du mal à avancer. Il faut alors que je réfléchisse et mette les choses au clair. Si vous avez un scénario détaillé, c’est le moment de le reprendre pour voir ce qui ne va pas.

5.      Avoir confiance en soi

Arrêtez de vous dire « Ce que j’écris craint un max, c’est nul ! ». C’est un premier jet, un texte brut de décoffrage, pas corrigé, pas retravaillé ni rien. Alors forcément, c’est souvent décevant. Mais dites-vous que vous allez réécrire tout ça et foncez. Ne laissez pas la peur vous bloquer.

6.      Se fixer des objectifs.

Quand je peine à me motiver, je me fixe de petites tâches, réalisables et gratifiantes. « Aujourd’hui, tu vas écrire 800 mots ». C’est faisable en une journée et quand on a fini, on a l’impression d’avoir accompli quelque chose. Et petit à petit, on arrive à pondre un texte conséquent.

Petite parenthèse à ce sujet : NaNoWriMo. Pour ceux qui ne connaîtraient pas, il s’agit d’un challenge qui a lieu tous les mois de novembre : écrire au minimum 50 000 mots en un mois. Je l’ai fait cette année (si vous êtes curieux, allez voir mon compte-rendu), et j’ai remarqué que c’est un très bon challenge pour ceux qui ont du mal à se motiver. Vous vous donnez un mois pour avancer sur un projet, en plus vous ne le faites pas tout seul, mais avec des amis.

7.      Entourez-vous.

Ce qui m’amène au point n° 7 : ne restez pas tout seul dans votre coin. Trouvez-vous des amis avec qui écrire. Personnellement, je suis inscrite sur un forum d’écriture : l’atelier d’écriture. C’est un petit forum, mais l’un des plus sympas que j’ai trouvé, avec plein de gens chouettes très bons relecteurs, mais il y en a plein d’autres sur le Net. Sur ce forum, je me suis fait des amis avec qui j’échange régulièrement, sur et en dehors du forum. On se corrige mutuellement, on se motive quand quelqu’un a une baisse de forme. Je sais que je peux compter sur eux et eux sur moi. C’est pas beau tout ça ?

Voilà, j’espère vous avoir aidé. Si vous avez vos trucs et astuces personnels, n’hésitez pas à les partager avec moi (enfin, si vous voulez…) ça m’intéresse toujours de savoir comment les autres travaillent.

En attendant, bonne année à tous !

L’article 7 astuces pour lutter contre la page blanche est apparu en premier sur Catherine Loiseau | Autrice, Coach et Formatrice.